olhar cinéfilo

As aventuras de Tintim

2012-01-17T22:18:00.001-01:00

Ninguém precisa ler biografias sobre Spielberg para notar que o diretor de As aventuras de Tintim leu pouco na infância. Também não é preciso 3-D para saltar aos olhos que a psicologia dele continua sendo a mesma do escoteiro que, ansioso, mostrou aos colegas um filme de sua autoria. Spielberg quer agradar as massas. Isso esclarece muito sobre a importância que As aventuras de Tintim dá ao que os fãs de Hergé vão pensar. Ou seja, nenhuma.

Ler pouco, aqui, significa ler gibis apenas. E olhe que Spielberg não leu nem Tintim. Tenho lá minhas dúvidas, também, que o dinâmico trio de roteiristas tenha lido os 23 álbuns da coleção. Será que leram ao menos O segredo do Licorne e O tesouro de Rackam, o Terrível? Algumas poucas cenas dos dois álbuns são aproveitadas em As aventuras de Tintim, e nas raras vezes que isso acontece, os fãs das histórias de Hergé se regozijam.

Edgar Wright e Joe Cornish (dupla que assina o roteiro de Ataque ao prédio), com a ajuda do estreante Steven Moffat, pasteurizaram Tintim. Indianajonizaram Tintim. Na melhor das hipóteses, modernizaram Tintim, na ânsia de torná-lo mais apetecível às novas e novíssimas gerações.

Pensando bem, eles devem ter lido a coleção toda, sim. Imagino inclusive que tenham recebido “carta branca” para fazer uma mixórdia de citações e uma cornucópia de situações. Toda e qualquer “cena de ação” poderia ser pinçada de outros álbuns e acrescentada ao enredo. E, é claro, uma ou outra “criação original”, como atesta a esdrúxula cena dos guindastes no porto.
É preciso fazer justiça: algumas misturas funcionam, como a participação da carismática Branca Castafiore. Mas nada, absolutamente nada, perdoa a ausência do professor Girassol.
A pergunta inevitável: eu gostei de Tintim pasteurizado, indianajonizado e modernizado?
A resposta irrefutável: claro!
O tintinófilo é, antes de tudo, um cinéfilo.
E até mesmo os tintinófilos mais ortodoxos têm lá seus motivos para gostar de As aventuras de Tintim.

Milu não fala nem pensa como nos quadrinhos de Hergé, mas em compensação Spielberg e seu trio parada dura de roteiristas nos reservam sequências em que o cãozinho-de-pelagem-de-neve revela toda a sua perspicácia.

A Tintim, por mais descaracterizado, sobram ainda resquícios de sua magnética personalidade. Tintim é honesto, intimorato, arguto, direto. No filme de Spielberg essas qualidades transparecem.

O capitão Haddock é o trunfo da adaptação, o personagem mais fielmente transposto à tela. E é por meio de Haddock que o filme se sustenta. As idiossincrasias do velho lobo do mar provocam risos no público, mais ainda naqueles que cresceram (?) aprendendo, nos balões de Hergé e no palavreado sui generis do capitão Haddock, xingamentos como flibusteiros, sacripantas, bucaneiros, cataplasmas, marinheiros de água doce, cornamusas, etc.

Os atrapalhados gêmeos Dupont e Dupond também receberam a merecida relevância.

Sobre os ‘aspectos técnicos’: seria, além de redundante, desnecessário, mencionar que os efeitos de captura de movimentos impressionam pela perfeição e que a escolha desse método híbrido e inovador foi (é) eficaz.

Pergunto-me o que Hergé acharia se pudesse assistir, seja lá de onde ele esteja, ao filme inspirado em sua obra. Misto de orgulho com surpresa? Quem sabe, uma ponta de decepção pelas “liberdades” tomadas?

Uma coisa é certa: se Hergé, o gênio dos quadrinhos, assistisse ao filme sem os pudores de autor que teve a obra adulterada, teria que reconhecer: Spielberg é um gênio do cinema.

SPIELBERG: SHALLOW OR SUBSTANTIAL?

2012-01-14T18:28:00.000-01:00

SHALLOW OR SUBSTANTIAL:

SPIELBERG’S BLOCKBUSTER POETRY

A paper by HENRIQUE DE OLIVEIRA GUERRA

CONTENTS

INTRODUCTION

1. FILMS AND SOCIETY

2. SHALLOW SPIELBERG

3. SUBSTANTIAL SPIELBERG

FINAL CONSIDERATIONS

REFERENCES

INTRODUCTION

This paper aims at investigating the cultural and (if there is some) social influence of Steven Spielberg over American and world audiences throughout the past 35 years, since the smashing success of Jaws (1975). My motivation is try to understand his work as a whole and to see to which extent this work was essential (or no) in shaping American culture (and, why not, global culture) during this time. By writing this paper I want to be able (and, I hope, the readers by reading it) to offer more consistent answers to questions such as: Can films actually influence people’s opinions and standpoints? Why do some scholars around the world despise Spielberg? Is success incompatible with a deeper, more intellectual culture? Are Spielberg’s movies worth seriously discussing?

In order to achieve these goals, I structured this paper in three parts. First section deals with general, sociological aspects concerning the film industry and its impact on mass culture. Some books about the subject are quoted, mainly regarding the question of how movies have been influencing culturally and socially the audiences since the 1890s. This initial part is important because it will give the basis to the following discussions on Spielberg’s films.

The second part investigates why some Spielberg’s movies are considered superficial and why some scholars and “intellectuals” consider most Spielberg’s movies shallow. The emphasis on this section is to quote reviews which stress negative aspects of his work as a whole. Some aspects of Spielberg’s biography will be covered, mainly when these life facts can throw some light to Spielberg’s so-called “superficiality”.

The third part is dedicated to a new way of considering Spielberg’s films. Since 1993 – the year Schindler’s List gained huge audiences, and the Academy finally awarded Spielberg an Oscar –, Spielberg’s films started to be seen with more attentive, thoughtful eyes. Nowadays his work is being increasingly studied. Every aspect of his movies is being explored, from technical to sociological and even philosophical.

Last but not least, a brief section called “Final considerations” sums up the main ideas of the paper, followed by a list of references.

1. FILMS AND SOCIETY

From its very beginnings it was clear that the “seventh art” had an amazing ability to both awe and move audiences. Those first days when movies had no sound going to theaters became a habit to millions of Americans. Steven Ross, in his preface to Movies and American Society (2002), gives astounding numbers: by 1914, all American towns with over 5,000 inhabitants had movie theaters; by 1920, there were 15,000 theaters all over the USA, and 50 million Americans (nearly half the population) flocked to one of them weekly; by 1930, almost 100 percent of the nation’s population were moviegoers. People from every class had access to the cinema. Robert Sklar, one of the first authors who investigated social influences of the film industry, with the book Movie-Made America (1975), points out that this “new medium of entertainment” was discovered by “the urban workers, the immigrants and the poor”.

Another author, John Belton (American Cinema, American Culture, 2005), explains that industrialization and the rise of mass culture gave rise to two movements: populism and progressivism. The roots of populist ideology were the very ideals of Jeffersonian tradition. The contact with Nature and association with land were the main virtues of the American citizenry. Ownership of property meant power and independence. Populism opposed big business, industrialism and commercial agriculture, and believed that progressive ideologies hampered the individual’s pursuit of happiness. John Belton argues: “Much of American cinema can be mapped in terms of its relation to notions of political, social, cultural, and economic reform articulated by populist and progressive ideologies” (Belton, 2005).

Belton continues his analysis by giving examples of how “American masculinity survived the onslaught of modernity”. One of the instances he chooses is Steven Spielberg’s Jaws (1975), where the character portrayed by Roy Scheider (Chief Brody) “opposes civic corruption and battles a great white shark, proving that in modern America one man could still make a difference”. Movies like It’s a Wonderful Life (1946), by Frank Capra, represent the “‘lost Eden’ of small-town America”, while movies like Taxi Driver (1976) show the nightmares of urbanization. In other words:

The boundaries of the American cinema are defined by these two diametrically opposed visions—the utopian vision found in Capra, Spielberg and others and the dystopian vision found in film noir, Scorsese, Lynch, and others. These two visions constitute a single, larger, more complex vision that represents the deeper contradictions within the American psyche (Belton, 2005, p.xxii).

That movies can move audiences nobody had doubts. But can movies change people’s behavior and way of thinking? Are movies really culturally and socially influential? Robert Sklar provides a good answer: “American movies, through much of their span, have altered or challenged many of the values and doctrines of powerful social and cultural forces in American society, providing alternative ways of understanding the world” (Sklar, 1975).

Not so different is Steven Ross’s opinion. For him, more than just entertainment, films are “(…) historical documents that help us see – and perhaps more fully understand – the world in which they were made” (Ross, 2002). He holds that movies both reflect and shape changes in society. Movies not only show people how to dress, look and buy, but also teach them how to thing about relevant issues such as race, class, ethnicity, politics and gender. Besides, Steven Ross adds that the cinema is a medium which combines entertainment and politics in a form highly accessible to world audiences. He exemplifies how movies help to raise public consciousness:

Movies depicting the evils of child labor, the demand for women’s suffrage, the financial hardships of the elderly, the tragedy of racism, and the problems of sexual discrimination helped raise public consciousness and in so doing helped ease passage of bills aimed at remedying these problems (Ross, 2002, p.4).

Another important question mentioned by Ross refers to audience reception. Initially, scholars assumed that movies acted as “hypodermic needles”, that is, audiences interpreted movies through filmmakers’ intentions. According to this view, movies helped to maintain the status quo instead of making people question the fundamental tenets of their societies. Nowadays, a new generation of scholars demonstrated that moviegoers were not blank slates and did not passively accept everything that was shown on the screen.

Among this new generation probably is Tom Stempel, who published the book American audiences on movies and moviegoing (2001). Through questionnaires, Stempel collected opinions and impressions of many moviegoers about movies in general. He devoted one chapter to Spielberg’s movies. The chapter starts with this sentence: “The most commercially successful director, and certainly the best known to the public, since the seventies is Steven Spielberg” (Stempel, 2001). Moviegoers tell how they were impressed, surprised, marveled, thrilled and even bored by Spielberg’s movies. No matter the reaction of the audience, most people emphasized the importance of Spielberg in their future relation with the cinema. It is interesting to think that the same respondents to the questionnaire are probably people who grew up in the 1970s and the 1980s watching Spielberg’s movies – the same generation which today occupy important positions in firms and governments.

On his own turn, John Belton believes that there is extreme complexity in the relationship among American cinema and American identity. “Each shapes and is shaped by the other in a constant process of mutual determination” (Belton, 2005). This reasoning could be applied in more international terms, if we consider the nowadays cinema globalization. The relation between world cinema and world identity is extremely complex. Each helps to determine the other in a never-ending flow.

More specifically, Belton is worried with how the American cinema contributed with national identity. According to him, films act as a cohesion element in periods of cultural transition and instability. While I quote the following Belton’s words (which emphasize the important of American cinema to American identity), I wonder how this same American cinema influences national identities other than American:

More importantly, the American cinema plays a crucial role in assisting audiences in negotiating major changes in identity; it carries them across difficult periods of cultural transition in such a way that a more or less coherent national identity remains in place, spanning the gaps and fissures that threaten to disrupt its movement and to expose its essential disjointedness (Belton, 2005, xx).

Does Spielberg’s filmography span gaps and fissures of American identity? In the next topic I turn my attention to Spielberg, his background, some criticisms he has been receiving, and prejudices evoked by his work. Some of these prejudices help to explain why he is sometimes considered “shallow”.

2. SHALLOW SPIELBERG

If movies can change society, one logical assumption is that the movies of the nowadays most influential director have been shaping moviegoers minds, and therefore, their cultural and social standpoints since the mid seventies. Just to give an example of Spielberg’s importance, let’s consider one easily found (and incredibly shallow) guide called 501 Movie Directors. Anyone who briefly takes a look in this guide in a library can verify: Spielberg (besides being on the cover) receives four pages, while other important filmmakers – such as Australian Peter Weir – deserve only one page. And I defy any creature in the whole world to prove me that Peter Weir is shallower than Spielberg.

What is to be shallow, anyway? I mean, cinematographically speaking. A good explanation is found in one of Pauline Kael’s fine essays about movies. More specifically, On the future of the movies, originally published in The New Yorker magazine, in 1974, and later compiled in Raising Kane and other essays. Kael – one of the most respected movies critics of all times – suggests (even though she does not actually use the word ‘shallow’) that shallow movies are those which people cannot discuss after the lights are on. In other words, shallow movies are those consumed entirely in the movie theater, those movies that do not provoke further thoughts and debate. She criticizes the new generations of high school and college students who enjoy movies that make the whole job for them; and she sadly concludes that people more and more prefer what is obvious and easy to swallow (Kael, 2000).

How would you classify, for instance, Spielberg’s latest movie as a director, Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull (2008)? Have you seen it this movie? If the answer is yes, do you remember anything about the plot? Does the movie convey any social message? After watching it, did you go to a bar with your intellectual friends and discuss its many aspects? Is anything worth discussing in it, by the way? Now, apply the same questions to Munich (2005). By this reasoning, one could label (at least in a shallow look) the former as a good example of Spielberg’s “shallowness”, and the latter of his “substance”.

The same way one can ask himself “Does being popular mean be shallow?” he or she can add the question “Can talent be measured with school grades?”. The common sense answer for both questions would be “Not necessarily”. No wonder that in Portuguese common sense is “bom senso”.

Spielberg’s biographers are almost unanimous in affirming that Spielberg had poor grades in high school. That’s why he had problems with getting a position in a good cinema college. These poor grades would arise from Spielberg’s poor abilities in reading. Through his childhood, he preferred watching TV to reading literature (Powers, 2005). The only type of “literature” he enjoyed was comic books. Maybe this could help explain the visual strength of his movies.

The purpose of this paper is not to make a Spielberg’s profile. But I find pertinent to mention just two more facts: when he was a 6-year-old kid, his father woke him up late at night. They both drove into the countryside to watch a meteors rain (Powers, 2005). This experience was never forgotten by Steven. In my point of view, this memorable night explains some of the Spielberg’s fascination for everything that comes from space. Another important fact in his childhood occurred when he showed his Boy Scouts group a movie that he had made. The reaction of acceptance thrilled the little Steven in a way he would never forget.

In a book of interviews, Spielberg comments this event: “For me nothing’s changed from the first day when I was a twelve year old and showed a 8 millimeter movie I had made to Boy Scouts” (Friedman & Notbohm, 2000). The relevance of this emotion is emphasized by the authors of Steven Spielberg: interviews. A collection of various interviewers, 1974-1999:

Spielberg’s psyche remains indelibly stamped by this childhood image of himself as a perpetual outsider and of filmmaking as the key to acceptance. His aesthetic sensibility, therefore, is almost always bent to his ongoing need for us to like his films – and by extension the man himself (Friedman & Notbohm, 2000, Introduction, xi).

However, sometimes not even Spielberg manages to please audiences. Sometimes, even his most passionate fans and movie critics who generally appreciate his work are let down by his movies. Referring to Hook (1992) and Always (1989), two of the most unsuccessful Spielberg’s movies, Friedman says: “It’s more fun to talk about Hook and Always than to watch them. Neither offers a sustained sense of pleasure or the complexity of Spielberg’s finest works.” (Friedman, 2006).

Jean Tulard, in his Dictionnaire du Cinéma – Les Réalisateurs (Dicionário de Cinema – Os Diretores, L&PM), speaking of Jaws (1975) and Close Encounters of the Third Kind (1977), classify both movies as “neither innovating regarding the script, nor convincing regarding the interpretation”; both movies are “highly puerile, mainly in the moral they convey” (Tulard, 1996).

Pauline Kael was on the top of her career when Spielberg was starting (the seventies). Julie Rigg, writing a tribute on Kael’s work, quoted a Kael’s review on Spielberg’s first cinema movie (he had already directed Duel [1971] for television):

The Sugarland Express is like some of the entertaining studio-factory films of the past (it's as commercial and shallow and impersonal) yet it has so much eagerness and flash and talent that it just about transforms its scrubby ingredients. The director, Steven Spielberg is twenty six, I can't tell if he has any mind, or even a strong personality, but then a lot of good moviemakers have got by without being profound.

While considering worth studying Spielberg’s work, other authors acknowledge the scholarly despise and prejudice that his movies inspire. Warren Buckland, author of Directed by Steven Spielberg: Poetics of the Contemporary Hollywood Blockbuster (2006), comments: “Just as traditional critics in the 1950s did not consider the work of Hitchcock, Hawks, et al. to be worth as analyzing as films, film scholars today do not consider Spielberg’s film style and narration to be worthy of study.” Friedman and Notbohm, in the interviews book mentioned above, confirm that Spielberg is seen with contempt by “most film scholars”, who “contemptuously dismiss Spielberg as little more than a modern P. T. Barnum, a technically gifted and intellectually shallow showman who substitutes spectacle for substance.” They regret that too little efforts are made “to analyze the components of his essential worldview, the issues which animate his most significant works, the roots of his immense acceptance, and the influence his vast spectrum of imaginative products exerts on the public consciousness.”

Stephen Jay Gould accepted an invitation by Mark Carnes to analyze one of Spielberg’s most stunning successes: Jurassic Park (1993), based on Michael Crichton’s book. Gould’s essay appears in the collection Past imperfect: History According to the Movies. Gould criticizes two mistakes of the movie (while highlighting that he, as economist Pareto, prefers a fruitful mistake to a sterile truth): 1) insufficient acknowledgment of Nature complexity; and 2) stereotypes of science and History. These mistakes are even more frightful when you consider that some science teachers (for instance, in Porto Alegre, Brazil) showed the movie to their students without pointing out the scientific weaknesses of the movie. One Spielberg’s defender could reasonably argue that despite the scientific superficialities of Jurassic Park, the movie had the merit of calling attention to biological and paleontological studies, and to provoke ethical discussions about cloning.

To end this section of the so-called “shallow” and “puerile”, it would be appropriate to add some comments regarding two at first sight shallow Spielberg’s movies: Jaws and E. T. Prized by Pauline Kael as “the most cheerfully perverse scare movie ever made”, Jaws (1975) combines classical Hollywood genres (monster movie, slasher film, thriller, buddy film, chase film). Based on a novel that sold 7 million copies, the movie ends stressing the friendship between three men. Because of its fantastic action and suspense sequences, the movie became a “must-see” movie in 1975. The proof that the white shark not only attacks in “shallow waters” but also makes his way in “deeper”, bluer sea, is this very paper. I could write an essay only about Jaws if I wanted to. The movie inspired a lot of publications, even one of Brazilian cartoonists. I think it would be not stupid to say that Jaws both thrills and provokes some (at least superficial) thoughts.

As for E. T. (1982), although superficial in form, it has the merit of showing to whole generations how big (and deep) the universe is. Rolf Jensen (1999, quoted by Buckland, 2006) identifies six basic types of emotions that are essential to advertising: adventure, love and friendship, care, self-identity, peace of mind, and beliefs and convictions. According to Buckland, Jensen’s list of six emotions can easily be found in Spielberg’s films – and, taken together, they seem to sum up the emotions conveyed in E. T. (Buckland, 2006).

Ten years have passed since Friedman & Notbohm regretted that too few books have been made seriously addressing Spielberg’s work. During these ten years, I think, the situation has changed. As one can see by mere looking at some references of this paper, interest in Spielberg’s work is increasing. His movies have recently inspired a lot of research and books, even philosophical essays! (One of them, by the way, entitled What is wrong with cloning a dinosaur? Jurassic Park and Nature as a Source of Moral Authority, by James Spence). Next section will explore what gives substance to Spielberg’s movies and discuss some of the latest developments in the way his movies are seen.

3. SUBSTANTIAL SPIELBERG

Last section I quoted Jean Tulard and Pauline Kael criticizing some aspects of Spielberg’s work. However, both Tulard and Kael’s general opinions about Spielberg gradually became favorable. Despite his “shallow” and “puerile” movies, he would be a talented filmmaker after all. Tulard affirms that “his fabulous recipes make him an accomplished producer-director” and that Schindler’s List is a “profound, dramatic vision of the Jew holocaust” (Tulard, 2000). Kael acknowledges Spielberg’s talent in her essay On the future of the movies.

As for the question if a movie can be popular and deep at the same time, according to Spanish writer and reviewer Javier Ortega, author of Diario de un cinéfilo distraído (2001), the answer is yes. In his book Spielberg, el hacedor de sueños, he holds that there is a class of moviemakers who both entertain the audiences and make them think. These directors manage to produce honest, extremely delightful movies that can be enjoyed by great audiences and at the same time be full of interpretations and meanings of no little substance. “Among this class of filmmakers, Steven Spielberg is, in my point of view, both commercially and artistically speaking, the most talented and brilliant” (Ortega, 2005, my translation from Spanish).

Warren Buckland (2006) analyzes Spielberg technical virtuosities. “Spielberg does not invent a new film language, but manipulates the existing language in a distinct and completely effective manner to create a quality specific to his films.” For Buckland, Spielberg’s long takes display a mastery of vision similar to poetry. “Spielberg’s poetics is based on his internalization of a series of highly ritualized skills and habits, which constitute his tacit knowledge. This tacit knowledge enables Spielberg to make a series of (usually consistent) choices in the construction of his blockbuster films” (Buckland, 2006). Buckland tells that the “blockbuster era” became dominant from 1975. The Movie Brats are a group of blockbuster directors, usually college educated, such as Coppola, Lucas and Spielberg. These guys recycled classical B-movie genres using A-movie budgets.

Buckland also emphasizes the task of the director: “Like the orchestra’s conductor, the film director manages the film’s total design.” The director’s job, according to Buckland, is to create what is absent in film’s discrete parts – an added value that emerges from the combination of parts into an organic unity. Through organic unity the parts reach their best possible level of integration. “In an organic unity, all the parts interrelate to create the whole” (Buckland, 2006).

To which extent can Spielberg be considered an auteur? According to Buckland, together with a handful of contemporary directors, Spielberg is an auteur, but not because he works against the Hollywood industry (as the auteurs in classical Hollywood). Instead,

(….) Spielberg is an auteur because he occupies key positions in the industry (producer, director, studio co-owner, franchise licensee); he is therefore attempting to vertically reintegrate the stages of filmmaking – but, unlike classical Hollywood, the integration is under the control of creative talent, not managers (Buckland, 2006, p. 15).

Friedman (quoting Scott) agrees with this vision: “Ironically, it is Steven Spielberg, the child of the studio system, who has become America’s truly ‘independent filmmaker, able to do his work with minimal creative interference and with very little budgetary constraint’” (Friedman, 2006).

This same author, together with Brent Notbohm, cites that five Spielberg movies are among the 100 best films of all time recently identified by an American Film Institute poll. These five movies are: Schindler’s List, E.T. The Extra-Terrestrial, Jaws, Raiders of the Lost Ark, and Close Encounters of the Third Kind. They conclude: “Given the totality of his input into our national consciousness, the combined products of Spielberg’s imagination represent a ubiquitous cultural force whose influence extends far beyond the confining screens of local metroplexes” (Friedman & Notbohm, 2000).

But when in Spielberg’s career did people start to take him more seriously? According to Nigel Morris (2007), “the shift came after Schindler’s List (1993).” Lester Friedman totally agrees with this standpoint, considering what he wrote in Citizen Spielberg:

While earlier films like Close Encounters of the Third Kind and E.T. emerged from deeply personal needs and obsessions, his latest productions turn toward broader social concerns such as racism and prejudice (Amistad and Schindler’s List), historical and cultural memories (Saving Private Ryan), humanity’s place in a technological world (A. I.), governmental intrusion (Minority Report) and restriction (The Terminal), invasion and annihilation (War of the Worlds), and personal identity (Catch me if you can) (Friedman, 2006).

All these films cited by Friedman were released after 1993, therefore confirming Morris’s opinion. Friedman then divides Spielberg’s movies in four categories: Action/Adventure Melodramas, Monster Movies, World War II Combat Films and Social Problem/Ethnic Minority Films.

For Dean Kowalski (the author who compiled essays to publish in 2008 the book Steven Spielberg and philosophy: we are going to need a bigger book), “no film director has had more impact on popular culture than Steven Spielberg.” By the way, the subtitle of the book makes a paraphrase to Roy Scheider’s comment in Jaws (we are going to need a bigger boat). Kowalski first mentions the controversy in the philosophy of film and in the philosophy of pop culture about whether a film “does” or no philosophy similarly to trained philosophers. “If ‘doing philosophy’necessarily requires constructing arguments and defending their premises via logical analysis”, explains Dean Kowalski, “it seem unlikely that popular film accomplishes that. But it cannot be denied that movies raise philosophical questions and sometimes offer suggestions about their answers” (Kowalski, 2008).

Steven Spielberg and philosophy: we are going to need a bigger book covers different philosophical topics, such as: the recovery of childhood and the search for the absent father, the paradox of fictional belief, ethics of alterity, the tragic sense of life, cloning, ethics of the family, human rights, terrorism. For Joseph McBride, one Spielberg’s biographers, the publication of this book is a “sure sign that Steven Spielberg has finally been accepted into the academic canon after many years of being unfairly disparaged as a superficial entertainer”.

All in all, since 1962, when he won “Canyon Films Junior Film Festival”, with a 40 minute World War saga titled Escape to Nowhere, Spielberg has been building a solid career as a filmmaker. After 1993, his movies became more preoccupied with deeper issues. But (with a little effort) even his first movies can be thought-provoking. I would like to appropriately close this section with a quote:

The Steven Spielberg who emerges through these interviews is a complex amalgam of businessman and artist, of arrogance and insecurity, of shallowness and substance. For good or for ill, Spielberg has emerged as a larger than life figure within American society, a cultural force that shapes our times and inhabits our dreams (Friedman & Notbohm, 2000, xiii-xiv).

FINAL CONSIDERATIONS

Writing this paper was both an exercise of academic skills and a labor of love. Not that I love Spielberg, I would not put it that way. But if I said I love the movies I would not be far from the truth. And if I said that Spielberg is in my Top Ten Directors list I would not be lying either. As a cinephile, I enjoy every phase of his career. I think this must have become clear to the reader even before I am actually writing it.

Writing this paper gave me new insights about important topics, such as social relevance of the movies. I was surprised that this is already a broad field of study and that there are plenty of books that one can read about it. Furthermore, I became aware of things I did not know concerning the subject of paper, such as details of Spielberg’s life and technical decisions. And I came to know a lot of books written about different aspects of his work. Throughout this process, my admiration for Steven Spielberg did not specially grew. Instead, my comprehension of his works as a whole and his evolution towards maturity certainly grew a lot. I can see some things clearer now.

As for the questions I asked myself in the introduction, I would not dare to say that now I have the answers for them. But it can be said that according to the readings and quotations of the first section, it is generally agreed that yes, films can actually influence people’s opinions and standpoints. Some scholars around the world despise Spielberg because of his power, I think. Is success incompatible with a deeper, more intellectual culture? A lot of people do no think so. Are Spielberg’s movies worth seriously discussing? Again, considering the amount of books and essays recently published concerning this very topic, the answer is yes.

As far as I can see, Spielberg will continue to intertwine shallower movies with more substantial ones. After Munich (2005), Spielberg made a new Indiana Jones, and prepares for the next year a movie about Tintin, the memorable reporter created by Belgian cartoonist Hergé. At first sight, it is only one more product of Spielberg’s “blockbuster poetic”. However, everyone who read Tintin albums as a kid knows that Tintin travels every country, pilots every vehicle, and fights every villain. But I can assure you one thing: there is nothing shallow about Tintin.

REFERENCES

Belton, John. American Cinema, American Culture. 2nd edition. New York: McGraw-Hill, 2005

Buckland, Warren. Directed by Steven Spielberg: poetics of the contemporary Hollywood blockbuster. New York: The Continuum International Publishing Group, 2006.

Friedman, Lester D. Citizen Spielberg. University of Illinois Press, 2006.

Friedman, Lester & Notbohm, Brent. Steven Spielberg: interviews. A collection of various interviewers, 1974-1999. University Press of Mississippi, 2000.

Gould, Stephen Jay. O parque dos dinossauros. In: Carnes, Mark (org.). Passado imperfeito: a história no cinema. Rio de Janeiro: Record, 1997.

Kael, Pauline. Criando Kane. Rio de Janeiro: Record, 2000.

Kael, Pauline. Condensed Review of Jaws. Available in: A Goldmine of Pauline Kael Reviews . Access in July 2, 2010.

Kowalski, Dean. Steven Spielberg and philosophy: we are going to need a bigger book. Lexington: The University Press of Kentucky, 2008.

Ortega, Javier. Spielberg, el hacedor de sueños. San Pablo: Berenice, 2005.

Powers, Tom. Steven Spielberg. Minneapolis: Lerner Publications, 2005.

Rigg, Julie. Pauline Kael – A Tribute. Available in: < http://archive.sensesofcinema.com/contents/01/17/kael.html>. Access in July 2, 2010.

Ross, Steven. Movies and American Society. Padstow, Cornwall: Blackwell Publishing, 2002.

Schneider, Steven Jay. 501 Movie Directors: A Comprehensive Guide to the Greatest Filmmakers. New York: Barrons Educational Series, 2007.

Sklar, Robert. Movie-Made America. New York: Random House, 1975.

Stempel, Tom. American audiences on movies and moviegoing. Lexington, The University Press of Kentucky, 2001.

Tulard, Jean. Dicionário de cinema: Os diretores. Porto Alegre: L&PM, 1996.

Vander Hook, Sue. Steven Spielberg: groundbreaking director. Edina: ABDO Publishing Company, 2010.

This paper was originally written for the course American Culture, Universidade Federal do Rio Grande do Sul, first semester of 2010. This version contains the changes suggested by teacher Marta Oliveira.

Cavalo de guerra

2012-01-13T00:57:00.003-01:00

Cavalo de guerra (War Horse, 2011), de Steven Spielberg, baseia-se na novela infantojuvenil publicada em 1982, de autoria de Michael Morpurgo. Em 2007, estreou em Londres a peça homônima, adaptada por Nick Stafford. Em entrevista concedida à BBC em 2010, Morpurgo conta como teve a ideia de escrever sobre a Primeira Guerra Mundial sob a perspectiva de um cavalo e dos soldados que tiveram contato com ele, primeiro soldados britânicos e depois alemães, e então uma família francesa com quem o cavalo passa uma breve temporada. A intenção de Morpurgo: transmitir uma ideia universal do sofrimento causado pela guerra. Não é necessário sinopse melhor. Cavalo de guerra não comove apenas pelas cenas de batalhas e galopes em meio a explosões, metralhas e arames farpados. É um filme de multivariado estofo. A teimosia de um ex-combatente decidido a comprar um belo potro no leilão. A tenacidade de um garoto determinado a lavrar um campo pedregoso. A ligação entre Joey (o potro) e Albert (Jeremy Irvine), construída em tempos de aparente paz. As pessoas que vão entrar em contato com o cavalo em tempos de guerra. A colaboração entre dois soldados de exércitos inimigos em prol de um objetivo comum. Tudo isso com economia de palavras e fartura de cenas primorosas.

Alvin e os esquilos 3

2012-01-08T22:25:00.001-01:00

Ter filho pequeno é o álibi perfeito para ir ao cinema e ver filmes como Alvin e os esquilos 3, em uma sessão cujo meu único compromisso era fazer um menino de 4 anos parar quieto na poltrona até mesmo nas partes menos movimentadas. Ele e o primo de 8 anos nem piscaram durante a parte do navio, com peripécias mil dos incontroláveis esquilos. Já na parte da ilha, as ações diminuem de ritmo, e o mais pequeno ficou inquieto. Em outras palavras, quando o filme se torna uma espécie de Náufrago sem Tom Hanks, a paciência dos pequenos começa a fazer água. Mas (ufa!) nada como um vulcão em erupção e um tesouro atrás da cachoeira para salvar o interesse. Ao término da sessão, pedi aos dois que nota dariam ao filme. A nota dos primos foi unânime: 10.

Tudo pelo poder

2012-01-05T09:47:00.001-01:00

A fonte de Tudo pelo poder é a peça teatral Farragut North, de autoria de Beau Willimon, que trabalhou em campanhas eleitorais dos democratas. Willimon coassina a adaptação da peça para as telas, junto com Grant Heslov e George Clooney. A ação se concentra no comitê eleitoral do governador Mike Morris (Clooney), comandado por Paul Zara (Philip Seymour Hoffman), cujo braço direito é o ambicioso Stephen Meyers (Ryan Gosling). O jogo político para Morris chegar à frente do rival nas eleições primárias é acompanhado de perto pela jornalista Ida Horowicz (Marisa Tomei). Um dos fatores decisivos da campanha é o apoio do senador Thompson. Os elementos nevrálgicos da trama são o assédio de Stephen pelo comitê rival e os encantos de Molly, a insidiosa estagiária interpretada por Evan Rachel Wood. Clooney, o ator que começou ‘estrelando’ filmes como Grizzly II e Retorno dos tomates assassinos na década de 1980, consolida a carreira na direção, iniciada em 2002 com Confissões de uma mente perigosa. Depois vieram Boa noite, boa sorte (2005) e o O amor não tem regras (2008). Em sua quarta película, Clooney realizou um filme enxuto e superavitário, com força no elenco, que conta ainda com Paul Giamatti (o coordenador do comitê concorrente). Desde a estreia nos EUA em 7 de outubro de 2011, o filme já obteve 40 milhões de dólares de bilheteria. Clooney (nascido em 1961) na função de diretor demonstra similitudes de abordagem com o cinema do dramaturgo David Mamet, autor do livro “Três usos da faca”.

Missão: Impossível - Protocolo Fantasma

2011-12-30T10:39:00.003-01:00

Se todo filme tem (ou deveria ter) um tema principal, a estonteante sequência de fugas, perseguições, vertigens, disfarces, explosões, lutas, golpes, saltos, mergulhos, voltas e reviravoltas de Protocolo Fantasma serve para ressaltar a importância do trabalho em equipe. Sem a ajuda de William Brandt (Jeremy Renner), Benji Dunn (Simon Pegg) e Jane Carter (Paula Patton), Ethan Hunt não conseguiria realizar suas difíceis e quase impossíveis tarefas. Sim, no alto escalão do mundo da espionagem/contraespionagem (como em outros mundos), prevalece a capacidade de concatenar e coordenar esforços para atingir as metas. No caso, a meta (nada original, diga-se de passagem) é atrapalhar os planos de um cientista maluco que ambiciona desencadear uma guerra nuclear. Às vezes, a originalidade não vem na concepção global, mas sim nos detalhes. E o novo veículo narcisístico de Tom Cruise tem detalhes originais.

Por exemplo, a inesperada escalação de um diretor de animação, Brad Bird, que tem no currículo Os Incríveis (2004) e Ratatouille (2007), pode ser no mínimo considerada um tanto desconcertante. Em termos de roteiro, se, por um lado, sobram os problemas pouco inovadores, por outro, pululam as soluções inusitadas. Afinal, há mais coisas entre os céus de Budapeste, Moscou, Dubai e Bombaim do que sonha nossa vã filosofia. Aperte os cintos, mas não desative as células cinzentas: assim a experiência de Protocolo Fantasma torna-se mais lúdica.

Triângulo amoroso

2011-12-25T22:18:00.004-01:00

Só pelo prazer de relembrar uma canção já valeu a pena ir ao Instituto de Cinema e Cultura NT. Durante o filme e nos créditos, a clássica Space Oddity (1969, vide http://www.youtube.com/watch?v=xcyuKUtgyZ8&feature=related para os nostálgicos) é um dos pontos fortes da trilha de Triângulo amoroso (Drei, 2011). De quebra, além de David Bowie e de um pôster de Os pássaros, de Hitchcock, o novo filme de Tom Tykwer (Corra, Lola, Corra; A princesa e o guerreiro; Paraíso) traz algumas cenas bonitas e um roteiro que mistura dois tipos de câncer e dois tipos de amor. Metáfora: natureza doentia do amor? Câncer e amor são gêmeos? Ou melhor: no universo ficcional politicamente correto de Tykwer, o amor é um só, não importa a modalidade. Sinopse: personagens multifacetadas perambulam em Berlim em busca de novas paixões e sensações. Chuva que desaba, vidas que se reinventam. Nem toda doença é incurável: 1 cirurgia, 2 fetos, 3 amores. Ser mãe, ser pai, ser amante. E para que DNA, se o triângulo é realmente amoroso?

Roubo nas alturas

2011-12-19T09:38:00.004-01:00

Cada diretor tem sua especialidade. Brett Ratner é especialista em dirigir filmes esquecíveis, mas que sempre por um motivo ou outro exercem atração sobre o público. Nunca realizou um clássico nem um grande desastre. É um diretor regular em todos os sentidos. A sua filmografia inclui: Um homem de família (com Nicolas Cage e Téa Leoni, 1999), Dragão Vermelho (2002), X-Man: o confronto final (2006), sem falar na série estrelada por Chris Tucker e Jackie Chan A hora do rush (1998, 2001 e 2007). Em Tower Heist (Roubo nas alturas, 2011), Ben Stiller é Josh Kovaks, o eficaz gerente de um edifício moderno cujo morador da cobertura é Arthur Shaw (Alan Alda), considerado um corretor financeiro de sucesso. Tão bem-sucedido ele aparenta ser que Kovaks cede a ele o direito de gerir o fundo de aposentadoria de todos os empregados do prédio. Mas honestidade é uma palavra que não existe no dicionário de pessoas como Shaw. E Kovaks, um cara de bem, resolve pagar na mesma moeda, reunindo uma equipe de improváveis ladrões, incluindo Slide (Eddie Murphy), exímio ladrão de antenas parabólicas. As interpretações de Ben Stiller e Eddie Murphy já pagam o ingresso, com destaque também para Lester, o patético personagem de Matthew Broderick.

A pele que habito

2011-11-17T09:35:00.004-01:00

Se fosse para resumir o cinema de Almodóvar em uma palavra, qual palavra você escolheria? Epiderme? Eclipse? Enlevo? Estranheza? Êxtase? Make no mistake: A pele que habito está aí para provar: Almodóvar é o cineasta investigador por excelência e incansável de um tema universal: o sexo. A exemplo dos Replicantes na canção Mistérios da sexualidade humana (vide letra abaixo), muitas perguntas acossam Almodóvar, e ele realiza filmes para respondê-las. Ok, Almodóvar vai um pouco além das dúvidas de adolescentes virgens para despir os meandros da psique humana. A imaginação do espanhol parece não ter limites para revelar o estofo de personagens bizarras e doentias, mas assustadoramente humanas. Como definir, em última análise, A pele que habito? Novamente, o assunto é responder a simples questões. O filme tem eficiência narrativa? A narrativa tem eficiência fílmica? Sim e sim. O roteiro tem ritmo; a trama densa de enredo e subenredos prende o espectador de modo efetivo. As palavras viram imagens que se fixam na retina. Em suma, tanto roteiro quanto direção têm a marca autoral de Almodóvar.[Mistérios Da Sexualidade Humana Os Replicantes De onde vêm os bebês? Por que sangrar todo mês? Quando será a primeira vez? Como impedir a gravidez? Por que não posso ver um filme-X? Por que não posso ler a revista que eu quis? Por que não posso ser um cara feliz? Por que não posso ter aquela meretriz? É verdade que cresce cabelo na mão? É verdade que a doença pode vir num beijo? É verdade que é bom reprimir o desejo? É verdade que as mulheres gritam de paixão? Mistérios da sexualidade humana.]

A árvore do amor

2011-11-15T22:57:00.007-01:00

O diretor Zhang Yimou, sempre sinônimo de qualidade, sempre na minha lista de top ten directors of our times, sempre simples, sempre grandioso. A árvore do amor (Under the hawthorn tree - 山楂樹之戀) é apenas mais um de seus fabulosos e encantadores filmes. O background é a Revolução Cultural na China, quando o Partido Comunista resolveu enviar futuros professores dos centros mais populosos ao interior para conhecerem a realidade do país e se "reeducarem". Jing, cuja família é perseguida pelo governo comunista, vai ao interior e conhece Sun, que trabalha numa estação geológica. O amor entre os dois brota ao natural, em meio às lavouras floridas de canola e aos límpidos regatos do interior chinês.
Logo no começo, quando após a viagem de ônibus o grupo de estudantes atravessa os campos, a história de uma árvore que se tornou símbolo da revolução - um espinheiro - é contada pelo guia, e Jing toma nota com muita atenção. Mal sabe ela o quão importante a árvore tornar-se-á (sim, tem gente que ainda usa mesóclise) em sua vida. Zhou Dongyu, a atriz que interpreta Jing Qiu, foi escolhida em festivais como melhor atriz estreante. Dou Xiao, o ator que encarna Lao San (ou Sun, nas legendas brasileiras) estuda na Academia de Cinema de Pequim. Os dois novatos dão veracidade a seus papéis e ajudam Yimou a criar um filme pleno de ternura e pureza.

O palhaço

2011-11-13T22:05:00.005-01:00

Poucas vezes o cenário rural brasileiro foi tão bem filmado quanto em O palhaço, segundo longa-metragem de Selton Mello na direção. O realizador de 38 anos também atua e coassina o roteiro. Não é um roteiro imaculado, impecável, mas bom o suficiente para surprender e emocionar o público, e, de quebra, provocar alguns sorrisos e algumas risadas. Um dos méritos do roteiro é construir um ambiente de circo valorizando todos os personagens e artistas que compõem o mágico universo. É um circo simples, é claro, sem trapezistas ou globo da morte. A empresa, micro, consiste em poucos veículos antigos, uma lona e uma predileção por cidadezinhas do interior, onde as pessoas prestigiam os raros eventos artísticos que têm a sorte de ter ao alcance. Outro mérito do roteiro é surpreender o espectador: a ingenuidade e a pureza de Benjamin (Selton Mello), o palhaço em crise existencial, são tocantes, e é bom de vez em quando assistir filmes que demonstram certa confiança no ser humano. Por fim, outro, mas não menos importante, mérito do roteiro é reservar espaços para participações especialíssimas e enriquecedoras. Um parênteses às citações (influências?) do diretor Selton Mello: Fellini e Lynch. Tem filme brasileiro em cartaz. E dos bons.

Ringo Starr and his All Star Band in Porto Alegre

2011-11-13T21:07:00.005-01:00

A afiada banda composta por instrumentistas hábeis, alguns deles ex-líderes de bandas de décadas atrás, como The Romantics e Mr. Mister, permitiu ao dono da festa, Ringo Starr, brilhar no Gigantinho. Só no vocal, à frente, ou lá na cozinha, tocando a tradicional bateria Ludwig e cantando junto, em plena forma aos 71 anos, o vegetariano desfilou sucessos da carreira solo (It don't come easy, The other side of Liverpool) e, é claro, canções imortais da maior banda de pop rock da cidade mencionada e, coincidentemente, do mundo e de todos os tempos. O que torna Boys, I Wanna Be Your Man, Yellow Submarine e With a Little Help From My Friends tão especiais? Compostas pela parceria mais famosa do pop e gravadas pelos Beatles, originalmente com Ringo no vocal, não são meras canções, são relíquias, verdadeiras preciosidades, e vê-las ao vivo, com Ringo no vocal, é sem dúvida algo memorável, para dizer o mínimo. Agradeço aos autores das fotos que coletei na web.

A casa dos sonhos

2011-11-10T09:12:00.014-01:00

Como deve ser delicioso e sádico ser "crítico" de cinema! Auto-outorgar-se o poder de dar notas, estrelinhas ou bolinhas para os filmes! Sem ter compromisso nenhum com nada, a não ser com a própria consciência! Deixando de lado a biografia das pessoas envolvidas! Analisar o filme propriamente dito, o produto como se materializou ali, na experiência da sala escura! E depois classificá-lo com uma, duas, três, quatro ou cinco bolinhas ou estrelinhas!
Todo cinéfilo tem um sentimento um tanto ambíguo em relação a essas entidades obscuras, os críticos de cinema. Um misto de inveja e desconfiança. Inveja, pois qual cinéfilo não gostaria de ser pago para assistir aos filmes e depois escrever sobre eles? Desconfiança, toda vez que aparece uma "nota" baixa para filmes, digamos, com pessoas respeitáveis à frente e detrás das câmeras. É o que vem acontecendo com
A casa dos sonhos, dirigido por Jim Sheridan (Meu pé esquerdo, Em nome do pai), com Daniel Craig, Rachel Weisz e Naomi Watts no elenco e David Loucka assinando o roteiro. Devo dizer que antes de ver o filme eu vi o trailer no you tube. Antes não tivesse visto. Justamente por causa do trailer, o diretor Jim Sheridan e os astros do elenco recusaram-se a fazer publicidade para o filme. Jim Sheridan inclusive entrou com uma petição para ter o seu nome retirado dos cartazes, insatisfeito com a montagem final e as manipulações comerciais dos produtores que interferiram no trabalho. Ao crítico e ao espectador, isso tudo não passa de tititi, e o que interessa mesmo é o filme como ele nos chegou, não o filme que teria sido. Muito do que funciona em A casa dos sonhos (sim, a meu ver coisas nele funcionam) tem a ver com o casal de protagonistas, também casal na vida real. Daniel Craig e Rachel Weisz criam um ambiente familiar intimista e crível que acaba sustentando o interesse por boa parte da metragem, num clima que remete aos melhores filmes com base em casas amaldiçoadas, como Amityville, por exemplo. E também se compara a outros filmes que exploram os limites entre razão e loucura, como o recente Ilha do medo, de Scorsese, e o clássico belga Malpertuis. Mas A casa dos sonhos, de fato, não alcança todos os seus objetivos. Os meandros pelos quais o roteiro se envereda e a "explicação" final são um tanto quanto precipitados, confusos e mal-resolvidos. Mas como um todo o filme tem lá seus pontos positivos.

Terror na água 3D

2011-11-08T09:13:00.008-01:00

Sete universitários e um labrador vão passar o findi numa paradisíaca ilha lacustre infestada de tubarões famintos. Lanchas, jet skis, esqui aquático, tudo é pretexto para uma cena de encontro entre as feras aquáticas e seu alimento: carne humana. Até aí, tudo bem, o problema é que as expectativas são altas, quando temos, de um lado, um diretor experiente e do outro, um cinéfilo talvez nem tão experiente, mas com certa bagagem acumulada. Espera-se de um diretor experiente evolução ao longo da carreira. Que com o andar do tempo e o aumento do cacife na indústria, deixe de lado os total trashs e, sei lá, faça algo mais substancial e sério, enfim, que acrescente algo para a humanidade.
Espera-se de um cinéfilo relativamente experiente evolução ao longo da trajetória. Que com o andar do tempo e a amplidão dos horizontes na mágica arte de Méliès, deixe de lado os trashs descartáveis e, sei lá, aprenda a exercer a previsibilidade e não embarque mais em canoas furadas 3D. Eis que todo diretor, antes de pensar em arte, tem que pensar no cachê. E eis que todo cinéfilo sempre espera coisas boas do realizador de Premonição 2 e Serpentes a bordo. Em seu novo filme, Shark Night (Terror na água), David R. Ellis - que após décadas trabalhando como chefe de dublês e diretor de segunda unidade em 2003 passou a receber o “crédito autoral” - demonstra que o seu lema é “caiu na rede, é peixe”: quando aparece um trabalhinho, ele pega o roteiro e faz o melhor que pode. Mas se o roteiro deixa a desejar e os atores não têm o mínimo de carisma, o que pode fazer o diretor? Quase nada, além do que ele sabe fazer: um filme total trash. E se a película é fraquinha e os gatos pingados da plateia completamente apáticos, o que pode fazer o cinéfilo? Quase nada, além do que ele sabe fazer: uma resenha trash.

Missão: madrinha de casamento

2011-09-25T00:15:00.010Z

Corroteirizado e estrelado por Kristen Wiig, Missão: madrinha de casamento chega às telas brasileiras com o aval de ninguém menos que Roger Ebert, que deu 3 estrelas e meia num máximo de quatro para o filme de Paul Feig. Diga-se de passagem, a crítica norte-americana em geral recebeu bem a comédia. Wiig é Annie, uma balzaquiana moderna, que em vez de namorado tem fuck buddy, e cuja melhor amiga vai se casar. Annie, escolhida como uma das bridesmaids, vai participar de muitas inusitadas situações, como a do almoço no restaurante brasileiro (e suas escatológicas consequências), o comportamento inapropriado numa viagem aérea, o surto em pleno chá de panelas, o bate-boca com uma cliente na joalheria e as incríveis tentativas para chamar a atenção de um policial impassível. Pode parecer inacreditável, mas o roteiro deste filme foi escrito por duas mulheres. O resultado não é nada delicado: um tipo de humor nada sutil. Sinal dos tempos? Da "masculinização" do comportamento feminino? O fato é que Bridesmaids tem excesso de escracho, de escatologia e, principalmente, de metragem: muitas cenas seriam mais eficientes se fossem mais enxutas.

Julieta Venegas, 31 de agosto, Teatro do Bourbon Country

2011-09-04T23:58:00.006Z

Na amena noite de quarta-feira, dia 31, pontualmente às 21h e alguns minutos a californiana Julieta Venegas e banda adentraram ao palco do Bourbon Country para entoar nada menos que vinte e cinco canções pinçadas do repertório construído em 6 cds lançados a partir de 1996. Embora eu não seja exatamente uma autoridade no assunto, longe disso, pois tenho apenas os dois mais recentes, acho que não erraria por muito se dissesse que o show se centrou nas canções dos três últimos cds: Limón y sal (2006), MTV Unplugged (2008) e Otra cosa (2010). Uma das coisas mais divertidas do show era acompanhar a dinâmica troca de instrumentos de cada músico da banda, num total de seis, além de Julieta, multi-instrumentista por excelência. A tecladista, do alto de sua minissaia colegial, às vezes se arriscava no xilofone e no acordeão, além de fazer backing vocal. O baixista uma hora resolveu tocar um sintetizador. O baterista foi o único que não parou de tocar seu instrumento para tocar outro, mas na verdade ele tocou a maior parte do tempo com uma baqueta, e com a outra mão agitava o chocalho ou o pandeiro. O guitarrista principal, conforme a música, ia de viola, banjo ou cavaquinho, ou coisa que o valha. Já a mocinha misteriosa que ficava no estrado tinha como especialidade o pistão, mas fazia de tudo um pouco (xilofone, acordeão, etc.). A especialidade do carequinha da trança na nuca era tocar flauta e clarinete, mas ele também xilofonava. Quanto à Julieta, começou tocando teclado, depois dedilhou violão e acordeão. Mas as principais cordas que Venegas domina são as vocais. Um dos destaques do show foi a cover de Los Tigres del Norte, La jaula de oro, que com sua mistura inusitada de ritmos resumiu bem o estilo do show, dançante e alegre. Ao final do show, pedi ao cara da mesa o setlist, e não é que deu certo? Compartilho o troféu, a lista das canções tocadas por Julieta e banda com ternura, romantismo, versatilidade e embalo latino.

Gainsbourg - o homem que amava as mulheres

2011-08-29T11:28:00.008Z

Cinebiografia do compositor francês Serge Gainsbourg (1928-1991) assinada pelo quadrinista Joann Sfar. O roteiro do longa baseia-se na graphic novel de autoria do diretor, nascido em Nice no ano de 1971 (mesmo ano, a propósito, em que nasceu Charlotte Gainsbourg, a filha de Jane Birkin e Serge Gainsbourg).
Com cenas que retratam toda a trajetória de um dos ícones da música pop mundial, desde a infância em que sentiu na pele a discriminação por ser judeu (parte que faz intertexto com o clássico de Louis Malle, Adeus, meninos) até o começo discreto como pianista de night clubs e a inesperada chegada ao sucesso. A estratégia de Sfar é acompanhar a evolução e metamorfose de Gainsbourg ao longo da carreira e ao mesmo tempo mostrar que suas orelhas de abano e seu nariz avantajado não o impediram de ter no currículo algumas das mulheres mais desejadas do mundo. Entre as musas conquistadas por Serge Gainsbourg (interpretado por Eric Elmosnino) destacam-se Brigitte Bardot (Leatitia Casta) e Jane Birkin (Lucy Gordon, em seu derradeiro papel, antes de se enforcar em 2009).
As duas horas do filme passam rápido, generosamente enriquecidas com o repertório eclético, pop e envolvente de Gainsbourg.
Quem não conhece, por exemplo:
http://www.youtube.com/watch?v=qO0J7O960ls?

Super 8

2011-08-22T23:59:00.006Z

Don't Bring Me Down, um dos singles mais bem-sucedidos da E.L.O., toca no começo e no fim de Super 8. O objetivo, além de homenagear Jeff Lynne e sua troupe, é remeter o espectador aos idos de 1979. Não à toa, talvez, o símbolo da E.L.O. era uma nave espacial. Super 8 trata de um dos temas mais queridos pelo produtor Spielberg: o contato imediato com alienígenas. A história transcorre nos fins da década de 1970 e se concentra na aventura de um grupo de pré-adolescentes que, numa cidadezinha de 12 mil habitantes, resolve realizar um filme de zumbis. Durante a filmagem de uma cena numa estação ferroviária isolada, eles presenciam um acidente espetacular que vai arremessá-los numa inquietante e perigosa investigação. J. J. Abrams, o criador da série Lost, tem ao longo da carreira se caracterizado pelo talento para filmar ação misturada com suspense. Em Super 8, ele consegue passar um clima de paranoia e medo parecido com o de Invasores de corpos, o clássico de 1958. Claro, o roteiro é frágil em muitos aspectos e conta com uma invejável lista de detalhes mal amarrados. Não obstante, como já foi mencionado, sobressai-se a aptidão do diretor em manter o suspense, a despeito das fragilidades do roteiro. E as inter-relações pessoais entre o núcleo de personagens centrais contribuem para tornar Super 8 um bom entretenimento - e, de quebra, uma homenagem à importância dos papais.

Melancolia

2011-08-22T23:00:00.006Z

Sim, as cenas impressionam pela plasticidade e a força estética. Sim, Dunst, a melancólica noiva, mereceu a Palma de Ouro. Sim, Rampling, a ácida mãe da noiva, quase rouba a cena. Sim, completam o elenco ninguém menos que Charlotte Gainsbourg, a lacônica irmã da noiva, Kiefer Sutherland, o gélido cunhado da noiva, e John Hurt, o pândego pai da noiva. Sim, Melancolia é um convincente estudo da depressão e sim, Melancolia é um banquete para olhos e ouvidos. E por último, mas não menos importante: sim, um diretor que coloca no mesmo filme Charlotte Rampling e Kirsten Dunst merece respeito. No mínimo, o cara entende de mulher.
Mas o que Lars von Trier entende de sex appeal, demonstra desconhecer de astronomia.
Nunca num filme tão pretensioso tantas aberrações astronômicas são apresentadas ao incauto espectador. Antares, a estrela alfa da constelação de Escorpião, uma das 88 constelações da Via Láctea, desaparece do céu. Como se isso não bastasse, o planeta Melancolia, de massa bem superior à da Terra, invade o Sistema Solar, se aproxima da Terra, começa a se afastar dela, e depois volta a se aproximar!
Tá, tudo bem que o filme é pra ser um misto de drama com ficção científica. Na óptica de von Trier, o espectador é convidado a esquecer tudo o que Newton ensinou (a velha e boa lei da gravidade). Involucra essas liberdades científicas num belo mosaico de imagens, e vamos em frente. Verossimilhança é uma palavra em desuso. E pra que verossimilhança, se Melancolia retrata a podridão e a doença com uma beleza impensada?

Dos quadrinhos para as telas: Sin City

2011-08-14T16:26:00.004Z

Mais um post da série de textos resgatados.

Sin City
No post anterior, comentei sobre a decadência do cinema. É bem verdade que nesta época do ano em geral os filmes são direcionados para um padrão descartável. Sendo o cinema uma arte autoral, são apenas os autores - criativos diretores e roteiristas - que podem salvá-lo.
Robert Rodriguez é um deles. Especialista em cinema diversão inteligente, depois da estreia com El Mariachi, Rodriguez proporcionou-nos risos aterrorizantes em Um drink no inferno (From Dusk Till Dawn, parceria com Tarantino) e retornos à infância com a série Pequenos Espiões.
Agora o diretor texano mergulha no universo Frankmilleriano, em três impactantes episódios.
Um Bruce Willys cabeludo é Hartigan, detetive que salva uma menina de 11 anos do estupro. O estuprador é o filho de um senador poderoso e o detetive acaba preso. Nancy Callagan envia uma carta por semana para ele até que, 8 anos depois, Hartigan é solto e eles voltam a se encontrar.
Noutro, Mickey Rourke é um deformado que se apaixona pela única mulher em anos que vai para cama com ele: Goldie, uma loira escultural, que acaba assassinada. Ele parte então em busca de vingança.
Por fim, Clive Owen protagoniza o episódio em que enfrenta com a namorada um policial demente e corrupto (Benicio Del Toro).
A prova de que o filme não é apenas cabeças degoladas, membros decepados e genitais arrancados, está na meditação que ele provoca sobre a mulher de dezenove anos.
No episódio do Bruce Willys, ao sair da cadeia, seu personagem passa dos 50 anos. E reencontra a menina que salvara. Agora, uma mulher de 19 anos. Idade extremamente perigosa. Idade em que a mulher tem o homem que quer, na cama que ela escolhe. Aos 19, exacerba-se a beleza, acentua-se o desejo, eterniza-se a ternura. Uma mulher de 19 anos é capaz de provocar desatinos, desesperos e imolações.
Sobre a cena dirigida por Tarantino pela quantia simbólica de um dólar, dizem que foi exatamente a antológica cena em que Bruce Willys reencontra Nancy no bar.

(Texto de agosto de 2005.)

Dos quadrinhos para as telas

2011-08-14T12:57:00.013Z

Do arquivo resgatado, três adaptações dos quadrinhos para as telas:

Asterix: missão Cleópatra
Se você tem a referência do clássico quadrinho, é a oportunidade de se divertir mais uma vez com os personagens de Uderzo & Goscinny. Se nunca leu Asterix, é a hora de conhecer o mundo desses gauleses puros e pândegos.
Para provar que o povo egípcio não é decadente, Cleópatra desafia César. Irá construir um castelo em sua homenagem no prazo de três meses. Para isso, chama o atrapalhado arquiteto Numerobis. Que, é claro, vai acabar recorrendo ao druida Panoramix e sua troupe.
A ideia básica é a mesma do álbum Asterix e Cleópatra. Só a estonteante Mônica Bellucci, vestindo um figurino pra lá de sensual, já justifica a locação. Mas o que mantém o filme são as sacadas legais e lances satíricos, como a greve dos trabalhadores, a queda do nariz da esfinge, a invenção do elevador e do espelho retrovisor. Se o bardo Chatotorix está ausente, temos o pedante escriba Otis e seus longos e hilários devaneios. E, é claro, a paixão fulminante de Asterix pela criada Medáumbeijes. Assistindo aos extras, fica a certeza de que não é preciso ser arrogante para ser um bom diretor. O francês Alain Chabat, que também atua no papel de César, leva a equipe em alto astral e perfeita harmonia. O resultado disso está no filme.
(Texto de abril de 2003.)

O Demolidor
Criado por Stan Lee em 1964, o Demolidor atingiu fama no traço de Frank Miller. Ao longo da década de 80, o desenhista passou também a escrever o argumento de muitas aventuras do herói, cultuado pelos fãs da Marvel e de histórias em quadrinhos.
A essência do Demolidor, ou seu principal “superpoder”, é a força de vontade. Devido a um grave acidente na infância, perdeu completamente a visão. Isso não o impediu de se transformar em um brilhante advogado. Diferentemente de outros heróis em que a profissão é mero disfarce para entrar em ação no momento propício, Matt Murdock tem, em sua rotina de trabalho, uma relação visceral de combate à contravenção. Apesar de seus esforços, acaba frustrado com o sistema judiciário. Nas noites perigosas de Nova York, vira o Demolidor e procura justiça com as próprias mãos. No combate ao crime, além da tenacidade, o Demolidor lança mão de sua hipersensibilidade. Depois do acidente, passou a escutar melhor – bem melhor. Com treino, passou a distinguir as pessoas através dos batimentos cardíacos. O olfato também se aguçou. Por último, mas não menos importante, desenvolveu um sistema de sonar ou radar, pelo qual se move com destreza.
O que eu achei do filme? Modesto. E a modéstia tem lá suas vantagens. O argumento despretensioso, porém eficaz, inclui personagens de certo peso, como a inacessível Elektra (Jennifer Garner, do seriado Alias) e o arremessador de dardos e matador de aluguel Mercenário (o aspirante a galã em ascensão Colin Farrell). Um poderoso gângster encomenda ao cruel e certeiro vilão o assassínio do pai de Elektra. Enamorado da misteriosa moça, o Demolidor tenta impedir. Ben Affleck, além de idêntico ao Matt Murdock dos quadrinhos, está à vontade no papel, simpático e convincente – não que o filme exija muito. Justamente por sua modéstia, O Demolidor consegue ser um bom divertimento.
(Texto de maio de 2003.)

Hulk, King Kong e Lobisomem
Em Hulk, Ang Lee comprova sua incomum capacidade como diretor: consegue performances convincentes de um bebê de um ano, de uma criatura 100 % digital e até de Nick Nolte. Exigir desenvoltura de Eric Bana seria pedir demais. Pensando bem, a apatia e o sensabor de Bana são perfeitos para o papel de Bruce Banner – mero adjuvante ausente das melhores cenas do filme.
Coestrelando, maravilhosa, irrepreensível, soberba, a eterna- namorada-de-casos- perdidos Jennifer Connelly; depois de mergulhar no inferno das drogas com Jared Leto (Réquiem para um sonho), aguentar as pontas esquizofrênicas do Russel Crowe (Uma mente brilhante), agora, na pele de Betty Ross, cientista e filha de general, se apaixona por um monstro verde: Hulk, o verdadeiro astro do filme.
Enquanto a criatura não entra em cena o filme patina, quase atola num lodaçal psicológico e científico; mas, finalmente, quando Bruce Banner, cujo DNA, por conta de experiências biotecnológicas realizadas pelo seu pai, incorporou gens regenerativos da mãe d’água e, mais tarde, também cientista, teve potencializadas essas características ao receber uma violenta carga de raios gama, quando Bruce Banner é espezinhado, agredido, humilhado, quando Bruce Banner perde o controle e se sente ultrajado... Hulk aparece e a plateia agradece.
A cada evento, a cada mudança, a cada transformação, o filme ganha estrutura, massa, peso, em resumo, o filme cresce. A sequência em que Hulk escapa da base e enfrenta o exército americano no deserto é delirante, não somente para quem leu em balões ilustrados por Frank Miller frases como “Hulk não quer ficar aqui!”, “Hulk não tem medo de soldados!”, “Hulk não precisa de ninguém!”, “Hulk odeia máquinas!”, “Hulk odeia Banner!” e “Hulk detesta homens de farda!”, mas também à geração que está sendo apresentada fidedigna e assustadoramente ao personagem.
Como se percebe, Hulk fala mais nos quadrinhos do que no cinema – apenas duas tímidas intervenções vocais. Entretanto, isso não afeta seu desempenho em cenas chave, como o momento de suave ternura entre a bela Jennifer Connelly e a fera esverdeada, na cena King Kong do ano.
Falando em seres perseguidos e alijados, a monstruosidade intrínseca e inexorável de Bruce Banner/Hulk nos remete à dicotomia de Larry Talbot/O lobisomem (1941). O paralelo: ambos são da Universal, o estúdio especialista em monstros. A licantropia e a criatura verde da Marvel trazem a metáfora da dupla personalidade. Larry Talbot e Bruce Banner se transformam em criaturas temíveis e imprevisíveis. Coincidência ou não, Hulk tem um Talbot: o almofadinha (Josh Lucas) que vive atormentando Bruce. Parte da crí¬tica descascou O lobisomem na época. Ontem como hoje: Hulk também está sendo ridiclarizado, entre outros motivos, pelos efeitos especiais.
Um diálogo de O lobisomem, do célebre roteirista Curt Siodmak, ajuda a situar o que penso de Hulk, filme com algumas falhas, alguns lapsos de fio de meada, algumas forçadas de barra, mas com a boa música de Danny Elfman, a direção consistente de Ang Lee, alfinetadas na febre militarista e, sobretudo, alguns trechos empolgantes de cinema puro. “Para certas pessoas, a vida é muito simples. Eles decidem: isto é bom, aquilo é mau; isto é errado, aquilo é certo. Não há bom e mau, não há certo e errado. Não há cinza e sombras, tudo é branco ou preto. Outros como nós acham que o bom, mau, certo e errado são coisas multifacetadas e complexas. Tentamos ver todos os lados. Porém quanto mais vemos, menos certeza temos.”
Transformado em cobaia, em objeto de estudo, atormentado pelo seu passado de criança adotada, perseguido por homenzinhos e máquinas, impiedosamente atacado como King Kong, cientificamente incompreendido como o lobisomem, o Hulk do cinema diz com os olhos o que o dos quadrinhos brada aos quatro ventos: “Hulk está cansado de fugir!”.
(Texto de junho de 2003.)

Capitão América - o primeiro vingador

2011-08-05T11:40:00.007Z

Steve Rogers (Chris Evans, que já interpretou outro super-herói, o Tocha Humana) é um jovem esmilinguido que sonha em entrar para o exército e lutar nas frentes de batalha. Persistente, já tentou se alistar em cinco cidades diferentes, mas não é aprovado no exame médico, por conta de uma série de problemas, como asma. O jovem cresceu no Brooklyn, acostumado a apanhar de guris maiores. Características de sua personalidade - a pertinácia aliada à coragem, a inteligência aliada à determinação - até fariam dele um promissor soldado. Nunca foge, sempre resiste. Nunca ataca primeiro, sempre se defende. Mas o empecilho é o físico esquelético. Nada que o dr. Abraham Erskine (Stanley Tucci) não resolva. O cientista vê em Rogers o potencial de se tornar um supersoldado justamente por seu temperamento bondoso e pacato. Assim, ele é recrutado para participar de uma "peneira". A tenente britânica Peggy Carter (Hayley Atwell) e o oficial turrão James Barnes (Tommy Lee Jones, como sempre interpretando a si próprio) fazem parte do grupo de avaliação.
Esse é o resumo dos primeiros vinte, trinta minutos de Capitão América - o primeiro vingador, o novo filme de Joe Johnston, diretor que estreou com Querida, encolhi as crianças (1989) e construiu um currículo estranho, em que predominam filmes de "fantasia" como Jumanji (1995), Jurassic Park 3 (2001, também roteirista) e O lobisomem (2010).
Sem arroubos de câmera e exibicionismos de estreante, com o comedimento que só a experiência proporciona, Johnston acaba se demonstrando a escolha ideal para a direção de Capitão América, o herói cuja arma principal sintomaticamente é um escudo. O roteiro contrabalança de modo saudável a ação trepidante e a tensão amorosa entre Peggy e Steve - e a "química" dos dois ajuda o filme a funcionar bem. No cômputo geral, Capitão América entra para o rol das boas adaptações fílmicas de histórias em quadrinhos.

Senha 1 para Eraserhead

2011-08-03T16:20:00.012Z

Uma pequena contextualização sobre este post. O blog olhar cinéfilo vai completar dez anos em 6 de abril de 2013. Aqui no blogspot comecei a postar em dezembro de 2005. Os primeiros dois anos e meio do blog eu considerava perdidos, depois que o blog foi tirado do ar pelo weblogger, sem prévio aviso.
Há poucos dias tive uma grata surpresa: vislumbrei a possibilidade de resgatar os primeiros textos deste blog, perdidos pela traiçoeira ação do weblogger. No Internet Archive (http://www.archive.org/web/web.php) consegui efetivamente recuperar quase 80% dos textos! Pretendo em ocasiões pertinentes republicá-los esporadicamente. Como acabo de resenhar um livro que conta a trajetória de David Lynch, o repost abaixo vem bem a calhar.

domingo, 7 de dezembro de 2003

Senha 1 para ERASERHEAD
Eu estava lá. Uma e meia da tarde do domingo. Quando chega a minha vez de comprar o ingresso, o que acontece? It’s over. C’est fini. È finito. Como consolo, ganho uma senha, caso algum dos convidados venha a desistir. O número que aparece na senha é a minha esperança: 1.
18h50, lá vou eu, e não é que dei sorte? Troco a senha mais três reais por um ingresso escrito ERASERHEAD. Um troféu no meio das mais de 100 pessoas que estavam lá tentando entrar e ficaram de fora. A primeira sessão pública de Eraserhead no Brasil não podia ser diferente: disputada palmo a palmo, ainda mais na “cidade dos sonhos”, a cidade onde pululam cinéfilos das mais diferentes tribos: a querida e amada Porto Alegre.
Antes das luzes apagarem, uma radiografia na galera. Dos 15 aos 50. Brincos, tatoos, piercings, cabelos coloridos. Tinha gente normal, também. A meu lado um cara todo de preto com o xerox de um livro, ou melhor, um verdadeiro tratado, original em inglês, sobre “filmes da meia-noite”, Eraserhead sendo um deles. E as luzes se apagam.
O meio é o dvd, o formato não é o ideal, mas o que vale aqui não é a forma, e sim o conteúdo. Tão esperado, tão comentado, tão exaltado. Eraserhead, em qualquer guia de cinema que se preze, consta como cult. É chegada a hora de saber o que é que Eraserhead tem. Em que consiste, afinal, o primeiro longa-metragem do controverso diretor David Lynch – para uns, um gênio; para outros, um enganador.
Quem vota na primeira alternativa quer ver em Eraserhead o simbolismo selvagem de A estrada perdida, o romantismo perdido de Veludo azul, o céu azul de História real, o humor real de Coração selvagem, os sonhos delirantes de Twin Peaks, os delírios de Cidade dos sonhos, a ficção alucinante de Duna, a dura realidade de O homem elefante. Quem vota na segunda, quer motivo para alegar que Eraserhead é “superestimado”, cultuado sem motivo, badalado sem necessidade, no fundo, apenas, um exercício pretensioso de um jovem cineasta maluco.
Termina a sessão. Umas poucas palmas chochas. Vai ter um debate com um psicanalista. No, thanks. Uma experiência surreal, claustrofóbica e angustiante dessas, nem Freud explica. Cada um tire as suas próprias conclusões. E a minha, qual foi? Indicaria Eraserhead para alguém? Certamente não. 99,9% odiariam. Mas, para os lynchmaníacos, Eraserhead foi bastante revelador. Revela como Lynch, desde o começo, é perseguido pelas mesmas obsessões. Os personagens esquisitos, a fêmea fatal, a aberração, o palco que surge sem mais nem menos, os momentos de puro nonsense, os toques de humor sutil, os mergulhos perturbadores no mundo dos sonhos. Cenas engraçadas, cenas sufocantes, cenas surpreendentes, cenas chocantes. Tudo isso está em Eraserhead.
Por que, então, a quase decepção ao final? Por que não houve um aplauso entusiasmado? Por três motivos: primeiro, a expectativa exagerada. Um filme é um filme é um filme, como diria Gertrude Stein. Um filme de David Lynch é só isso. Um filme de David Lynch. Segundo, verdadeiros fãs de David Lynch não aplaudem. São céticos. Terceiro, filme de David Lynch não foi feito para ser aplaudido, nem entendido, nem debatido à luz da psicanálise. Foi feito para ser visto e gravado na retina ou descartado como lixo conforme o gosto de cada um.

David Lynch

2011-08-03T13:49:00.033Z

Escrito originalmente em francês pelo jornalista e cineasta Thierry Jousse, o perfil de David Lynch da coleção Masters of cinema da revista Cahiers du cinéma (Cadernos de cinema) foi transposto para a língua inglesa por Sarah Robertson e Imogen Forster. Em cento e poucas páginas, Jousse faz um apanhado da filmografia do cineasta, desde os experimentais curtas-metragens Six Men Getting Sick (1967), The Alphabet (1968) e The Grandmother (1970), passando pelo primeiro e acachapante longa, Eraserhead (1977), até o mais recente Inland Empire (2006). O autor enfatiza os motivos pelos quais David Lynch se tornou um diretor “cult” e demonstra com objetividade por que ele é um dos cineastas contemporâneos mais influentes.
Jousse esmiúça a trajetória lynchniana iniciada com Eraserhead, alegadamente o filme preferido de John Waters. O filme que teve sua primeira exibição pública no Brasil em dezembro de 2003 (e eu estava no lugar certo na hora certa) é decupado em todos os seus níveis. A obra, que serviu de “trabalho de conclusão de curso” do American Film Institute, foi concebida e gerada durante um período conturbado na vida pessoal de Lynch. Em 1974, ele se divorciou de Peggy Reavey, a mãe de Jennifer Lynch, nascida em 1968. Por um tempo Lynch chegou a morar no set de filmagens de Eraserhead. O livro conta também o obsessivo trabalho conjunto de Lynch e o engenheiro de som Alan Splet na concepção e gravação da trilha sonora do filme.
Depois de atrair atenção do circuito alternativo com seu filme de estreia, cujos atores relativamente desconhecidos iriam permear muitas de suas obras posteriores (como Jack Nance), logo no segundo longa-metragem David Lynch já dirigiu ninguém menos que Anthony Hopkins, John Hurt, John Gielgud e Anne Bancroft. A exemplo de Eraserhead, O homem elefante (1980) também foi filmado em preto e branco. Segundo Jousse, O homem elefante “acabou sendo o segundo filme ideal para o diretor; seu maior sucesso comercial e artístico até então, elogiado pelos críticos, mas de modo algum reduzindo sua condição de cineasta cult”.
As oito indicações para o Oscar recebidas por O homem elefante (mesmo sem levar nenhum) deram cacife para Lynch “escolher o próximo projeto”. Aqui um detalhe interessante: George Lucas convidou David Lynch para dirigir O retorno de Jedi. Mas o filme seguinte de Lynch seria também o seu maior fracasso: Dune (1984), adaptação do livro de Frank Herbert. De acordo com o autor Thierry Jousse, um dos poucos saldos positivos desse trabalho consistiu no surgimento de Kyle MacLachlan, ator que marcaria presença em obras fundamentais de Lynch (Veludo azul e a série televisiva Twin Peaks).
Insatisfeito com o resultado de Dune e com a perda de controle artístico no final cut de seu terceiro longa, Lynch retornou a fazer um filme de orçamento menor e em que pudesse manter o toque autoral do começo ao fim. O resultado: a perversão de Veludo azul (1986), que marca o início da união (não só em termos de cinema) com a atriz Isabela Rosselini. Como Dorothy Vallens em Veludo azul e Perdita Durango em Coração selvagem, Isabela se tornaria uma das musas imortais da obra de Lynch (a outra sendo, é claro, Laura Dern).
Thierry Jousse não considera Coração selvagem, vencedor da Palma de Ouro em Cannes 1990, um dos melhores filmes de Lynch. A melhor cena, para ele, é a do acidente. (Não há necessidade de, aqui, me estender sobre o que penso de Wild at heart: já soterrei a película de Lynch com os mais variados adjetivos no post http://olharcinefilo.blogspot.com/2006/02/wild-at-heart.html)
Jousse então faz um link entre Coração selvagem e História real. Dois road movies, cada qual a seu estilo. O primeiro, mais urbano e movido a rock’n’roll, o segundo, completamente rural e revestido de música country. A aventura de Alvin Straight, que atravessa os Estados Unidos pilotando um minitrator cortador de grama para visitar o irmão doente, representa na filmografia de Lynch uma volta às origens, quando, na década de 1950, o pequeno David vivenciou as constantes mudanças geográficas da família, por conta da profissão do pai (pesquisador de biologia vinculado ao Ministério da Agricultura), atravessando, assim, diferentes regiões estadunidenses.
Naquela época da vida, a meta de David Lynch (nascido em 1946) era tornar-se pintor. Em 1964, ele chegou a fazer uma viagem à Europa para tentar de modo infrutífero tornar-se pupilo do expressionista Oskar Kokoschka. Em 1965, de volta aos EUA, matriculou-se na Academia de Belas Artes da Pensilvânia, na Filadélfia. Ao perceber as limitações da pintura (falta de movimento e de som), comprou uma câmera 16 mm e começou a fazer os primeiros curtas, até que em 1970 entrou numa escola de cinema, a AFI (American Film Institute), em Los Angeles.
Se Jousse “quebra” a cronologia ao abordar as raízes rurais de Lynch revisitadas em História real (1999) logo após a análise de Coração selvagem (1990), em seguida focaliza os trabalhos entre esses dois filmes.
No mesmo ano em que Coração selvagem foi lançado, Lynch realizou o piloto da série televisiva Twin Peaks, projeto que teve duas temporadas e trinta episódios. Lynch dirigiu o primeiro, o último e mais quatro. [As palavras gaguejantes de Pete Martel, o personagem que descobre o corpo de Laura Palmer, até hoje ressoam em meu cérebro: “Lucy, this is Pete Martel. Put Harry on the horn.” Harry, o xerife, pega o fone e escuta estarrecido: “She’s dead... wrapped in plastic”.]
Lynch ainda viria a encerrar o assunto (ou dar mais pano para manga) com o longa-metragem Twin Peaks: Fire Walks With Me (1992). Aqui, mais uma “novidade” em termos da mudança do viés crítico. No lançamento esse filme teve recepção fria da crítica. Quase vinte anos depois, segundo Thierry Jousse, a obra vem sendo reavaliada e considerada com mais cuidado. Lynch, ao lidar com temas como incesto e puritanismo, “mergulha fundo na alma estadunidense”.
O outro produto da década de 1990 é A estrada perdida (1997), no qual, nas palavras de Jousse, Lynch tenta uma espécie de “contato hipersensorial” com a plateia. O autor realça as influências de Hitchcock nesse filme, como o clima de pesadelo de Um corpo que cai. E define Lost Highway: “Profundamente erótico, universal e ressonante. Um dos filmes mais contundentes de Lynch”.
O último capítulo do livro, com o sintomático título “Hollywood Turned Upside Down”, é dedicado a investigar Cidade dos sonhos (Mulholland Drive, 2001) e o digital Império dos sonhos (Inland Empire, 2006, ver http://olharcinefilo.blogspot.com/2007/12/inland-empire.html). Jousse mostra as semelhanças temáticas e as diferenças tecnológicas e estilísticas das duas mais recentes realizações de Lynch.
Leitor, conte as fotos acima. Sim. Toda a filmografia de Lynch cabe em duas mãos. Dez filmes que mudaram o cinema para sempre, debatidos com maestria por quem entende do riscado.

JOUSSE, Thierry. David Lynch. Paris: Cahiers du cinéma Sarl, 2010.

Os pinguins do papai

2011-08-01T22:13:00.009Z

Richard Atwater (1892-1848), jornalista e professor de grego clássico, quando sofreu um ataque de embolia pulmonar em 1934 já havia publicado uma série de livros. Depois do problema de saúde não pôde mais falar nem escrever. Contudo, pouco antes, ele escrevera um manuscrito intitulado Ork! The Story of Mr. Popper's Penguins, supostamente inspirado num documentário sobre a expedição de Richard Byrd à Antártica. Com o marido fora de combate, eis que Florence Atwater (1896-1979) entra em cena para sustentar a família (além do marido, a filha Doris e o filho Carroll) como professora do ensino médio (francês, inglês e latim). Foi dela também a iniciativa de submeter os originais de Mr. Popper's Penguins a duas editoras, que recusaram solenemente. Então Florence, que também dava seus pitacos literários, deu uma recauchutada no texto, tornando-o mais suave e bem-humorado (imagino eu).O fato é que em 1938 a Little Brown publicou a nova versão. O livro emplacou e teve sucesso instantâneo - e duradouro. Recebeu várias láureas literárias e tornou-se um preferido das crianças de várias gerações.
Foi traduzido para inúmeras línguas e adaptado ao teatro.
Agora, com Jim Carrey no papel de Mr. Popper, ganha uma versão cinematográfica.
Não tenho informações sobre quão "fiel" o roteiro do filme é à história do livro; imagino que os roteiristas tenham tomado muitas liberdades. Independentemente disso, sempre uma adaptação fílmica acaba contribuindo para um "revival" do interesse pelo livro, num saudável círculo virtuoso.
O corretor imobiliário sr. Popper tenta reconquistar a ex-mulher Amanda (Carla Gugino) e também ser um melhor pai de Janie (Madeleine Carroll) e Billy (Maxwell Perry Cotton). Neste meio-tempo, tenta convencer a proprietária de um restaurante localizado em pleno Central Park a vender o imóvel. Como se não bastassem os desafios familiares e profissionais, surge(m) outro(s) pequeno(s) contratempo(s): Capitão, Fedor, Dengo, Bicão, Matraca e Lesado, seis adoráveis e personalíssimos pinguins recém-chegados, em duas remessas, diretamente da Antártica.
Em noventa e poucos minutos, Os pinguis do papai se metem numa série de confusões em plena Nova York: passeam no parque, fogem de casa e vão parar numa festa no museu Guggenheim, e, sobretudo, tentam fugir das garras do especialista em pinguins que insiste em levá-los ao zoológico.Jim Carrey é um palhaço nato, o que garante risadas, se não convulsivas, ao menos constantes.Nos créditos os produtores afirmam que nenhum pinguim se machucou nas filmagens, mas que o mesmo não pode ser dito sobre Jim Carrey, que foi "mercilessly bitten".

Vermelho, branco & azul

2011-08-01T16:51:00.009Z

Vencedor da competição internacional do Fantaspoa.
O título do filme remete às cores estadunidenses (um dos protagonistas nas cenas finais usa uma camisa com a bandeira dos EUA costurada às costas). Também nos permite fazer um remoto intertexto com a trilogia do polonês Krzysztof Kieslowski (Três cores: azul, branco e vermelho), mas a evocação é artificial e inadequada. O diretor britânico Simon Rumley cai na tentação do apelativo.
O cenário é Austin, Texas.
A estrutura é meio tragédia em três atos. O primeiro ato aborda a rotina devassa de Erica (Amanda Fuller), moça que sempre anda com as pernas de fora e transa a torto e a direito com desconhecidos sem usar preservativos. Essa primeira parte também mostra o carinho que o calado Nate (Noah Taylor) cultiva por Erica - os dois habitam a mesma pensão. A princípio, ela o despreza, mas depois aceita a ajuda dele para conseguir um novo emprego.
No segundo ato dessa tragédia anunciada, o protagonista é Franki (Mark Senter), guitarrista de uma banda de rock. O espectador mais atento vai lembrar que ele aparece no comecinho do filme - é um dos caras que aproveita a política de "amor livre" de Erica. Aqui o roteiro focaliza a vida de Franki: a banda de garagem cujo cd alcança a marca de mil cds vendidos, a mãe que luta contra o câncer, a namoradinha que depois de uma aventura volta com o rabo entre as pernas. Até aqui o filme demonstra qualidades tanto na edição quanto na direção. E continua mostrando, só que a serviço do sensacionalismo e da exploração da imagem de uma criança.
Não vou entrar em detalhes sobre o terceiro e último ato. Apenas mencionar que a tônica será de vingança e contravingança. E dizer que gostaria muito de elogiar a direção contida de Simon Rumley, sua competência no estudo das tomadas, sua interessante premissa de montagem. Mas, como eu já disse, uma sequência jogou toda essa habilidade na vala comum do - atualmente em voga - uso de crianças em filmes ditos "extremos". Não há explicação nem justificativa para inserir uma criança inocente no meio desse bacanal de tortura.
Em outras palavras, a coisa estava indo bem até uma altura, mas de repente o filme perdeu a credibilidade comigo, pois, de modo gratuito e injustificável, incluiu (como está se tornando habitual entre diretores que pretendem "chocar" a plateia) uma criança no meio.
Sinceramente, sou do tempo em que se respeitavam certos códigos, até mesmo nos gêneros "fantástico", "horror" e "terror". De uns tempos para cá, porém, filmes com pretensas aspirações artísticas mostram sem pudor crianças sendo torturadas física e mentalmente. Estamos na era do vale tudo. E o que antes era considerado de mau gosto, hoje é sinônimo de "coragem" e "ousadia" dos realizadores e motivo de premiação.
Numa análise fria, Vermelho, branco & azul tem qualidades em seu processo artesanal que o credenciam a vencer festivais e ser incensado como cult. O personagem interpretado por Noah Taylor, o mais bem construído do filme, pode ser alvo de muitos debates. Sem dúvida, o diretor Simon Rumley não é nenhum iniciante. Tem no currículo filmes merecedores de atenção (por exemplo, o premiado, cultuado e incensado Distúrbio fatal). Talvez o objetivo de Rumley tenha sido mostrar que um torturador não tem limites. Por sinal, "terror sem limites" é o subtítulo de outro filme que se utiliza de crianças para chocar a plateia.

Malditos sejam!

2011-07-28T20:41:00.005Z

Filme argentino vencedor da competição Íbero-americana do VII Fantaspoa. A dupla de roteiristas/diretores Fabían Forte e Demian Rugna estruturou o filme em um prólogo seguido de três capítulos. O prólogo se passa em 1979 e faz um link direto com o terceiro capítulo; na verdade, o terceiro capítulo explica e desenvolve as situações suscitadas no prólogo. O capítulo 1 é sobre um matador de aluguel perseguido pela imagem de uma de suas vítimas: um menino inocente. O matador consulta um vidente que lhe diz que a alma do menino só vai descansar se Hugo, o matador, colocar numa caixa o coração do mandante e do comparsa de Hugo. Mas dois corações talvez não sejam o suficiente para aplacar o tormento da jovem alma...
O interessante capítulo 2 trata de um grupo de mulheres virgens que praticam a cafeomancia, processo de ver o futuro na borra do café, que tem raízes na cultura árabe.
Um homem vai consultar as moças (entre elas, a inquietante Gabriela Mocca) e, durante a consulta, a moça vê que ele é o portador de um espírito mau. Assustada, pede para ele se retirar do recinto e consulta a vidente mais experiente, que, por sua vez, consulta o guru já meio caduco. Ele manda trazer um revólver. E acho que chega de detalhes, não é mesmo? Este capítulo é o melhor resolvido em termos de roteiro e o que mais transmite medo, por conta do asqueroso monstro que deseja trucidar todas as virgens.
O capítulo 3 volta ao prólogo para explicar como um policial desapareceu no meio dos anões de jardim. Este capítulo, o mais desconexo e mal explicado, se dá o direito de incluir cenas meio nonsense (quando aparecem os anões de verdade).
No geral, Malditos sejam! revela o bom nível do terror made in Argentina.

Stake Land

2011-07-18T20:21:00.010Z

Stake Land foi o "final dish", nas palavras do simpático diretor Jim Mickle no colóquio com a plateia que lotava o Cinebancários. A terminologia é adequada, já que o filme revisita um tema que remete à fome, no caso, de sangue. Eterna fonte de cults como Fome de viver, Quando chega a escuridão e Deixa ela entrar e de abordagens mais populares como Drácula de Bram Stoker, A hora do espanto, Entrevista com o vampiro e Vampiros de John Carpenter, ultimamente o gênero andava carecendo de incursões sérias, que acrescentassem elementos à mitologia dos seres de caninos avantajados. Stake Land pode se orgulhar disso, ao entremear um clima de Red Dawn (Amanhecer violento), o apocalíptico filme de John Milius, à temática vampiresca. Talvez por isso o título Anoitecer violento que o filme ganhou no Fantaspoa. Diga-se de passagem, sem o dedicado trabalho de tradutores (tanto na legendagem quanto na tradução intercalada durante as sessões comentadas), o Festival não seria possível. O título desse filme é um exemplo de dificuldade tradutória. Com alta carga semântica, polissêmico, com um "pun" inteligente, Stake Land é o tipo do título que se costuma rotular de "intraduzível". Mas, como já dizia Paulo Rónai, se o poeta quer exprimir o inexprimível, não é surpreendente que o tradutor queira traduzir o intraduzível. Voltando à vaca fria, o diretor contou que a ideia inicial era fazer uma série para a web, com trinta episódios. O projeto estava pronto para ser realizado, mas o episódio piloto acabou se transformando nos primeiros dez minutos do filme. Elementos dos outros episódios foram reciclados e remoldados para caber no formato longa metragem. O roteiro traz ideias bem interessantes, como diversas espécies de vampiros diferentes, vide os berserkers, que não morrem com estacas no coração e sim na nuca, perfurando o cérebro reptiliano. O filme se concentra na saga de dois personagens, o jovem Martin (Connor Paolo), que perde a família num sanguinolento ataque dos vampiros, e Mister (Nick Damici, também roteirista), o tipo do cara ideal para se ter ao lado numa situação extrema: sangue frio, destemido, hábil com tudo que é tipo de arma e estudioso do comportamento transilvânico. Personagem importante também é Sister, uma religiosa que é salva pelos dois de um estupro. Surpresa: Sister é interpretada por ninguém menos que a sumida Kelly McGillis, que virou a cabeça de Tom Cruise em Top Gun - Ases indomáveis. Junto com Sister, Willie (Sean Nelson) e a grávida Belle (Danielle Harris), Mister e Martin tentam desesperadamente chegar à New Eden, um lugar pacífico e livre de vampiros. Nisso o filme lembra também Mad Max, em que os poucos humanos sobreviventes tentam chegar a um lugar melhor para se viver. Indagado sobre influências, o diretor assumiu apenas haver muita coisa de faroeste inserida na roupagem vampirífera. Antes da sessão, Jim Mickle disse que o objetivo maior do filme era fazer os vampiros parecerem "cool" again. O personagem Jebedia Loven (Michael Cerveris), o messiânico líder de uma seita, pode ser interpretado como crítica subjacente às seitas e pseudorreligiões que grassam no mundo. Jebedia talvez não seja exatamente "cool", mas o filme é.

Harold está ficando cadavérico

2011-07-17T15:04:00.006Z

Filmado em sete dias pelo diretor Keith Wright, Harold is going stiff (2010) é original e inovador. Uma epidemia de DAR (Doença do Ataque de Rigidez) acomete a população do interior da Grã-Bretanha. A primeira pessoa infectada, Harold Gimble (Stan Rowe) vira cobaia de um cientista que tenta descobrir a cura para o inédito mal. Enquanto isso, Penny (Sarah Spencer), uma cativante enfermeira, torna a vida de Harold mais suportável, com sessões de massagem para devolver um pouco da flexibilidade e retardar o avanço da doença. O estágio mais avançado conduz à "zumbificação", e o paciente se torna violento. Por isso, um grupo de "vigilantes" se forma para eliminar, com tacos de beisebol, os enfermos já desenganados. O lance genial do roteiro é "humanizar" os tão difamados e estereotipados zumbis. Regado a múltiplas xícaras de chá, Harold está ficando cadavérico surpreende pela verossimilhança interna e pelo bom humor.

Molina's Ferozz - The Wild Red Riding Hood

2011-07-16T23:47:00.004Z

O cubano Jorge Molina estudou cinema na Rússia e é considerado o principal expoente do cinema fantástico da ilha dos Castro. É o primeiro filme que vejo dele e, espero, o último.
Irritantemente tosco. E para quem já viu A Serbian Film esta semana nada mais impressiona. Muito menos um roteiro cuja única razão de ser é

SPOILER SPOILER SPOILER SPOILER SPOILER IRRITANTEMENTE TOSCO
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DEPOIS NÃO DIGA QUE NÃO AVISEI

o desejo de um tio deflorar a sobrinha. A estética de Molina é a estética da sujeira. O personagem "Dully" é disparado o mais patético do Fantaspoa, com os cabelos compridos sebentos, o rosto sempre imundo e a obsessão onanista.Irritantemente tosco.
Onanismo, aliás, é uma boa explicação para esse novo gênero que surge em nossos dias, que une sexo com decapitações. Novo pretexto para se fazer pornochanchada. A única tensão existente no filme é justamente a sexual: um freak que se m******* vendo as moças tomando banho no rio, uma viúva que tenta seduzir o irmão do falecido marido, uma menina que usa o cachorrinho como brinquedo sexual, uma adolescente que provoca o tio, o tio que quer possuir a adolescente. Nesse meio-tempo, algumas alusões malfeitas a uma suposta entidade maligna que vive nas florestas e uma ou outra cena grotesca de magia negra. Tudo se dirige para a cena ápice, a cena auge, a cena êxtase: a cena em que toda essa tensão deve se consumar. O roteiro tem sérios problemas, mas o pior mesmo é a direção. A cena final é uma aula de antidireção, com os atores perdidos, banhados em sangue, se esforçando para, e não conseguindo, demonstrar tesão. Molina's Ferozz: definitiva e irritantemente tosco!

Krokodyle

2011-07-16T19:07:00.006Z

O cineasta Stefano Bessoni (que estreou com a coprodução espanhola e italiana Imago Mortis em 2009) realiza com Krokodyle o seu segundo longa. De acordo com o diretor, que conversou com a plateia antes e depois da exibição, trata-se de uma obra essencialmente autoral e bastante particular. Kaspar, o personagem principal, é o alter ego de Stefano. Ambos são film-makers e ilustradores. A moradia de Kaspar é na verdade a moradia de Stefano na vida real. As piras do personagem, em última análise, que tem amigos imaginários e o sonho de fabricar homúnculos, são as piras do diretor. Stefano contou para os espectadores que o filme nasceu da vontade de escapar do controle artístico imposto pelos produtores, coerção que ele sentiu na pele ao fazer o primeiro filme, uma produção de mainstream. Krokodyle é uma produção mais independente, sem as concessões inerentes a uma superprodução. A proposta de Stefano, cujo sonho quando criança era ser coveiro, é realizar um cinema macabro que entretenha o público e o instigue a pensar.
Um dos fios condutores de Krokodyle é a envolvente música de Michael Nyman, compositor que se tornou famoso pela parceria com outro cineasta, Peter Greenaway, que, por sinal, é citado em Krokodyle. Wim Wenders e seu soporífero Asas do desejo (em cuja sessão às 24 horas no cine ABC eu adormeci) também são homenageados em Krokodyle. O roteiro é subdividido em rápidos capítulos que contam a saga de Kaspar, um cineasta que espera um telefonema dos produtores para poder rodar o próximo filme. Há no roteiro uma mágoa com o "sistema" que talvez não seja muito producente para um diretor que deseja se firmar. E a julgar pelas palavras acerbas de Stefano contra o cinema comercial, a intenção dele é ficar à margem e não "vender a alma". Louvável a intenção de se manter íntegro, mas é preciso ressaltar que muitos diretores conseguem autonomia artística justamente por conseguirem autonomia econômica e poder na indústria (vide Steven Spielberg).
Até que ponto essa postura de animosidade contra o "sistema" vai ajudar a carreira de Stefano, o tempo dirá. Quanto ao filme em si, não chegou a empolgar a plateia presente ao Cinebancários. Destaque para a música e as ilustrações bizarras de Kaspar/Stefano. Ilustram esse post o cartaz de Krokodyle e ilustrações feitas pelo diretor para o filme Imago Mortis. Diga-se de passagem, outro diretor italiano também gostava de desenhar: Federico Fellini.

O último empregado

2011-07-14T16:30:00.009Z

Outro charme do Fantaspoa é matar as saudades do tempo em que eu morava na Duque de Caxias e caminhava muito pelas ruas do centro. Tempos em que eu subia a rampa da João Manoel depois de ter assistido no Cacique Uma noite alucinante ou no Scala a pré-estreia de O selvagem da motocicleta ostentando no sobretudo um button do Cramps, aquele da caveira com os cabelos espetados.
De volta a 2011. Ao sair da sessão de HRWWM (ver post abaixo), que passou na sala Eduardo Hirtz, da Casa de Cultura Mário Quintana, na rua dos Andradas, carinhosamente chamada de rua da Praia, me encaminhei ao Cinebancários, a cerca de três quadras dali, na célebre rua da ladeira (General Câmara). O tempo estava esquisito, meio abafado, e uma garoa morna começava a molhar as ruas. Fui assistir ao segundo filme da noite: horror made in German, O último empregado, que tem no currículo o The Mélies D'Argent, a láurea mais elevada do Festival de Cinema Fantástico de Leeds, na Inglaterra. Diferentemente dos demais filmes que assisti no Fantaspoa, este não tem nada de engraçado. Aqui a proposta é deixar o espectador com o cabelo em pé. Enervar, inquietar, encucar, apavorar, aterrorizar. E, guess what, o filme de Alexander Adolph é realmente creepy. À primeira vista, o roteiro parece um estranho híbrido de Amor sem escalas e O sexto sentido, com o tema do desemprego mesclado a assombrações. Envolve um homem que tem o mesmo trabalho de George Clooney em Up in the air, isto é, despedir uma equipe de funcionários, com a diferença que também irá fazer o inventário da empresa. David (Christian Berkel), homem que já tem um histórico de problemas psiquiátricos, ganha uma nova oportunidade no mercado de trabalho. Depois de pôr todos os funcionários no olho da rua, ele adota o abandonado e fantasmagórico escritório da empresa como local de trabalho. A mórbida presença de uma das funcionárias mais antigas da empresa, a sra. Block (Bibiana Beglau, numa performance arrepiante) vai ser sentida por David, com todos e em todos os sentidos. E o problema vai influenciar seu relacionamento com os familiares, notadamente a sogra Greta, a esposa Irina e o filho Simon.

O massacre de Reykjavic

2011-07-14T14:57:00.006Z

Um dos charmes do Fantaspoa é a diversidade linguística que serve de bálsamo a ouvidos já fatigados da última língua franca (o inglês). Assistir a um filme falado em islandês, com locações na longínqua Islândia, num cenário natural maravilhoso de fiordes e mares onde as baleias se reproduzem com liberdade, sem dúvida já paga o ingresso promocional de cinco pila.
E se a produto em questão for um slasher movie de roteiro razoavelmente bem amarrado com pitadas de meditação ecológica (num diálogo o Greenpeace é chamado de green piss) e, de quebra, uma abertura tipo documentário que lembra os trágicos dias da caça à baleia, então o espectador não muito exigente com certeza já está no lucro.
O massacre de Reykjavik (Harpoon: Reykjavik Whale Watching Massacre, ou HRWWM para os mais íntimos), obra de Július Kemp, retrata o que devia ser um inofensivo passeio de turistas para ver baleias em seu hábitat. No cais da capital islandesa, sobem a bordo do Poseidon, barco pilotado por ninguém menos que Gunnar Hansen (o ator que interpreta o psicopata Leatherface em Massacre da serra elétrica, o clássico de 1974, dirigido por Tobe Hooper), turistas de vários países, como Alemanha, França, Inglaterra e Japão. O intertexto com The Texas Chainsaw Massacre não é apenas no título e no elenco. É também na sede de sangue de uma família de freaks e na falta de motivos para explicar essa sede de sangue. O fato é que os desavisados turistas se veem numa situação periclitante quando acidentalmente o capitão é trespassado por um arpão. O grupo dá graças aos céus quando é "resgatado" por um dos membros da desajustada família que vive num velho barco ancorado numa pacata enseada defronte aos majestosos fiordes e a um farol (com um faroleiro weirdo, diga-se de passagem). Logo o grupo percebe que a situação que era crítica passou a ser dramática, e é um Deus nos acuda no convés quando um dos freaks enfia o martelo na testa de uma das alemãs. Cada um a seu modo procura se esconder no sinistro barco para salvar a pele, à exceção do nosso inteligente japonês, que pega um colete salva-vidas e pula no mar.

A Serbian Film - terror sem limites

2011-07-13T14:40:00.010Z

Pensar em cinema iugoslavo é pensar em Emir Kusturica (nascido em Sarajevo) e em Quando papai saiu em viagem de negócios, Palma de Ouro de 1985 em Cannes. O cinema que se fazia na antiga Iugoslávia era denso e ao mesmo tempo bem-humorado; local (ao retratar os costumes, as músicas e as particularidades do povo iugoslavo) e ao mesmo tempo universal (ao retratar sentimentos que podem ser compartilhados por qualquer pessoa do mundo, independentemente da nacionalidade).
Mas se você esteve no planeta Terra nos últimos vinte anos sabe que a Iugoslávia, esta "casa muito dividida" como a National Geographic estampou numa de suas capas, se desmantelou, e se desmantelou da pior maneira possível. Um dos filmes mais interessantes sobre os conflitos da separação é Terra de ninguém (2001), do diretor bósnio Danis Tanovic, que com seu humor negro levou o Oscar de Melhor Filme Estrangeiro.
Depois de tantas guerras, agora é bola para frente (sem trocadilho), tanto em termos cinematográficos como políticos. Mas a verdade é que o diretor Srdjan Spasojevic e o roteirista Aleksandar Radivojevic chutaram o balde dos limites do razoável. Na sala Paulo Amorim lotada, antes da sessão, uma moça comentou com o namorado: "a sinopse é realmente promissora".
Bem, eis que não vou dar sinopse alguma do filme nem falar de nada das coisas inomináveis que acontecem nele. Em vez disso, vou procurar avaliar o filme pelas reações da plateia.
No começo, lá na fileira bem da frente, depois que deu a vinheta dos Correios, uma moça moderninha gritou tirando sarro: "Viva, é filme de terror!". O clima era de descontração e certo ceticismo sobre o conteúdo (sem trocadilho) da película. O tempo vai passando, as personagens vão se delineando, o roteiro se desencadeando, e as reações variam entre uma curiosidade crescente e certa decepção incipiente. Em alguns diálogos bate certo enfado e o público se mexe inquieto e pensa, puxa, nada acontece neste filme. Eis que o roteiro inclui numa situação inominável uma coisa que não combina de modo algum com situações inomináveis. A partir daí o filme toma um rumo extremamente hardcore. E o clima de desconcentração no cinema muda completamente. Ao ver uma cena de inusitada violência, a plateia emudece. A tensão toma conta dos espectadores, e o silêncio perdura até o fim do filme, interrompido uma ou duas vezes para uma gargalhada (quando o diretor diz que seu filme pulou pela janela) e algumas risadinhas constrangidas. Mas na sequência derradeira o nojo é tanto que, e agora eu trago o testemunho de minhas reações, confesso, cheguei a pensar em sair do cinema. Ou seja, se o objetivo dos realizadores era provocar sensações fortes e quebrar paradigmas do que se pode ou não mostrar/sugerir nas telas de cinema, bem, eles alcançaram plenamente o objetivo.
Falando em nojo e revolta, antes de escrever este texto eu pesquisei sobre o filme e encontrei uma entrevista concedida a David Harley pelos realizadores, no site Bloody Disgusting. O roteirista alega que o filme é uma metáfora sobre a condição de ser transformado em marionete pelo sistema. Abaixo transcrevo um trecho da entrevista (para ler na íntegra, siga o link http://www.bloody-disgusting.com/interview/638). Com a palavra o nada modesto roteirista, que chama as barbaridades gráficas do filme de "arte": "Catharthis through art is something that’s really liked in Serbia these days. Catharthis through really subversive, really strong art; that’s what people need because they’ve been desensitized because of the wars and it’s like they need some kind of cold shower through art to show them what really happened with their lives. The film is an exaggeration of all the problems. We took our own experiences and truths about our government and flowed it into this genre and embedded it with meaning and ferocity."
Na parte sobre o exagero, eu concordo.

Horror gráfico sexual

2011-07-09T20:35:00.005Z

Os retardatários sentaram-se no chão da sala Eduardo Hirtz para assistir a última sessão de Horror gráfico sexual, documentário que integra a consistente programação do VII Fantaspoa. A curiosidade e o interesse do público se justificam. A película sueca de Barbara Bell e Anna Lorentzon busca entender a mentalidade de Brent PD Scott, o criador que enriqueceu com o insex.com, site especializado em produções artísticas e estilizadas de "bondage" (dominação) que no auge de seu funcionamento contou com 35 mil membros. Mulheres bem pagas, ao mesmo tempo em que são torturadas com engenhocas das mais variadas, são levadas a se excitar com a situação e chegar ao êxtase, numa experiência teoricamente sublime e transcendental. Algumas das atrizes/modelos/performers que serviram de cobaias para PD são entrevistadas, bem como alguns de seus colaboradores. Cenas chocantes são mostradas, como a em que PD esbofeteia uma garota imobilizada. Detalhe: ela antes da sessão havia expressamente dito que se dispunha a tudo, menos a ser esbofeteada no rosto. Enfim, assistir a Horror gráfico sexual ajuda a entender aspectos sombrios da mente humana.

Presságio

2011-07-09T19:56:00.004Z

Falado em inglês e filmado no lindo cenário da ilha de Malta, sob a batuta do mestre do cinema de horror Lamberto Bava (filho de Mario Bava), Presságio (Visions of Murder) é um thriller eficiente, que aborda um tema mórbido (rapto de meninas) com sensibilidade. Desde o início, Bava prende a atenção do espectador e cria um clima de crescente suspense. A história se concentra na personagem Anna (a bela húngara Andrea Osvart), jovem viúva que tem o dom da premonição. Ela vai ajudar o policial interpretado por Craig Bierko a investigar o rapto de uma menina. No fundo o filme é um quebra-cabeça do qual o espectador é convidado a participar, algo como um "whodunnit", ou melhor, nesse caso, um "whoisdoing". Diga-se de passagem, talvez pela minha vasta experiência como leitor de Agatha Christie, eu descobri o assassino. Mas daí para dizer que o final é previsível seria cometer o pecado da generalização. Destaques para a trilha sonora com delicados acordes de violino e para as boas atuações dos protagonistas. A produção faz parte de uma série formatada especialmente para TV. A sessão no Cinebancários foi a primeira exibição pública do filme e contou com a presença do diretor, que teceu comentários e respondeu perguntas da plateia sobre Presságio e outros filmes. O diretor italiano elogiou Christopher Lee e Max von Sydow, dois grandes ícones do cinema com quem ele trabalhou.

A noite do chupacabras

2011-07-05T11:38:00.020Z

Segundo longa metragem do cineasta capixaba Rodrigo Aragão, A noite do chupacabras marcou a abertura do VII Festival Internacional de Cinema Fantástico - o Fantaspoa - e teve na segunda-feira à noite uma nova sessão no Cinebancários. A sala estava lotada para conferir o novo filme do diretor do cultuado Mangue Negro. Que, por sinal, saudou os presentes antes da sessão e explicou que a versão assistida aqui em Porto Alegre ainda vai sofrer alterações. Também contextualizou o filme numa espécie de "trilogia" que focaliza três ecossistemas diferentes: mangue (Mangue Negro), montanhas com florestas (A noite do chupacabras) e praia (Mar Negro, título provisório do próximo filme).
Carlos Primati, especialista em cinema de horror e host do site Cine Monstro, alguns meses antes da estreia do filme já destacava a importância da hostilidade do cenário para o filme: "Até onde posso falar do CHUPACABRAS, não é muito diferente dos filmes de "horror caipira" estadunidenses,como O MASSACRE DA SERRA ELÉTRICA ou VIAGEM MALDITA: o cenário é um meio do mato hostil, onde habita um monstro selvagem." (http://cine-monstro.blogspot.com/2011/03/noite-do-chupacabras-2011.html#comments). Sem dúvida, a ambientação em meio a trilhas e regatos dá ao filme um clima extremamente sombrio, o que contribui para uma sensação de claustrofobia - não há como escapar daquela selva, daquele monstro, daquela demência que comanda os atos de duas famílias que se odeiam, os Carvalho e os Silva. A saga de ódio familiar é o pano de fundo para o protagonismo da mítica figura do chupacabras. O realizador em uma entrevista declarou sobre a criatura: "Demorou oito meses de estudos e testes com diversos materiais - entre eles a espuma de poliuretano, silicone e látex -, até que encontrei uma fórmula de uma espuma de látex, leve, elástica e resistente o suficiente para dar ao ator a liberdade de movimento necessária para o personagem. Pegamos um molde de corpo inteiro do Walderrama dos Santos [ator que interpreta (?) o monstro] e modelamos a criatura, com mais de 70 chifres". O filme dá os minutos regulamentares de apresentação de personagens até a sequência chave da escatológica briga no bar. Depois disso a bem-humorada carnificina não dá trégua para o espectador. Uma cena surpreendente engata na outra, com direito a inserções de personagens horrendos como o velho do saco.
Mais informações sobre o VII Fantaspoa: http://www.fantaspoa.com/2011/novo/index.php
Mais informações sobre a produção de A noite do chupacabras: http://fabulasn.blogspot.com/p/noite-do-chupacabras.html

Amizades e... rodas!

2011-07-02T16:50:00.015Z

O que têm em comum um drama dinamarquês, uma animação ianque e uma comédia francesa? À primeira vista não muita coisa, mas em dois aspectos os enredos de Em um mundo melhor, Carros 2 e Potiche - mulher troféu se interligam de modo cristalino: a importância das amizades e a importância das... rodas!
A película dinamarquesa Em um mundo melhor, assinada por Susanne Bier, alcançou reconhecimento artístico ao abiscoitar o Oscar de Melhor Filme Estrangeiro em 2011. O filme tem subtemas, mas em essência narra a peculiar amizade entre os meninos Elias e Christian. Elias é um garoto que sofre bullying na escola. Uma gangue sempre murcha os pneus da bicicleta de Elias. Quando Christian vem morar na cidade e começa a estudar na mesma escola, logo se revolta com aquela situação e tenta proteger Elias. Mas Christian é uma personalidade multifacetada: bom por um lado mas sem limites quando o assunto é fazer justiça com as próprias mãos, que inclui até o plano de mandar pelos ares o furgão de um cara que agrediu o pai de Elias. Amizades + rodas.
Já no hollywoodiano Carros 2, Relâmpago Mcqueen discute com Mate, e a rusga põe em xeque a velha amizade. Às voltas com muitas peripécias de uma trepidante trama de espionagem industrial, os dois percorrem o mundo num circuito de corridas em belas cidades do mundo. O filme mostra que pode haver substituto para o petróleo, para rodas tortas e pneus carecas, mas não para uma boa e velha amizade.
Da França vem o novo filme de François Ozon, Potiche - mulher troféu, que tem como trunfo a imbatível dupla Catherine Deneuve e Gerard Depardieu. Ela é Suzanne, cujo marido, Robert Pujol, tem uma fábrica de guarda-chuvas. Ele é Maurice Babin, político de esquerda. Quando o marido de Suzanne é capturado pelos funcionários em greve, Suzanne recorre a Maurice, que intercede. O episódio obriga Robert Pujol a se internar por problemas de saúde. Suzanne toma as rédeas da empresa e com a ajuda dos filhos a remodela e moderniza. E, de quebra, retoma a ligação com Maurice. Anos atrás, Suzanne trocava o pneu do carro na rodovia quando Maurice parou e se ofereceu para ajudar. Nenhum dos dois esqueceu das coisas que aconteceram naquele dia, e o que era uma paixão impossível se transformou talvez numa bonita amizade.
Três filmes de diferentes nacionalidades para diferentes públicos, mas que servem para realçar a importância das amizades e das rodas.

Os agentes do destino

2011-05-30T22:35:00.004Z

Filme que marca a estreia do roteirista George Nolfi como diretor. Na função de roteirista, tem um currículo até certo ponto sólido, que inclui pelo menos dois grandes sucessos: Onze Homens e outro segredo (2004) e O ultimato Bourne (2007). Para sua estreia como realizador, para não perder o cacoete, escreveu também o roteiro, desta vez com base num conto publicado em 1954, de autoria do cultuado Philip K. Dick: The Adjustment Team. O título original do filme faz um intertexto com o título do conto: The Adjustment Bureau. Mas em português o intertexto se perdeu. Mas se algum dia o conto for traduzido para o português, o tradutor já tem um título para copiar: Os agentes do destino!
Um dos membros da "equipe de ajuste", Harry Mitchell, ajuda o jovem político David Norris (Matt Damon) a encontrar seu obscuro objeto de desejo: a bailarina Elise Sellas (Emily Blunt).
Tipo do filme que não ofende (a inteligência de) ninguém. E, incrivelmente, alcança 60 milhões de dólares de bilheteria sem ter um único tiro. Que elemento atrai o público nesta inusitada mistura de Felicidade não se compra com 1984? Em lugar do cheiro de pólvora, os beijos apaixonados de Matt Damon e Emily Blunt.

Caminho da liberdade

2011-05-19T17:18:00.007Z

Quem já se deteve mais do que poucos segundos neste blog já percebeu que os textos aqui publicados não são "resenhas" nem "críticas". São textos do ponto de vista do cinéfilo. Mas não se engane: só porque o cidadão é cinéfilo não quer dizer que não tenha senso crítico nem enxergue os pontos negativos até mesmo nos filmes de seus cineastas prediletos. Caminho da liberdade tem como defeitos principais a falta de carisma de Jim Sturgess (que interpreta Janusz, algo como o protagonista) e a falta de alternativas do roteiro. Na segunda categoria, é preciso dizer que a própria ideia de fazer um filme desses é algo quase inimaginável, ainda mais num tempo em que plateias são bombardeadas com fugas vertiginosas, explosões esquizofrênicas e inversões de expectativa mirabolantes. Diferentemente de John Sturges (que fez de Fugindo do inferno uma aventura trepidante), Peter Weir decidiu realizar seu filme sobre uma longa caminhada (não é à toa que o material usado como inspiração para a película se intitula The Long Walk). De modo que depois da fuga dos prisioneiros do gulag, o espectador que se prepare para uma difícil e pedregosa jornada. Parte da crítica louvou a obra, enquanto outra parte, incluindo Beth Wilson (http://www.trespassmag.com/review-the-way-back/), destacou a incapacidade do diretor em despertar no público empatia pelas personagens. A ênfase seria nas paisagens em detrimento do drama humano.
Acho que a esta altura posso começar a fazer o contraponto, enumerando alguns dos pontos positivos do filme: a fotografia, a música, a montagem, pequenos detalhes tocantes do roteiro e a direção econômica. (Por direção econômica refiro-me a fazer uma tomada de 10 segundos quando muitos diretores metidos a sebo fariam de um minuto.)
Ainda criando um intertexto com Fugindo no inferno: Steve Mcqueen interpreta o irreverente oficial americano que sempre vai para a solitária. Caminho da liberdade tem seu americano: Mr. Smith, encarnado por Ed Harris, que também se destaca pela coragem. Completam os sete fugitivos o fora-da-lei e stalinista Valka (Colin Farrell); o padre Voss (Gustaf Skarsgård); o comediante Zoran (Dragos Bucur); o desenhista Tamasz (Alexandru Potocean) e o garoto Kazik (Sebastian Urzendowsky). Um caso à parte no elenco é o talento de Saoirse Ronan - a órfã polonesa que se une ao grupo de fugitivos no meio do caminho.
Na condição de fã do diretor, seria fácil rotular o filme com uma série de adjetivos bombásticos com o objetivo de "despertar a curiosidade" do leitor. Mas confesso que sou suspeitíssimo neste caso. Só queria dizer que é uma sensação agradável e feliz ir ao cinema para ver o filme de um cineasta do nosso top ten. Por mais defeitos que o filme possa ter, sempre vamos reconhecer nele as qualidades que nos fizeram respeitar e apreciar o seu trabalho. Se fosse para dar um adjetivo, pediria emprestado o que a rígida Isabela Boscov da Veja usou para classificar Caminho da liberdade: "extraordinário".

A árvore

2011-04-17T17:59:00.005Z

Julie Bertuccelli estreou na direção de longas-metragens com Since Otar Left (2004). Seu segundo filme (não contando o documentário sobre o artista Otar Iosseliani, filmado em 2007) começou a nascer quando uma amiga lhe deu de presente o livro Our Father Who Art in the Tree, de autoria da australiana Judy Pascoe. Além de estabelecer um curioso intertexto com seu "romance fetiche" (O barão nas árvores, de Italo Calvino, cujos direitos autorais, havia descoberto Julie, estavam indisponíveis), o livro abordava temas que ela desejava abordar em linguagem fílmica. Esses temas são, nas palavras da própria diretora: "a infância, a força da imaginação e da invenção como fonte de sobrevivência e o inexorável poder da vida superando a tristeza". Dawn (Charlotte Gainsbourg), no auge de seus trinta e muitos anos, vê-se viúva com quatro filhos. Cada um administra a perda a seu modo. Dawn entra numa depressão situacional, mas sai dela por meio do trabalho como auxiliar na loja do encanador George (Marton Csokas), o patrão que toda viúva pediu a Deus. Tim (Christian Byers), o filho mais velho, é o mais prático: não abandona os planos e, ao mesmo tempo, assume o papel de "homem da casa". O introspectivo Lou (Tom Russel) fica meio na dele. Charlie (Gabriel Gotting), o caçula de 3 anos, retarda o início da fala. Mas é Simone (Morgana Davies), de 8, que reage da maneira mais inusitada. Transfere o amor que sentia ao pai à árvore em que o pai soltou o último suspiro. Começa a falar com a imensa figueira e conta à mãe que a árvore responde, que na árvore mora o espírito do pai morto. A coprodução franco-australiana (a atriz protagonista e a diretora são francesas, o restante do elenco e os cenários são australianos) trata do assunto da perda sem pieguice e com momentos de lirismo e plasticidade. Não é para menos que o espectador sente um clima de intenso envolvimento autoral com o tema "perda". Em 2006, durante a pré-produção do filme, o renomado diretor de fotografia Christophe Pollock, então marido de Julie Bertuccelli, faleceu precocemente, aos 52 anos de idade.

Rango e Rio

2011-04-16T21:46:00.008Z

Rango e Rio. Animações tão distintas quanto balada western e samba. Um faroeste protagonizado por Rango, o desengonçado camaleão, e uma aventura protagonizada por Blu, a arara azul que não sabe voar. O humor de Rango é seco e sarcástico. O humor de Rio é leve e explícito. Rio tem lindos e fofos personagens. Rango só tem bicho feio. Rango tem poeira e seca. Rio tem areia e mar. Rio é carnaval. Rango é surreal. Em Rio, Blu é inteligente porque, apesar de ter nascido no Brasil, foi criado nos Estados Unidos. Em Rango, não há personagens inteligentes. Rio tem duas heroínas: Linda, a dona da livraria em Minnesota, americana e inteligente, e Jade, a arara azul, brasileirinha e burra. Rango não tem heroínas. Rio é colorido. Rango é fosco. Rio é alegre. Rango é soturno. Rio é sofisticado. Rango é tosco. Rio até consegue ser engraçadinho, Rango nem tenta. Em Rio, os vilões são meliantes da periferia. Em Rango, o vilão é um político acima de qualquer suspeita. Gore Verbinski dirige Rango. Carlos Saldanha, Rio. Dois filmes hollywoodianos, mas Rango tem sabor de Cannes. Faça um teste. Leve o seu filho aos dois filmes.

127 horas

2011-02-26T15:38:00.008-01:00

O novo filme de Danny Boyle em sua superfície mostra o drama do alpinista Aron Ralston que, numa jornada solitária pelo cânion Blue John, no deserto de San Rafael, no estado de Utah, escorrega numa fenda junto com uma rocha e tem o braço direito preso entre a rocha e a parede da fenda. No fundo, porém, 127 horas é um estudo sobre autossuficiência.

Com o perdão pelo trocadilho, Aron Ralston é uma pessoa que não dá o braço a torcer: gosta de fazer as coisas a seu modo, de se sentir livre, de realizar aventuras por sua conta e risco e sem ninguém para acompanhá-lo. Antes do acidente, ele se encontra por acaso com duas moças e se oferece para servir de guia. Mas aí ainda temos o ego autossuficiente em ação. Massageia seu ego dar uma de herói e mostrar que conhece o lugar como a palma da mão. Depois de se divertirem num lago dentro da caverna, despede-se das moças e volta a ser o Aron solitário, que acha que sempre pode resolver os problemas sozinho e detesta pedir socorro. Com o braço preso durante 127 horas e pouco suprimento de água, Aron terá tempo para reavaliar sua conduta. Mas outra característica das pessoas autossuficientes é a frieza, a qual, no caso de Aron, é extraordinária. Consegue manter o raciocínio cartesiano e matemático de engenheiro focado em manter a esperança e lutar pela sobrevivência. Dedica o tempo a tarefas práticas, como tentar escavar a rocha com um canivete para ver se consegue liberar o braço.

SPOILER SPOILER SPOILER SPOILER SPOILER SPOILER

É natural que Danny Boyle, que ao mostrar crianças tendo os olhos extirpados em Quem quer ser um milionário? recebeu como singelo prêmio um Oscar, tenha procurado sofisticar a sua busca por cenas chocantes. De quebra, deu uma aula de como amputar o próprio braço com um canivete made in China. Antes de mais nada faça um torniquete. Depois, usando o peso do corpo como alavanca quebre o úmero. A seguir insira o canivete sem fio na carne e vá cortando sem se importar com o sangue. Não desmaie. A esta altura dos acontecimentos, a sensibilidade à dor estará quase tão embotada quanto o fio do canivete, certo? Errado! Fazer a excisão dos nervos vai doer um bocado.

Imagino que por se basear num fato real, tornar-se-ia quase impossível vender o filme e tentar "esconder" o seu final. Mas também imagino que num mundo perfeito as pessoas não precisariam contar na "sinopse" de três linhas que o cara vai amputar o seu braço. Talvez isso seja feito para prevenir pessoas com estômago fraco. Por conta desse impasse (o fato de que todas as pessoas têm a tendência de ser barriga-fria e "contar o final"), Danny Boyle procurou realizar um filme cujo mérito estaria mais na formatação do desenvolvimento que no desfecho em si. Com a ajuda da atuação soberba de James Franco, acho que ele atingiu o ponto nevrálgico.

Aron Ralston, na vida real, teve que reeducar o corpo para usar a mão esquerda (era destro). No lugar da mão e do antebraço direitos, usa uma prótese que o ajuda em suas aventuras. E ao que tudo indica a experiência lhe deixou um pouco menos autossuficiente.

Cisne negro

2011-02-12T17:08:00.006-01:00

Quando a pessoa vai ao cinema para ver o quinto filme de Darren Aronofsky, supondo que tenha assistido os quatro primeiros, já sabe de antemão o que lhe espera: um cinema profundamente autoral, com certas obsessões recorrentes, como a drogadição com todas as suas vertentes, os meandros da psique humana, a tênue linha entre o saudável e o doentio na relação pais/filhos, o corpo humano e as metamorfoses. Tudo isso se confirma em Cisne negro (2010), filme que possibilita várias leituras e que merece ser visto mais de uma vez.
A favorita ao Oscar de Melhor Atriz Natalie Portman (que estreou em 1994 com O profissional e no próximo 9 de junho completa 30 anos) dá vida à Nina Sayers, a bailarina que sonha em ser a Rainha Cisne na nova temporada de O lago dos cisnes, o balé em quatro atos de Tchaikovski que estreou em 1877. A moça, dona de uma técnica perfeita, é também a profissional mais dedicada da companhia. Mas talvez não seja escolhida porque não consegue "se soltar", ou "let it go", nas palavras do diretor Thomas (Vincent Cassel). Para aumentar a concorrência, uma nova bailarina é contratada, a misteriosa Lily (Mila Kunis), que procura fazer amizade com a relutante e sempre tensa Nina.
Quais os motivos da tensão da moça? A mãe psicopata-dominadora (Barbara Hershey)? A fixação por Beth (Winona Ryder), a bailarina em fim de carreira? Repulsa ao sexo? Entre outras coisas, o filme tenta responder essa pergunta e investigar a essência da personagem, descobrir quem ela é. E, ao mesmo tempo, retratar sua metamorfose na busca do sucesso e da perfeição profissionais.
Cisne negro, como a sublime performance de uma bailarina, consegue ser ao mesmo tempo puro movimento e pura introspecção. O ritmo das cenas é ágil e sem firulas, mas de modo a criar na cabeça do espectador uma sensação de insólita dúvida sobre o que é realidade ou ilusão. Nina é uma personagem catártica ao extremo. Inspira na plateia um misto de compaixão, ternura e medo. O cinema de Aronofski é assim: visceral e perturbador.

O discurso do rei

2011-02-11T00:39:00.010-01:00

David Seidler, que teve problemas de fala na juventude, é o favorito para abiscoitar o Oscar de Melhor Roteiro Original, pelo roteiro de O discurso do rei. Numa interessante jogada de marketing, acaba de ser lançado o livro The King's Speech: How One Man Saved the British Monarchy, coescrito por Mark Logue, o neto de Lionel Logue, o terapeuta de fala de

Albert Frederick Arthur George, Bertie para os mais íntimos, mais conhecido como rei George VI. Bertie (1895–1952) foi monarca a partir de 1936, quando seu irmão abdicou do trono para se casar com uma mulher divorciada.

O discurso do rei aborda o esforço de Bertie, gago desde os 4 anos, para se tornar não um orador vocacionado, mas pelo menos alguém capaz de ler um discurso, coisa que todo rei que se preze deve ser capaz. E Bertie no fundo sabia que a batata quente (o trono) ia acabar caindo na sua mão (ou melhor...). Por isso, depois de um fiasco em um discurso ainda príncipe em 1925, decidiu procurar ajuda profissional. No caso, a de um especialista da Harley Street, o australiano Lionel Logue. Apesar de ter consultório na famosa rua, Logue não era médico, mas um ex-ator shakespeariano que criou uma técnica para ajudar soldados com problema de fala devido ao shell shock.

Além do magnífico roteiro, a película tem outros trunfos óbvios, como a dupla de atores Colin Firth (favorito para o Oscar) como o rei e Geoffrey Rush (que já tem Oscar de Melhor Ator por Shine, 1996) como Logue. Na maior parte do tempo os dois contracenam, em cenas que vão do hilário ao pungente. Durante o tratamento, Logue aconselha ao futuro rei treinar com tongue-twisters, aquelas frasezinhas difíceis de pronunciar, como “Let’s go gathering healthy heather with the gay brigade of grand dragoons” ou “She sifted seven thick-stalked thistles through a strong thick sieve”. O príncipe, enquanto aprende que cantar e falar palavrões são boas estratégias para superar os problemas de fala, tem na mulher Elizabeth (Helena Bonham Carter) uma grande e fiel incentivadora. Mas o filme tem também lá seus equívocos. O mais óbvio é de miscasting: escalar Guy Pearce (nascido em 1967) como irmão mais velho de Colin Firth (nascido em 1960) não contribuiu para a verossimilhança interna.

É bom frisar que esse detalhe não chega a comprometer o resultado deste filme inesquecível. O diretor Tom Hooper, nascido em 1972 e formado em Oxford, traz no currículo várias minisséries para a TV e firma-se com O discurso do rei como um dos talentos de sua geração.

Bravura indômita

2011-02-07T15:06:00.015-01:00

Diretores talentosos no começo de carreira gostam de chamar a atenção. Buscam o original, o genial, o diferente ou coisa que o valha. Assim fizeram os irmãos Coen nos cultuados Gosto de sangue (1984) e Arizona nunca mais (1987). De cara chamaram a atenção por serem originais, geniais, diferentes e otras cositas más. Com a maturidade, o talento do cineasta aparece exatamente pelo contrário: a capacidade de passar despercebido. A discrição. Processo parecido aconteceu com Spielberg, por sinal, produtor executivo do novo filme dos Coen: o remake de Bravura indômita (True Grit).
Na refilmagem do clássico de 1969 – dirigido por Henry Hathaway e estrelado por John Wayne como Rooster Cogburn (no papel que lhe rendeu o Oscar), Dennis Hopper (no papel do rapaz que tem os dedos atorados na cabana) e Robert Duvall (como Lucky Ned, o chefe dos bandidos) –, os irmãos Coen realizaram um filme discreto, cujo roteiro apresenta poucas inovações em relação ao primeiro, mas ao mesmo tempo significativo e anos-luz distante da banalidade (vide O turista) que grassa nas telonas hoje em dia.
A história, baseada na obra de Charles Portis, nos remete aos fins da década de 1870 e à cidade de Fort Smith, Arkansas, na fronteira do território indígena. A impressionante Hailee Stenfield vive Mattie, a menina que chega à cidade para providenciar a remoção do corpo do pai, assassinado por Tom Chaney (Josh Brolin). Obstinada e exímia negociante, a menina levanta dinheiro e contrata o mais destemido marshall da região, Rooster Cogburn (Jeff Bridges) para ajudá-la a seguir o rastro de Chaney e levá-lo à justiça. Um ranger do Texas chamado LaBoeuf (Matt Damon) também participa da caçada. Completa o elenco um transfigurado Barry Pepper (de O resgate do soldado Ryan), que encarna Lucky Ned, papel vivido por Robert Duvall no filme de 1969.
Não se trata de um faroeste centrado em ação. A rigor, são poucas as cenas de tiroteio, tocaias e duelos. O foco principal é na construção dos personagens, na definição da personalidade de cada um e na dinâmica do relacionamento entre eles. Por exemplo, entre a menina Mattie e o xerife Rooster forma-se um laço de admiração mútua e uma amizade profunda. Entre o xerife Rooster e o ranger LaBoeuf há um misto de desprezo e respeito. Entre LaBoeuf e Mattie, um sentimento ambíguo movido por petulância, provocação e até umas palmadinhas.
Cenas singelas como a da travessia do rio têm o mesmo impacto que as cenas de enfrentamento. Com fotografia cuidadosa, figurino detalhista, elenco afiado e direção invisível, Bravura indômita honra a tradição dos faroestes.

Inverno da alma

2011-02-01T00:34:00.009-01:00

Inverno da alma (Winter's bones, 2010) é apenas a terceira realização da diretora Debra Granik, nascida em 1962. A diretora, embora tenha começado relativamente tarde, não demonstra a mínima pressa de lançar um filme por ano. Senão, vejamos. O primeiro foi o curta Snake Feed (1998), ainda como estudante da New York University. Depois em 2004 veio Down to the bone, com Vera Farmiga. Os dois receberam prêmios no Festival de Sundance. Agora a cineasta bostoniana tem a oportunidade de atingir um público maior e ver o seu trabalho não só reconhecido pela crítica, mas também divulgado em âmbito mundial. Tal é a força de 4 indicações ao Oscar.

O roteiro, adaptado da obra Winter's bones, de Daniel Woodrell, narra a história de Ree Dolly (Jennifer Lawrence, que encarnará Mystique no filme X-Men: First Class), uma garota de 17 anos com muitas responsabilidades. Cuidar da mãe doente, do irmão Sonny (Isaiah Stone), de 12 anos, e da irmãzinha Ashlee (Ashlee Thompson), de 6, e da propriedade rural localizada nas Montanhas Ozark, no Arkansas, cuja única riqueza é a madeira. Quando o pai dela deixa de comparecer a uma audiência na justiça, a propriedade, que havia sido listada como garantia para a fiança, fica a perigo. A situação que já era crítica torna-se periclitante. Por isso, Ree, com a ajuda do tio Teardrop (John Hawkes) tem que localizar o pai a qualquer custo, vivo ou morto, para conseguir manter a casa e a família unida.

Em suma é essa a trama, contada por Debra Granik com economia absoluta de recursos técnicos e floreios dramáticos. Enxuto até o tutano dos ossos. E um poeta já disse que boa linguagem é aquela que fica só no osso. A fratura exposta por Granik é a de um microuniverso prestes a entrar em colapso, engolfado por uma rede de intrigas familiar com vendettas e personagens misteriosas. Contribui para a verossimilhança do filme o retrato sem glamour da fauna e flora locais, e cenas como a de Ree no parque de remates de gado bovino e dos irmãos dela brincando de pular nos rolos de feno. Mas a maior estrela é a diretora Debra Granik, cuja câmera realça as interpretações surpreendentes de Jennifer Lawrence e John Hawkes. Por sinal, ela concorre a Oscar de Melhor Atriz e ele de Melhor Ator Coadjuvante. O filme, que conta com uma ponta de Sheryl Laura Palmer Lee, concorre ainda a Melhor Filme e Melhor Roteiro Adaptado.

Machete

2011-01-07T14:11:00.010-01:00

Robert Rodriguez perdeu total a noção, se é que algum dia ele teve. A moda agora é fazer filmes que "não se levam a sério", e para estar na moda, o cineasta de El Mariachi (1992) realiza (?) este Machete (2010). O filme se inspira no trailer falso homônimo que passa antes de Grindhouse. Ou seja, o que era para ser uma grande brincadeira acabou se tornando um filme, talvez com o mesmo espírito. Com as participações patéticas de Steven Seagal, Jeff Fahey e Robert De Niro, e mais as presenças magnéticas de Jessica Alba e Michelle Rodriguez, o filme mostra as peripécias de um ex-federal de codinome Machete (Danny Trejo, o porteiro da boate que anuncia uma grande diversidade de tipos de "pussies" em Um drinque no inferno). O feioso personagem traça todas as lindas do filme e destrói todos os obstáculos que surgem. Machete, o trailer, era melhor que Machete, o filme.

Oceanos

2010-12-18T18:34:00.007-01:00

O documentário Oceanos (2010), dos diretores Jacques Cluzaud e Jacques Perrin, tem três etapas bem distintas, mas durante todo o filme prevalece a decisão convicta de não carregar as imagens com informações detalhadas sobre as espécies mostradas ou sobre qualquer outra coisa. Essa decisão contribui para que o espectador preste atenção nas imagens, e as imagens falam por si só.

Na primeira parte do filme, a atenção é focalizada para a incrível e deslumbrante diversidade das espécies oceânicas. O espectador de todas as idades (até de três anos) fica boquiaberto com as imagens ao mesmo tempo singelas e surpreendentes. Peixes, répteis, aves, crustáceos, mamíferos, kelps (algas gigantes) e toda a sorte de organismos pelágicos são mostrados em cenas de fabulosa plasticidade de encher os olhos de encanto. Até mesmo nas cenas de predador/presa, o equilíbrio e as leis da natureza são inexoravelmente respeitadas.

Na segunda etapa da película, o maravilhoso se torna sombrio. Aparece a espécie mais evoluída do planeta Terra! E nunca um filme deixou um fato tão claro: a espécie de cérebro mais requintado, a espécie capaz de invenções inimagináveis, a espécie que está no topo da pirâmide é a que mais ameaça a intricada e delicada teia de interrelações biológicas neste pálido ponto azul. Talvez a vida, em tudo o que ela tem de uniformidade e de diversidade, não devesse ter evoluído até o ser humano. É, caro(a) leitor(a), esta parte do filme é deprimente e depressiva. Dá vergonha de ser gente. Ainda bem que meu filho já estava dormindo.

A terceira parte é um contraponto à segunda, e uma volta às imagens fantásticas da primeira parte, agora com ênfase na reprodução, na esperança de continuidade. Quando as luzes se acendem, porém, as imagens que não saem da retina são aquelas que mostram a ação do belo e inteligente ser humano.

Amor por acaso (2010)

2010-12-11T13:17:00.007-01:00

O ator brasileiro Márcio Garcia estreia na direção de um longa-metragem com rara felicidade, comercialmente falando. Não que o filme vá ser um sucesso de bilheteria, é muito cedo para afirmar isso. Refiro-me à ideia de fazer uma coprodução com os norte-americanos e, assim, abranger um público potencial maior. Astros como Dean Cain (que faz par romântico com Juliana Paes), John Savage e Eric Roberts participam da película, que tem como principal qualidade o fato de não se levar a sério.

A cena que antecede os créditos finais é uma demonstração cabal disso. Mas não vou contá-la para não estragar a surpresa. Só vou dizer que Márcio Garcia parafraseia Hitchcock em sua mania de aparecer nos filmes. Quanto à "trama", bem, digamos que não se distingue muito de outras comédias românticas com esse tipo de título. Por sinal, não é o primeiro Amor por acaso (aliás, já existem vários) que aparece nas telas nem será o último. Da mesma forma, o título ianque (Bed & Breakfast) também não é nada original (Roger Moore já protagonizou um filme homônimo em 1992). Como se vê, Márcio Garcia não está preocupado em fazer algo diferente ou com muita identidade própria. O que ele pareceu preocupado em fazer foi filmar rapidinho um roteiro bobinho com algumas personagens engraçadas e umas cenas razoavelmente divertidas. As boas participações de Eric Roberts, na pele de uma personagem surpresa, do ator que faz o advogado da personagem Ana (Juliana Paes) e, principalmente, do labrador Roman, que vive Kevin, o melhor amigo do pobre-menino-em-processo-de-separação Jake (Dean Cain).

Claro que o filme é um prato cheio para ser espinafrado pela crítica oficial e não oficial. Mas não estou aqui para isso. Meu olhar é (quase) sempre condescendente e benevolente. Por isso, procuro analisar o que o filme tem de positivo. A trilha sonora é legalzinha, o inglês da Juliana Paes não é dos piores e até rola uma certa "química" entre o par romântico. Mind you, Marcio Garcia tem futuro como diretor.

A rede social

2010-12-04T15:42:00.011-01:00

Antes de mais nada: parabéns a você, nesta data querida, muitas felicidades, muitos anos de vida! No dia 6 de dezembro de 2005 foi publicado o primeiro post de meu blog no endereço blogspot. O post de hoje é comemorativo a essa significativa data. Na verdade o blog tem 7 anos e oito meses, se contarmos o período abril 2003 - dez 2005 (fase weblogger, infelizmente perdida no buraco negro dos blogs apagados sem aviso prévio ao owner).

Para comemorar o aniversário de um blog que cultua bons roteiros e cinema autoral, nada mais apropriado que falar de A rede social (2010), do diretor ianque David Fincher, cuja filmografia é: The Girl With the Dragon Tattoo (2011); The Social Network (2010); The Curious Case of Benjamin Button (2008); Zodiac (2007); Panic Room (2002); Fight Club (1999); The Game (1997); Seven (1995) e Alien 3 (1992).
O grande trunfo do filme é o roteiro de Aaron Sorkin e Ben Mezrich (autor do livro The Accidental Billionaires: The Founding of Facebook a Tale of Sex, Money, Genius, and Betrayal). É cada vez mais raro se assistir a um filme que se baseie apenas em diálogos. E A rede social baseia-se apenas nisso: conversas entre os variados personagens. Conversas puras e simples, sem espaço para pieguices nem emoções exacerbadas. O ator em ascensão Jesse Eisenberg (cuja maior realização até aqui havia sido Zumbilândia) interpreta o principal nome por trás da rede social Facebook: Mark Zuckerberg. Mark é retratado como um estudante de informática em Harvard com dificuldades de se integrar socialmente. Leva um fora da namorada Erica (Rooney Mara) e sobram-lhe pouquíssimos amigos. Entre eles, o melhor é Eduardo Saverin (Andrew Garfield), que acaba financiando o projeto de Mark (criar uma rede social na Internet). O capital inicial investido foi mil dólares. Com isso, Eduardo ficou com 30% da empresa recém-criada.

O problema é que semanas antes de o site entrar no ar, Mark havia sido procurado por três estudantes de Harvard e contratado para bolar uma espécie de rede social especial para os alunos da universidade. Quando descobrem que Mark havia colocado uma rede social no ar, os três se sentem usurpados da ideia. Dustin Moskovitz (Joseph Mazzello) e os gêmeos Winklevoss (ambos interpretados por Armie Hammer) não se conformam com o que eles consideram apropriação intelectual indébita. Paralelamente, a rede criada por Mark começa a atrair a atenção de muita gente, como o cara que criou o Napster e investidores de peso.

O filme aborda questões como honra, sobra de inteligência cerebral e falta de inteligência emocional, escolha errônea de amizades, sucesso subindo à cabeça, dificuldade de relacionamento, busca de ressarcimento nos tribunais, etc. A rede social é uma aula de como contar esse tipo de história: montagem dinâmica e direção discreta.

Daisy Miller

2010-11-28T17:21:00.009-01:00

Daisy Miller, de acordo com Italo Calvino, em Por que ler os clássicos (Companhia das Letras, tradução de Nilson Moulin), é, na obra de Henry James, "(...) um dos textos mais claros, com uma personagem de moça cheia de vida, que explicitamente aspira a simbolizar a falta de preconceitos e a inocência da jovem América. Contudo, é um conto não menos misterioso que outros desse autor introvertido, inteiramente tecido como é pelos temas que se apresentam, sempre entre sombra e luz, ao longo de toda a obra."

No Brasil, os leitores não podem se queixar: a noveleta de Henry James tem no mínimo três traduções no mercado: a da Imago (Daisy Miller e um Incidente internacional, 1991) (tentei durante meia hora descobrir o nome da tradutora na Internet mas não achei, o que só comprova o quanto é desvalorizado este nobre ofício), a da L&PM, minha estreia como tradutor (A volta do parafuso seguido de Daisy Miller, 2008) e a da Armazém Digital (de Ana Maria Simeão Funck).
Lembro que, enquanto eu traduzia a noveleta, trabalho realizado dentro da Oficina de Tradução Literária de Beatriz Viégas-Faria, tive a oportunidade de assistir ao filme homônimo, dirigido por um dos diretores mais imprevisíveis de Hollywood: Peter Bogdanovich, cara que assina desde excelentes películas até outras no mínimo pouco tragáveis.

O filme realizado em 1973 é uma adaptação bem decente da noveleta, com destaque para atuação da então namorada e musa do diretor, Cybill Shepherd. Abre parênteses para uma fofoca. Por sinal, a atriz, em sua autobiografia (Cybill Disobedience: How I Survived Beauty Pageants, Elvis, Sex, Bruce Willis, Lies, Marriage, Motherhood, Hollywood, and the Irrepressible Urge to Say What I Think), revela ter traído o diretor durante as filmagens, com um produtor careca. Talvez o sexto sentido do diretor (sim, homens também pressentem quando estão sendo traídos) tenha até ajudado para que ele imprimisse à película certa melancolia que enriqueceu a obra. Melancolia que, diga-se de passagem, está presente nas páginas de James, na amargura e na inação de Winterbourne (interpretado no filme por Barry Brown, ator que pouco depois acabou se suicidando), o americano com modos europeus que não consegue dar o braço a torcer à paixão que sente por Annie P. Miller, a Daisy. Quem quiser saber como eu traduzi a célebre frase que resume a personalidade da personagem protagonista (I'm fearful frightful flirt!) pode adquirir o exemplar 669 da L&PM pocket.

Peter Weir - The way back

2010-11-27T20:54:00.011-01:00

Na contagem regressiva para ver o novíssimo Peter Weir, nada mais justo que se faça aqui neste blog que se diz cinéfilo uma breve retomada deste cineasta australiano essencial, nome garantido na minha lista de TOP TEN melhores diretores de todos os tempos.

Para quem não conhece Peter Weir, ele é o simpático e compenetrado sexagenário (nascido em 1944) na foto acima, com seu inseparável chapéu panamá. A foto foi tirada durante a produção de The way back, que tem estreia prevista para o fim de dezembro de 2010 (de olho no Oscar, talvez?).

Bem, nos dias de hoje, ninguém tem tempo para ler muito, ainda mais num blog sobre cinema. Então vou listar os filmes que ele fez. Os títulos falam por si só. Uma linha importante em sua filmografia é a que separa a fase australiana, mais visceral e contundente, da fase americana, mais "comercial" (no sentido de mais visto e mais popular), porém sem perder a característica autoral.

Para quem não conhece os filmes da fase australiana, lembre-se:

==> ninguém pode dizer que conhece cinema fantástico se não viu Cars that ate Paris e Picnic at hanging rock (Piquenique na montanha misteriosa);

==> ninguém pode dizer que conhece cinema de guerra se não viu Gallipoli;

==> ninguém pode dizer que conhece cinema de paixões violentas / jornalismo investigativo se não viu The year of living dangerously (O ano que vivemos em perigo);

==> ninguém pode entender uma pessoa se não conhecer seus cineastas preferidos.

FASE AUSTRALIANA

1974 The Cars That Ate Paris

1975 Picnic at Hanging Rock

1977 The Last Wave
1981 Gallipoli
1982 The Year of Living Dangerously

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FASE AMERICANA

1985 A testemunha

1986 A Costa do Mosquito
1989 Sociedade dos Poetas Mortos

1990 Green Card - passaporte para o amor

1993 Sem medo de viver

1998 O show de Truman

2003 O mestre dos mares

2010 The way back
Narra a fuga de um pequeno grupo de prisioneiros de múltiplas nacionalidades de um gulag (campo de concentração para dissidentes políticos do regime stalinista) siberiano e sua jornada épica e transcendental de milhares de quilômetros cruzando cinco países inóspitos.

(Mais dados sobre a biografia de Peter Weir consultar o link: http://movies.yahoo.com/movie/contributor/1800023993/bio)

Você vai conhecer o homem de seus sonhos

2010-11-27T10:47:00.006-01:00

Helena (Gemma Jones), depois de um longo casamento, é abandonada pelo marido Alfie (Anthony Hopkins), que compra um loft, um carro esporte e uma caixa de viagra. Helena busca orientação espiritual com a vidente Cristal (Pauline Collins). A filha de Helena e Alfie, Sally (Naomy Watts), tem pouco tempo para ajudar a mãe a superar a situação, afinal já tem bastante preocupações com o marido Roy (Josh Brolin), um escritor que emplacou o primeiro livro mas depois disso perdeu a mão e a confiança em si. Sally deseja formar uma família (leia-se, ter filhos), mas Roy insiste que ela continue tomando anticoncepcionais até que a coisa melhore. In the meantime, Sally tem que procurar um emprego. Para isso, usa seu invejável currículo (graduação em História da Arte) e consegue entrar numa galeria conceituada, como assessora principal do chefe (leia-se, secretária). Até aí tudo bem, pois o chefe Greg é interpretado por ninguém menos que Antonio Banderas. In the meantime (são muitas tramas paralelas), Alfie apresenta à filha Sally sua noiva, a loiraça Charmaine (Lucy Punch), enquanto Roy, inspirado pela musa e musicista de etnia indiana Dia (Freida Pinto) que acaba de se mudar para o bloco de apartamentos da frente, termina enfim o novo livro e envia à editora para ver se ele será aprovado para publicação. Esse parágrafo aí de cima é a "sinopse" da trama ou do enredo do mais recente filme do cineasta Woody Allen, um dos preferidos de minha querida mãe (mas, confesso, ele dificilmente me empolga) (mas, confesso, este filme quase chegou a me empolgar). O filme se passa em Londres, e o humor que permeia as cenas, por incrível que pareça, também tem um certo sotaque britânico. Sem querer comparar Woody Allen com Shakespeare, mas as personagens woodyallenianas são humanas, demasiado humanas. Patéticas. Ridículas no que há mais de ridículo na natureza humana, e, ao mesmo tempo, tão triviais. Como já fiz questão de frisar, não sou especialista em Woody Allen, não consigo tecer comparações do tipo "ele está cada vez melhor", nem afirmações bombásticas como "o melhor filme dele dos últimos anos". Se tem obra de um diretor na qual sou fraco, fraquinho, essa obra é de Woody Allen. Apesar desse afastamento instintivo, sou obrigado a reconhecer que You will meet a dark tall stranger (Você vai conhecer o homem de seus sonhos, 2010) tem uma qualidade rara, um humor soturno e irônico, beirando o humor negro, que o torna um entretenimento de qualidade.
Numa era em que a moda é criticar tradutores de modo leviano (até mesmo tradutores criticando seus pares, numa total falta de ética), quero aqui fazer um elogio público: o tradutor ou tradutora que legendou este filme teve excelentes soluções tradutórias.

Dona Flor e seus dois maridos

2010-11-24T20:44:00.011-01:00

Na noite do dia 20 de novembro de 2010, um sábado, deixei o meu filho de três anos com a madrinha dele (coincidentemente, minha irmã) e lá fui eu, na, como sempre, agradável companhia de meu blazer Spirito Santo e, é claro, da mãe de meu filho, com destino às poltronas B-13 e B-14 da plateia do Teatro São Pedro.
Stop. Rewind. Explicando. Na verdade eu tinha ido comprar ingressos para o show da Tereza Salgueiro, mas descobri que havia sido cancelado. Ora, não sou de perder a viagem e de imediato escolhi dois excelentes lugares para a peça.
Depois de adquiridos os ingressos, passei a pesquisar sobre a qualidade da peça. Descobri, por exemplo, que a Bárbara Heliodora havia resenhado positivamente a adaptação da obra de Jorge Amado, dirigida por Pedro Vasconcelos. E também descobri uma resenha de um cidadão de João Pessoa criticando a peça e insinuando que a Bárbara Heliodora precisava trocar de óculos. E parei por aí na minha pesquisa. Restava conferir e ver com qual das duas opiniões eu mais concordaria.
Eis que chega a tão esperada data e, depois da operação logística já explicada acima, lá estávamos (a Andrea, meu blazer e eu) no teatro mais charmoso do Rio Grande do Sul.
Desnecessário dizer que é sempre uma ótima sensação estar naquele ambiente. Pessoas bonitas, cultas e... uma menina de quatro anos! Hum... isso que eu chamo de mãe liberal. Levar a filha na mais tenra idade a um espetáculo em que ao que consta haverá uma cena de nu frontal masculino. Mas a mãe dela pareceu tirar de letra os olhares de censura que recebeu (e a menina pelo jeito se divertiu, pois a peça é mesmo divertida e musical).
Bem, a esta altura o leitor mais atento já terá percebido que este blogueiro concordou mais com os argumentos de quem elogiou a peça do que com os de quem a criticou negativamente.
Sem dúvida, o espetáculo aproveita as melhores cenas do livro para encená-las no palco. O competente elenco, com Cláudio Galvan no lugar de Duda Ribeiro como Dr. Teodoro, provoca risos e até breves momentos de introspecção, com destaque para os monólogos de Florípedes, mais conhecida como Flor (Carol Castro, que substituiu Fernanda Paes Leme). Completa o trio principal de atores Marcelo Faria, o pândego Vadinho.
Ao cabo da peça, uma grata surpresa: os atores esperam os aplausos cessarem e travam uma conversa descontraída com a plateia. Um rapaz que estava na minha frente elogiou o ator Marco Bravo, que interpreta Dorival Caimmy (e, por sinal, marido de Carol Castro). E o público saiu satisfeito, lembrando da frase de improviso de Marcelo Faria:
"Tá calor no Pelourinho!" (proferida quando ele passou perto de uma moça da plateia e ela ficou se abanando) e também do bordão "Tem toda!", a resposta de Flor quando o segundo marido pede licença à esposa para deitar-se com ela.
P.S. Valeu, mAninha!

Baarìa - a porta do vento

2010-11-07T14:22:00.009-01:00

O diretor italiano Giuseppe Tornatore (nascido em 1956) logo em seu segundo filme alcançou um sucesso descomunal. O Oscar de Melhor Filme Estrangeiro abiscoitado por Cinema Paradiso (1988) alavancou a carreira incipiente para um patamar talvez inesperado para o jovem realizador. O mais recente filme de Tornatore mostra as muitas qualidades aprimoradas em uma sólida carreira como roteirista e cineasta. Porém, dá margem a algumas críticas, em especial, por indícios de megalomania.
Por exemplo, ao terminar o filme, aparece o nome do diretor em letras garrafais. Como se ele tratasse o própro nome como grife ou marca. Nada de "dirigido e roteirizado por", apenas "GIUSEPPE TORNATORE". Em sua defesa, poder-se-ia dizer que, em se tratando de cinema autoral, o mérito artístico é e sempre foi atribuído ao cineasta. Tornatore apenas arrumou um meio mais escancarado de chamar a atenção para isso. Deixando essa discussão de lado, a pergunta que eu quero responder aqui é: valeu a pena passar 150 minutos de minha vida no cinema para assistir a Baarìa, a porta do vento (2009)?
Confesso que a resposta também merece letras garrafais: SIM!
O filme abarca três gerações da família Torrenuova, natural de Bagheria, localidade próxima a Palermo, na Sicília. A ênfase é em Giuseppe Torrenuova (Francesco Scianna), conhecido pelos familiares como Peppino. Giuseppe na juventude se filia ao Partido Comunista e vive aventuras e desventuras tentando se eleger deputado, ao mesmo tempo em que casa com Mannina (a insinuante Margareth Madè) e cria uma penca de filhos. As ideias políticas de Giuseppe vão se tornando mais amenas ao longo de sua vida para, no final, tornar-se um "reformista". Que, segundo a descrição de Peppino, é alguém que aprendeu que não adianta dar murro em ponta de faca. Mas a faceta política do filme não chega a ser aprofundada. O filme nem de longe lembra a densidade e o engajamento de um Ken Loach, por exemplo. O approach de Tornatore é mais suave, com um senso de humor apurado e transições rápidas entre um episódio e outro. Devido ao dinamismo do roteiro e da montagem, o espectador nem sente o tempo passar. Isso, por si só, já credencia e explicita a qualidade da película. Momentos divertidos e ternos não faltam. A trilha musical inconfundível vem do talento de Enio Morricone. Mas que ninguém vá ao cinema para ver Monica Belucci. Ela só faz uma pontinha na cena em que alunos de uma escola param a aula para espiar um pedreiro aos beijos com uma linda mulher num prédio em construção.

Fernanda Takai e Nico Nicolaiewsky + Orquestra de Câmara da Ulbra

2010-10-25T01:28:00.008Z

No Salão de Atos da UFRGS, em Porto Alegre, no dia 24 de outubro de 2010, tendo início às 20h15min, realizou-se o concerto popular reunindo a cantora amapaense Fernanda Takai e o cantor gaúcho Nico Nicolaiewsky. O evento patrocinado pela Dana teve a regência do maestro Tiago Flores e os arranjos, em sua maioria, feitos pelo carazinhense Fernando Cordella (Abertura, Feito um picolé no sol, Ana Júlia, Bela baila, Coração de luto, Flor e Só cai quem voa). Os responsáveis pelos outros arranjos foram os músicos Arthur Barbosa (Luz Negra), Daniel Wolff (A vida é confusão), Iuri Corrêa (Com açúcar, com afeto), Pedro Figueiredo (Diz que fui por aí), Michel Dorfman (Ben) e Rodrigo Bustamante (Insensatez). Com um repertório variado que incluiu desde Los Hermanos, Teixeirinha, Chico Buarque, Tom Jobim e Vinícius de Moraes, e clássicos como Ben, um dos primeiros sucessos de Michael Jackson, além de canções de Nico Nicolaiewsky, o show se estendeu até as 21h30, com direito a bis da música A vida é confusão. O show teve duas partes distintas. Na primeira, com ênfase no piano e voz de Nico Nicolaeiwsky. Essa primeira etapa teve como pontos altos a homenagem a Teixeirinha (com o belo arranjo para Coração de luto) e a comovente Bela baila, cantada em dueto com Pedro Veríssimo, o coautor da música. Então a convidada especialíssima da noite entrou para cantar a primeira performance de A vida é confusão (música de autoria de Nico). A partir daí quem brilhou foi a cantora do Pato fu, considerada uma das dez melhores cantoras do mundo. Essa etapa do show foi bem diferente da primeira em termos de musicalidade e arranjos, com mais presença da percussão. No bis, o público bateu palma para acompanhar a canção Só cai quem voa e aplaudiu de pé o repeteco de A vida é confusão.
Foto: Andrea Polidori Celia.

Piranha 3-D

2010-10-24T17:41:00.009Z

Diferentemente de Zumbilândia, que nada acrescentou (muito antes pelo contrário) para o gênero trash/zumbis, Piranha 3-D (2010) é um suculento upgrade ao gênero trash/piranhas. A saga piranhística iniciou na década de 1970 com filmes de reduzida expressão. Em 1978, as piranhas se tornaram estrelas nos cinemas de todo o mundo, numa produção de Roger Corman com direção de Joe Dante. Desde então, as vorazes dentuças vêm aterrorizando plateias de várias gerações. A sequência oficial veio em 1981 (Piranhas II: Assassinas Voadoras), com ninguém menos que James Cameron na direção. Agora, turbinadas pela tecnologia 3-D, as sanguinárias piranhas estão de volta, sob a batuta do diretor francês Alexandre Aja, que se lançou no circuito de filmes de horror com Haute tension (2003). Wes Craven assistiu a película e convidou Aja para dirigir o remake de Quadrilha de sádicos (The hills have eyes, 1977). A refilmagem ganhou o título no Brasil de Viagem Maldita (2006). Depois disso, Aja lançou Espelhos do medo (Mirrors, 2008). Como se vê, ninguém pode acusar Aja de incoerência. Escolheu um "gênero" e, nesse processo, se especializou, ou seja, cada filme novo é melhor que o anterior. Guardem o nome dele: esse cara ainda vai fazer um bom filme.
Desta vez, o cenário da carnificina é o fictício Lake Victoria (na realidade o Lake Havasu, Arizona). Na cena inicial, Richard Dreyfuss se presta para encarnar um pescador na hora errada no lugar errado. Falando em se prestar, adivinhe quem é a xerife responsável por tentar controlar uma situação que se tornará incontrolável? A respeitável Elizabeth Shue. Na pele da xerife Julie Forrester, tendo como fiel escudeiro o guarda interpretado por Ving Rhames, Shue enfrenta um dos maiores desafios da carreira: não o preconceito de participar de um gênero considerado menor depois de atuar em dramas como Despedida em Las Vegas, que lhe valeu indicação ao Oscar, mas sim um guloso cardume de piranhas mesolíticas. Um evento sísmico cujo epicentro é o lago abre uma fenda e libera criaturas de milhões de anos, verdadeiros fósseis vivos (e sedentos de sangue). Para a sorte dos insaciáveis peixinhos, está chegando na cidade (cuja principal atração é o lago) uma leva maciça de turistas (que quadruplica a população local) e também a deliciosa equipe de produção de um filme pornô.

Zazie no metrô

2010-10-24T11:25:00.007Z

Adaptação do romance homônimo de Raymond Queneau, o filme Zazie dans le metro (Zazie no metrô, 1960) consegue transmitir a graça literária desta emblemática personagem. Quando o livro foi lançado, chamou a atenção pela inovação linguística: as personagens falavam em dialetos próprios, com direito a neologismos e modos particulares de expressão. A legendagem para o português em dvd optou pelo pragmatismo e o que se vê são personagens gramaticalmente corretos.

Mas esse detalhe não diminui o prazer de assistir o filme. Para quem já leu o livro, é uma oportunidade ímpar de ver personagens inesquecíveis como a desbocada Zazie, o misterioso Gabriel, o rabugento Turandot, o taxista Charles, a serelepe Mado, a suave Albertine e o truculento policial Trouscaillon (sem falar no irreverente papagaio Laverdure) ganharem vida na pele de Catherine Demongeot II, Philippe Noiret, Hubert Deschamps, Antoine Roblot, Annie Fratellinie, Carla Marlier e Vittorio Caprioli, respectivamente.

A jornada de Zazie, que vem do interior com a mãe passar uns dias em Paris com o principal objetivo de conhecer o metrô (que, para o azar e a revolta da menina, está de greve), tem elementos e mostra influências de Lewis Carroll e James Joyce. Em outras palavras, Zazie tem um pouquinho de Alice e também de Ulisses, em sua odisseia para conhecer a cidade luz.

A propósito, no livro Paris, biografia de uma cidade (L&PM Editores) , o historiador britânico Colin Jones cita a obra de Raymond Queneau para frisar como os parisienses confundem os monumentos e prédios famosos, mostrando desconhecimento e falta de senso histórico em relação à paisagem urbana. Já Zazie demonstra é desdém pelos próprios personagens históricos, fato cabalmente exemplificado por seu famoso bordão "Napoleon mon cul" (Napoleão o caralho, na tradução de Paulo Werneck).

Falando em tradução, o leitor brasileiro não pode reclamar: tem duas traduções disponíveis (pelo menos em sebos): a de 1985, assinada por Irène Harlek Cubric (editora Rocco) e a de 2009 por Paulo Werneck (editora Cosac Naify).

O diretor Louis Malle, que iniciou a carreira filmando o mundo submarino em companhia de Jacques Costeau e que realizaria um dos maiores triunfos da carreira em 1987 (o clássico Adeus, meninos - Au revoir les enfants), faz de Zazie no metrô, com humor, surrealismo e non sense, um filme não menos interessante que o livro.

Vincere

2010-10-12T12:35:00.005Z

O experiente diretor Marco Bellocchio em Vincere (2010) nos conta a desesperadora história de Ida Dalser, amante de Benito Mussolini. Desde que Charlotte Rampling hipnotizou plateias em O porteiro da noite (The night porter, 1974), de Liliana Cavani, nunca se viu nas telas um amor tão doente. Se no filme de Cavani a esquisita e insondável Charlotte Rampling interpretava a mulher de um famoso maestro que reconhece no porteiro do hotel o nazista que a seviciou e numa inexplicável atração volta a se envolver com ele, agora a não menos esquisita e insondável Giovanna Mezzogiorno encarna um tipo diferente e mais comum de doença: Ida Dalser ama Benito Mussolini, que não ama Ida Dalser. Relação em que ela se entrega de corpo e alma e ele apenas de corpo, para utilizar um linguajar clichê. Mas só quem já passou por isso sabe o quanto isso pode ser doentio. Enfim, o amor de Ida é tão forte e visceral que ela se considera a mulher legítima de Benito e engravida dele. Estamos em 1915. A criança é registrada com o nome do pai, e a partir daí a ascensão de Benito Mussolini como líder político afasta o foco do filme do "amor doentio" para "um estranho no ninho". Ou seja, Ida Dalser passa a assediar Mussolini e acaba numa instituição para doentes mentais. O filho é levado à força a um internato. E aí se desenvolve o drama de mãe e filho, obcecados pela figura de um ser carismático, mas maquiavélico.

Certas cenas deste filme são cinema puro, sem diálogos. Como a das explosões na rua, o povo corre para dentro da galeria, e da fumaça surge a anônima mãe empurrando calmamente um carro de bebê. Ou como a de Ida subindo na grade do hospício durante a nevasca e arremessando cartas ao léu. Destaque também para a atuação impressionante de Filippo Timi, primeiro como Benito pai, depois como Benito filho.

Comer rezar amar

2010-10-10T12:19:00.008Z

Dirigido por Ryan Murphy (que assinou o drama mal-recebido pela crítica Running with scissors, 2006), Comer rezar amar é a adaptação fílmica do romance de autoajuda homônimo, de autoria de Elizabeth Gilbert. Não vou entrar nem em detalhes nem no mérito da questão envolvendo os motivos do divórcio de Liz. Tipo, já é louvável que o homem não é pintado como o crápula da história. O fato é que ela se divorcia e tem que reconstruir a vida. Nisso reside talvez o sucesso do livro/filme: são tantas as pessoas que enfrentam essa situação que sempre acaba sendo catártica para essas pessoas a experiência de ler/ver alguém procurando soluções a esse intricado problema. A solução apresentada por Liz é bem didática: comer, rezar e amar são ações que ajudam a cicatrizar quaisquer feridas, por mais profundas.
Na Itália, comer. Na Índia, rezar. Em Bali, amar.

Esse é o roteiro do road movie de Murphy, e, como todo e qualquer road movie, a personagem que faz a jornada conhece gente legal e passa por situações reconfortantes mas que não diminuem suas incertezas. A fase mais divertida, colorida e saborosa sem dúvida se passa na Itália. Na Índia é a fase mais introspectiva e meditativa. Por fim, que tal conhecer um brasileiro sedutor em Bali? Voando, pedalando e navegando, Liz procura suas respostas. Julia Roberts? Muitas atrizes já receberam Oscar por bem menos.

Tropa de elite 2

2010-10-10T11:32:00.004Z

Diferentemente do primeiro filme, onde pairava no ar uma dúvida sobre qual o "lado" defendido pelos realizadores (por conta de uma equilibrada exposição de pontos de vista opostos), em Tropa de elite 2 a máscara cai e o que vemos é um filme maniqueísta, quase beirando o simplório. Em termos cinematográficos, também, a nova película é inferior, com a narração em off substituindo a ação trepidante. A obsessão dos produtores em evitar pirataria parece ter sido o foco, em vez da manutenção dos padrões artísticos. Não que eu não tenha apreciado cada segundo de Tropa de elite 2. Não que o filme não tenha momentos aterradores, engraçados, sarcásticos, irônicos, viscerais e emocionantes.

E alguém poderia com certa razão indagar: o que querer mais de um filme do que momentos aterradores, engraçados, sarcásticos, irônicos, viscerais e emocionantes? Pois Tropa de elite 2 é a prova que um filme pode ter tudo isso e ainda assim decepcionar o espectador. A crítica ao "sistema" acaba soando uma saída fácil demais. Mesmo recheando o filme com momentos que atingem o espectador, parece que na hora de definir "o alvo" o roteiro perdeu o rumo e decidiu "colocar a culpa" em políticos e policiais corruptos.

Fico pensando se talvez eu não tenha dado a este texto um tom mais "crítico" por méritos desses mesmos produtores, roteiristas e cineastas, que conquistaram o público em 2007 e alavancaram os patamares de exigência (e senso crítico) desse mesmo público.

15 anos e meio

2010-10-03T00:17:00.006Z

15 anos e meio (15 ans et demi, 2008) - dirigido e roteirizado pela dupla François Desagnat e Thomas Sorriaux - baseia-se no livro homônimo de Vincent Ravalec. O enredo trata de Philippe Le Tallec (o impagável Daniel Auteuil), o mais americano dos cientistas franceses, que há quinze anos deixou a França para fazer suas pesquisas em Boston.

Agraciado com prêmios de excelência no campo profissional, Philippe tem deixado a desejar no relacionamento com a filha Eglantine (Juliette Lamboley). Afinal, nesta década e meia de ausência, pouco tem convivido com ela; apenas se encontram em viagens esporádicas.

Mas nunca é tarde para uma reaproximação, e a mãe de Eglantine pede a Philippe que venha à França cuidar da menina-moça por três meses. E a primeira coisa que ele faz é preparar para ela um típico desjejum norte-americano, desdenhado pela filha. Durante o período que vai ficar cuidando da filha, Philippe é convidado por um amigo a chefiar uma equipe de cientistas para inventar um tônico capilar. Entretanto, mais difícil que fazer crescer cabelo numa linda moça careca é saber lidar com uma filha de quinze anos e meio.

Para conseguir o intento de estabelecer uma relação de amor e respeito com a filha, Philippe contará com as dicas de duas pessoas. A primeira é um amigo imaginário: ninguém menos que Albert Einstein, com quem Philippe troca ideias quase sempre em momentos insólitos. O segundo conselheiro é Jean Maxence (François Damiens II), autor de livros de autoajuda para pais com filhos rebeldes. Mas a tarefa não será nada fácil. Afinal de contas, Eglantine anda às voltas com pretendentes, paixões platônicas, festas, shows, amigas que escrevem blogs sensuais, enfim, toda a cornucópia de emoções, descobertas e dúvidas de uma adolescente. Na última categoria, é claro, não podia faltar a dúvida entre o descolado Vincent e o tímido Gaspard. O primeiro desperta o interesse dela, enquanto o segundo faz mais o estilo amigão (mas que no fundo nutre por ela 'algo mais').

O que se esperar de um filme com essas características? Não muito, é claro. Mas não vai errar por muito quem esperar bom humor temperado com pitadas de ternura.

Todo mundo está mudando (Keane)

2010-09-28T01:38:00.008Z

Todo mundo está mudando

Você diz que vagueia nas terras de sua propriedade

Mas quando penso no assunto não sei como isso pode ser verdade

Você sofre em seu seio, você se quebra ao meio

E posso ver a dor no seu olhar

Dizendo: todo mundo está mudando

E não sei explicar.

Tão pouco tempo

Tente entender: eu tento

Fazer um movimento

Para manter o jogo ferrenho

Tento permanecer desperto

E lembrar do nome que tenho

Pois todo mundo está mudando

E eu não sou mais o mesmo.

Você se foi daqui

Em breve vai sumir

Junto à bela luz do entardecer

Pois todo mundo está mudando

E não me sinto certo.

Título do original: Everybody's Changing

Rice-Oxley/Chaplin/Hughes

(do álbum Hopes and Fears)

Tradução: Henrique Guerra.

Nolan, Tarantino e Tirard

2010-08-14T11:50:00.010Z

O God! can I not save
One from the pitiless wave?
Is all that we see or seem
But a dream within a dream?

Nos versos de Edgar Allan Poe (1809-1849), a ideia de um sonho dentro de um sonho já havia sido magistralmente explorada. Quase duzentos anos depois, Chistopher Nolan retoma a premissa. Pena que em vez de um sublime poema de 24 versos agora o produto é um pedante e pseudointelecual filme de duas horas e meia. Na primeira camada onírica, o diretor Christopher Nolan (o cara responsável primeiro por Amnésia e depois por Insônia) sonhou que tinha cacife e talento para transformar um roteiro delirante num blockbuster. Na segunda camada, concluiu que Hollywood era um deserto de ideias ávido pela incrível originalidade oriunda de suas pequenas células cinzentas. Na terceira, entrou numas que podia conseguir os melhores efeitos, o melhor elenco, a melhor direção de arte, enfim, tudo que a indústria tem de melhor para transformar seu sonho delirante em realidade. E o mais incrível é que tanto a primeira quanto a terceira camadas estavam rigorosamente exatas. Quanto à segunda, bem, fica por conta da opinião pessoal de cada um. A sensação que tive ao assistir A origem foi a de ser engolfado por um ruidoso (e impiedoso) tsunami de supostas genialidades. Mescla perfeita de histeria e pretensão.

Qual o antídoto ideal para uma película intelectualoide? À prova de morte, o trash assinado por Quentin Tarantino, cineasta defensor da violência como modo de entrar em sintonia com a plateia. E violência em doses generosas é o ingrediente principal deste filme realizado no projeto Grindhouse, que imita as matinés da década de 70, em que os cinemas passavam dois ou mais filmes encordoados pelo preço de um só ingresso. No caso o filme que faria a dobradinha com a película tarantinesca é Planeta Terror, de Robert Rodriguez (ver texto neste blog). O modelo, no entanto, não vingou no circuito comercial, e os filmes foram lançados em separado, com metragem extra. Diferentemente de Planeta Terror, À prova de morte não é protagonizado por zumbis e matadores de zumbis, e sim por um dublê psicopata (Kurt Russel) e uma dublê nem tão psicopata, mas não menos maluca (a neozelandesa Zoe Bell, interpretando a si mesma). O resultado são diálogos impagáveis e cenas de carro que nos remetem às classicas cenas de Bullit (1968). Como se vê, À prova de morte não rende homenagem apenas aos filmes "B".

Para completar a trinca de boas pedidas cinematográficas em cartaz nos cines de Porto Alegre, a comédia O pequeno Nicolau, baseada na obra de René Goscinny e dirigida por Laurent Tirard (de As aventuras de Molière). O universo de Nicolau envolve o pai ansioso por ser promovido na empresa e a mãe frustrada por não saber dirigir. Na escola, colegas dos mais variados tipos: o puxa-saco, o glutão, o lerdo e o riquinho, entre outros estereótipos. A exemplo de Tarantino, Tirard não quer tirar coelhos da cartola para fazer um bom filme. O pequeno Nicolau é a antítese completa de A origem. Enquanto o filme de Nolan pomposamente procura ser surpreendente e original, o que torna O pequeno Nicolau agradável é justamente a discreta maneira de mostrar o humor por trás das situações prosaicas.

Só dez por cento é mentira

2010-05-23T15:11:00.006Z

Em cartaz no CineBancários documentário sobre a obra e a vida do pantanense Manoel de Barros. Assina a descinebiografia Pedro Cezar, e a linguagem escolhida para abordar o tema foi adequada. Intercala tomadas em que o próprio poeta responde algumas perguntas propostas pelo cineasta com depoimentos de pessoas que o conhecem ou são envolvidos de um modo ou outro com a sua obra. Para essa parte, Pedro Cezar selecionou alguns personagens essenciais para a trajetória desse "poeta em tempo integral", como definiu Abílio, o irmão caçula de Manoel, bem como pessoas para quem a obra de Manoel é essencial.

Além de Abílio, os depoentes incluem desde pessoas do meio artístico-jornalístico-dramatúrgico-literário, como Fausto Wolff, Adriana Falcão, Bianca Ramoneda, Jaime Leibovicht, Danilinho, Viviane Mosé, Elisa Lucinda e Salim Ramos Hassan, até familiares como a esposa Stella Barros e os filhos Martha e João de Barros, passando por pessoas do meio rural, como o espontâneo e engraçado Palmiro. Não depõe mas é lembrado outra personagem da fazenda de Manoel: o silencioso Bernardo, em cujos ombros os passarinhos pousavam a um mero aceno e em cujas mãos os peixes brincavam no rio. Para costurar todos esses elementos, nada melhor que versos manoelenses pinçados a dedo para elucidar os diversos tópicos. Poemetos visuais também colaboram para dar corpo à obra, que ao final se parece com um poema de Manoel: curto, lírico e musical.

How to train your dragon

2010-04-02T15:04:00.007Z

Soluço é um menino que desonra a tradição de seu povo. Não tem vocação nenhuma para matar dragões - a razão de ser dos vikings. Considerado um caso perdido pelo seu exigente e incompreensivo pai, participa assim mesmo junto com uma turma de crianças de um treinamento para combater dragões numa arena (tipo um Coliseu viking). Triste e sentindo-se pressionado pelo stablishment, um belo dia o garoto encontra um dragão manietado na clareira de uma floresta. Em vez de matá-lo, Soluço corta as cordas que prendem a fera - uma das espécies mais raras e desconhecidas, o Fúria da Noite. É o começo de uma amizade que vai render muitas surpresas e aventuras. Soluço descobre o lago onde o dragão mora e o conquista com peixes frescos. Estabelece-se uma relação de mútua vantagem: Soluço instala um estabilizador no rabo do dragão (que perdera um dos lados da barbatana), possibitando assim que ele pudesse voltar a voar. Banguela (assim batizado por Soluço pois o dragão consegue recolher os dentes) permite que Soluço o conduza nos voos. Com referências literárias (a mais óbvia sendo Beowulf, a obra seminal da literatura inglesa) e cenas planejadas especialmente para otimizar os efeitos 3-D, Como treinar o seu dragão é melhor entretenimento que muitos "filmes-cabeça" por aí.

Conta outra

2010-04-02T02:45:00.004Z

Hoje está na moda chamar poetisas de poetas, mas teve uma época em que se ensinava na escola que o feminino de poeta é (era) poetisa. Feministas acreditam que poetisa é um termo sexista, talvez por isso a atual popularidade de poeta comum de dois. Só queria dizer uma coisa. Poetisa é uma palavra bonita. Mais bonita até do que poeta. E mais feminina e delicada.

Pois este post tem a intenção de comentar o lançamento do livro da poet(is)a Márcia Knop.

[by the way: poet (is) a Poe tis' a poetiza

poetisa!]

Como ia dizendo, essa moça baiana e cosmopolita morou em Porto Alegre (entre outros e variados lugares) e hoje mora em Washington, D. C., digo, Brasília. A tradução literária nos uniu colegas em duas memoráveis oficinas. Eis que o talento da menina não se limitava à sociologia e a voos tradutórios: por baixo, mansa e subterraneamente, corria um regato que aflorou em água de cristalina poesia: Conta outra, da Editora Livronovo (http://www.livronovo.com.br/).
Finura nos dois sentidos: de um fino moderno (ou seja, à la Manoel de Barros) e de uma finèsse irretocável, uma sensibilidade refinada. Do tipo que fica melhor a cada releitura. Abaixo duas amostras pinçadas dos 38 poemas:

Alta-costura
o meu vestido
indefectível
foi feito à mão
é um romance
de mistério
a trama do tecido
é elaborada
a textura,
sem emenda,
provoca
uma sensação
visual e outra tátil
segredos
somente desvendados
pela alta-costura
abrir seus botões
é um risco

Microplaneta
projeta-se para frente,
mês a mês,
esférica
ao vê-la,
a associação é imediata
globo terrestre
um hábitat
completo,
por longas
40 semanas

(Knop, Márcia. Conta outra. São Paulo: Livronovo, 2009)

Um olhar do paraíso

2010-03-11T20:54:00.005-01:00

Quando Kate Winslet ganhou o Oscar de Melhor Atriz em 2009, Peter Jackson deve ter murmurado: "Eu já sabia". Lançada por ele no cult movie Heavenly creatures (Almas gêmeas) em 1994, Kate iniciou com o pé direito a sua meteórica carreira. Ninguém, portanto, venha a se surpreender se daqui a quinze anos Saoirse Ronan, a cativante Susan Salmon de Um olhar do paraíso, estiver seguindo os passos de Kate. Peter Jackson tem faro. Autor dos clássicos do terrir Náusea total (Trash, 1987) e Fome animal (Braindead, 1992), mais tarde Jackson realizaria Os espíritos (1996), a trilogia O Senhor dos Anéis (2001-02-03) e King Kong (2005). E como sói acontecer quando o cara atinge o topo, começa a ser espinafrado pela crítica.

Resenhistas do calibre de Roger Ebert, entre outros, esculacharam o novo filme de Peter Jackson, sob a alegação que tem efeitos demais e embeleza um ato horrível. Acho que essas pessoas não viram o mesmo filme que eu vi, ou talvez eu tenha visto o filme com os olhos de um fã que se tornou pai há não muito tempo. Mas a verdade é que Um olhar do paraíso me emocionou bastante. Afinal, nada mais é que a história de uma família. A família Salmon e a menina dos olhos da família, a primogênita Susan. Dona de uma beleza exótica e de olhos azuis transparentes, a menina-moça de 14 anos conquista todos que a conhecem, principalmente o colega de escola Ray (Reece Ritchie). Numa das cenas que mostram a personalidade da protagonista, o irmãozinho dela, Buckley (Christian Ashdale) engole um graveto e para de respirar. Os pais não estão em casa. Incontinenti, Susan pega o carro, coloca o irmão no banco e o leva ao hospital. É por ser assim tão decidida que Susan acaba atraindo outros tipos de olhares, inclusive o de um solitário homem que vem morar na vizinhança, George Harvey (Stanley Tucci, irreconhecível). Ele será o algoz de Susan. Isso não é spoiler porque o trailer do filme conta quem é o assassino e nos primeiros dez minutos a narradora (Susan, do in-between, da região intermediária entre os vivos e os mortos) já nos conta quem foi a pessoa que a assassinou.

Depois que o brutal crime acontece, Susan é dada como desaparecida (o corpo nunca aparece, apenas o gorro e bastante sangue), e a família Salmon se desestrutura. Inconformados, o pai Jack (Mark Wahlberg), contador e nas horas vagas modelista-de-barcos-em-garrafas, e a mãe Abigail (Rachel Weisz) passam a se desentender; cada um reage de forma diferente para tentar se relacionar com a dor da perda. A irmã Lindsey (Rose MacIver) e a vó Lynn (Susan Sarandon) mesmo sem demonstrar muito têm que absorver a revolta e a saudade.

Susan Salmon, por sua vez, não consegue se libertar da vida e ir para o céu. O modo violento com que lhe foi ceifado o mais precioso bem a deixam numa dimensão intermediária, em meio a cenários surrealistas e amizades como Holly (Nikki SooHoo). Com a ajuda de Holly, Susan procura aos poucos aceitar o que aconteceu e deixar que a sua família também siga adiante.

Amor sem escalas

2010-03-02T12:09:00.006-01:00

Ryan Bingham trabalha numa empresa de reengenharia de pessoal, especializada em enxugar o quadro de funcionários de empresas pelos Estados Unidos afora, proporcionando aos novos desempregados oportunidades de recolocação no mercado de trabalho. Assim, Ryan atravessa as nuvens do país de oeste a leste e norte a sul para pessoalmente transmitir as informações aos escolhidos para serem exonerados. Implacável e eficiente em seu metiê, Ryan cultiva pouca ou nenhuma vida "pessoal". Passa mais tempo viajando de avião e se hospedando em sofisticados hotéis do que em seu apart-hotel na cidade-base. Esse é o perfil do protagonista de Up in the air (Amor sem escalas), do diretor Jason Reitman (que alcançou notoriedade pela realização de June). Interpretado por George Clooney, é um emblema da tão falada e alardeada "crise" do capitalismo, na qual as firmas precisaram reestruturar orçamentos e cortar gastos. O filme se desenvolve explorando a curiosa personalidade de Ryan, cujo sonho é alcançar a inimaginável marca de dez milhões de milhas de voo. Embora encontrar uma companheira não seja uma prioridade, ele acaba conhecendo a intrigante Alex Goran (Vera Farmiga, que com sua cena de nudez talvez abiscoite o Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante). Outra mulher que perturba a rotina da vida de Ryan é Natalie Keener (Anna Kendrick, outra concorrente ao Oscar de Atriz Coadjuvante), ambiciosa executiva que pretende revolucionar a empresa em que Ryan trabalha, cortando a necessidade de tantas viagens.

É um filme que se constrói com base em diálogos e relações interpessoais, a exemplo de June. Reitman meio que tenta definir um estilo e sedimentar a carreira com filmes mais intimistas, em contraposição ao cinema de blockbusters. Até quando ele vai conseguir permanecer sem vender a alma?

Nine

2010-02-10T13:05:00.009-01:00

Por que será que as "novas gerações" "não gostam de musicais"? Esse parece ser um consenso, ou um lugar-comum, ou um fato inegável, como queiram. A minha resposta é que não se fazem mais musicais como antigamente. Um filme não é bom ou ruim por ser "musical" ou não. Apesar do elenco fenomenal e da superprodução, Nine deixa a desejar. As músicas não empolgam e a história em si é um arremedo de 8 1/2 (1963). O problema é que Rob Marshall está longe de ser Fellini, embora talvez ele não considere isso.

O "plot" pode ser resumido assim: 'A film director, suffering from a lack of creative inspiration, retreats into a world of fantasies and remembrances of the women in his past and present.'

Pois esse é o resumo do site Yahoo Movies para 8 1/2 de Fellini.

A homenagem explícita aos estúdios e diretores italianos é, vamos dizer, o ponto forte deste filme, que se pretende uma análise sobre o fazer do cinema. Pergunto-me se Rob Marshall leu o livro Fazer um filme de Fellini, e se é que leu, se ele entendeu direito. Em resumo, Rob Marshall continua a fazer musicais que não convencem e a contribuir para a atual má fama dos musicais.

O fabuloso elenco inclui Daniel Day-Lewis (Guido Contini), Marion Cotillard (Louisa, a esposa de Guido), Penelope Cruz (Carla, a amante de Guido), Nicole Kidman (Claudia, a musa de Guido), Judi Dench (Liliane, a figurinista de Guido), Kate Hudson (a repórter tiete de Guido), Sophia Loren (a mãe de Guido) e Stacy Ferguson (a musa de Guido menino).

Tommy & Tuppence: sempre aventureiros

2010-02-09T13:16:00.010-01:00

O universo de Tommy e Tuppence envolve espionagem, contraespionagem, mensagens cifradas, segredos de Estado, fugas, perseguições, reviravoltas, tiros, socos e até cabeçadas. Tommy, sempre com os pés no chão; Tuppence, intuição pura. Um casal que se ama e se alfineta com intensidade. Ao criar a dupla, Agatha Christie surpreendeu a Bodley Head (editora do livro de estreia da autora, O misterioso caso de Styles), que esperava novo whodunnit. Em vez disso, Agatha entregou um thriller insuperável.

O inimigo secreto (The secret adversary, 1922), primeiro livro com Tommy e Tuppence e segundo de Agatha, tem como dedicatória: “A todos os que levam uma vida monótona, com votos de que experimentem em segunda mão os encantos e os perigos da aventura”. Ao cabo da Primeira Guerra, Tommy e Tuppence precisam encontrar Jane Finn, que antes de escapar de um naufrágio recebe importantes documentos de um agente secreto.

Sócios no crime (Partners in crime,1929) é uma coletânea de contos que se interconectam. A segunda aventura dos Beresford inicia com Tuppence ansiosa por peripécias. Então Tommy recebe a missão oficial de cuidar de uma agência de detetives. Detalhe: em cada caso deslindado, Agatha homenageia (ou satiriza) um detetive da ficção policial (entre eles, o Padre Brown e Sherlock Holmes). Inclusive, numa das histórias, Tommy e Tuppence encarnam Poirot e Hastings para enfrentar ninguém menos que o Número 16 – brincadeira alusiva ao Número 4, vilão de Os Quatro Grandes.

Em M ou N? (N or M?, 1941), sua terceira aventura, T & T voltam à ativa em plena Segunda Guerra, quando agentes infiltrados (os “quinta-colunas”) no seio da comunidade britânica auxiliam os nazistas a realizar seus intentos. A ação se passa na pensão Sans Souci, pacato estabelecimento no litoral, onde podem estar hospedados M ou N, agentes nazistas da confiança de Hitler. A única informação de que os Beresford dispõem é que M é mulher e N é homem. Mistura perfeita de adrenalina e suspense.

By the pricking of my thumbs (1968), é uma citação da peça Macbeth (da fala de uma bruxa). No Brasil, ganhou o título Um pressentimento funesto. Em sua quarta aventura, Tommy e Tuppence vão visitar a tia Ada, que mora num asilo. Tuppence conversa com a sra. Lancaster, que olha para a lareira e comenta: “A coitadinha era sua filha?”. A sra. Lancaster é retirada do asilo de modo tempestuoso, deixando como única pista o quadro de uma bucólica residência. Tuppence decide investigar o paradeiro da sra. Lancaster e o sinistro mistério por trás da “criança morta na lareira”.

Publicada em 1973, a quinta aventura dos Beresford, Portal do destino (Postern of fate), é a derradeira obra composta por Agatha. Depois ainda lançou dois romances escritos na década de 1940: Cai o Pano e Um crime adormecido (o último caso de Poirot e de Miss Marple). Portal do destino narra o mergulho no passado feito pelos Beresford ao encontrarem nas páginas de um livro no sótão da nova casa a mensagem: “Mary Jordan não morreu de morte natural”. Ladeados pelo cãozinho Hannibal, os Beresford voltam à ativa para desvendar o mistério. Uma curiosidade: Tuppence encontra na casa itens citados na autobiografia de Agatha (KK, Matilde e Truelove). Como em outras obras do fim de carreira de Agatha, Portal do destino foi gravado no ditafone e depois transcrito.

Em todas as cinco aventuras, o casal conta com a fiel colaboração do escudeiro Albert. Diálogos espirituosos, gosto pelo perigo e inesgotável juventude garantem aos Beresford lugar especial na galeria de personagens de Agatha Christie. Que teve um pressentimento nada funesto ao escrever em 1922 numa carta para sua mãe: “Não se preocupe com dinheiro. Algo me diz que a dupla Tommy e Tuppence será um sucesso."

The hurt locker (Guerra ao terror)

2010-02-06T08:44:00.008-01:00

Acompanho a carreira da cineasta Kathryn Bigelow desde o acachapante Near dark (Quando chega a escuridão, 1987), crônica de um grupo de vampiros modernos, em que o sumido Bill Paxton sobe no balcão de um bar e corta a jugular do bartender com a espora, pega o sangue num copo e bebe. A filmografia de Bigelow abarca filmes estranhos de títulos enigmáticos, invariavelmente pensados em detalhe e filmados com apuro técnico e olho clínico. Inclui Jogo perverso (Blue Steel, 1990), Caçadores de emoção (Point Break, 1991) e Estranhos prazeres (Strange Days, 1995). Antes de The Hurt Locker (2009) filmara K-9- The Widowmaker em 2002.

A expressão The Hurt Locker significa uma situação de dor excruciante e inescapável. Essa é a condição em que se encontram alguns militares de elite no 'front' do Iraque, os que precisam ir às ruas atender as ocorrências diárias. Mais particularmente, a unidade de desarmamento de bombas, composta por dois sargentos e um soldado especialista. Um dos sargentos, o líder da unidade, às vezes precisa trajar um uniforme especial e se aproximar do local. O outro sargento e o soldado especialista cuidam da segurança do líder. As situações retratadas no filme representam uma amostra das experiências do ex-jornalista da Playboy Mark Boal, que acompanhou o trabalho dos soldados norte-americanos no Iraque.

O filme não tem na realidade uma "história": é mais uma colcha de retalhos de vários episódios relevantes, retratados como se tivessem acontecidos com as mesmas pessoas. A personagem mais em foco é o sargento William James (Jeremy Renner), destemido sargento que sabe na ponta da língua quantas bombas já desarmou e guarda pedaços dos sistemas de detonação delas embaixo da cama. Obcecado por desempenhar com eficiência suas missões, ignora o medo e transforma situações de perigo numa espécie de vício doentio. Completam a unidade o sargento J. T. Sanborn (Anthony Mackie) e o especialista Owen Eldridge (Brian Geraghty).

The hurt locker é um filme que vale a pena ser visto, independente da mancada dos distribuidores no Brasil terem lançado o filme em dvd antes de no cinema e independente de ter recebido várias indicações ao Oscar. Vale a pena porque os trabalhos de Bigelow em geral são intrigantes e plenos de suspense, e The hurt locker não é uma exceção em sua filmografia.

The Cranberries em Porto Alegre

2010-02-05T09:15:00.013-01:00

O show dos Cranberries em Forno Alegre, realizado no Pepsi on Furnace na quarta-feira dia 03/02, teve alta temperatura em todas as possíveis e imagináveis acepções do termo.

O ambiente (uma fábrica antiga com efeito estufa) fumegava com um bafo fervente depois de um tórrido dia de um sol senegalês de 40º C. No ambiente opressivo e estorricante os fãs suavam parados à espera do início do show. A banda Garota Verde esforçava-se para provocar alguns tímidos aplausos, mas o público só sentia mesmo era o suor escorrendo e a vontade de ver o Cranberries subir ao palco.

E às dez em ponto os primeiros acordes irlandeses soaram e as sublimes cordas vocais de Dolores O’Riordan entraram em ação. O público delirou desde o começo do show e se entregou numa troca de energia fascinante. Contagiado pelo bem dosado setlist, que intercalava rocks na veia e baladas oníricas, o público sublimou o calor infernal e se concentrou no prazer de estar ali a despeito de toda a displicência dos "organizadores" com o conforto térmico do público e da banda.
A própria Dolores comentou que aquele era o lugar mais abafado que já havia tocado em toda a sua vida e elogiou a resistência e fidelidade do público: “You’re an AMAZING audience!”

Movido por um elogio desses e embriagado por uma performance irretocável, bem além do apenas profissional, o público retribuiu à altura, entoando as letras a plenos pulmões. O setlist incluiu canções dos álbuns solo de Dolores, como as ótimas Ordinary Day e The Journey.

Durante todo o tempo o público se perguntava: quando ela vai tirar aquele casaquinho branco? Pois ela cantou praticamente todo o show com ele, só o retirando antes de Zombie, um dos pontos mais ferventes do show. Foi a última antes do bis.

The Cranberries mostraram que têm o verdadeiro espírito rock’n’roll nas veias, cumprindo o mesmo setlist dos shows do centro do país e no final Dolores jogou o balde de gelo derretido em cima do público e derramou água nos cabelos curtos e morenos.

De todas as coisas inesquecíveis deste show memorável, sobressai-se a contradição fisiológica e a esquisita experiência sensorial imposta pelos Cranberries: mesmo na fornalha do Pepsi on Furnace, canções como Linger, When you’re gone e Ode to my family tiveram o poder de deixar o público arrepiado de emoção.

Set list:

How
Animal Instinct
Linger
Ordinary Day
Wanted
You & Me
Dreaming My Dreams
When You're Gone
Daffodil Lament
I Can't Be With You
Pretty
Ode to My Family
Free to Decide
Waltzing Back
Switch Off the Moment
Salvation
Ridiculous Thoughts
Zombie
BIS:
Empty
The Journey
Promises
Dreams

Crédito das fotos:
Pepsi on stage==> sem crédito.
Show ==> Leandro Cabral (centro e esquerda), Tadeu Vilani (direita).

Sherlock Holmes

2010-01-15T11:37:00.007-01:00

Guy Ritchie realiza a mais fiel adaptação cinematográfica de Conan Doyle de todos os tempos. Agora sabemos o que ele fez enquanto esteve casado com a Madonna. Leu Conan Doyle de cabo a rabo. Claro, não levem o 'fiel' aqui ao pé da letra. Fiel no sentido de fazer jus à qualidade do original. Ritchie tirou o melhor das páginas e acrescentou a agilidade de seu peculiar estilo cinematográfico. O resultado é um filme de primeira qualidade.

Uma das ideias geniais de Ritchie foi dar ao estupidificado Watson das páginas capacidade de raciocínio e ação. O antes mero e opaco coadjuvante agora é, além de leal, inteligente. A complexa relação dele com Holmes inclui admiração, amizade e até um pouco de ciúmes (principalmente de Holmes em relação a Watson, que está noivo da sem sal Mary Morstan, encarnada por Kelly Reilly). Já Watson parece não se importar com a morena presença de Irene Adler (Rachel McAdams). Talvez porque ela seja mais apaixonada por Holmes do que Holmes por ela.

O plot envolve os atos insanos e inexplicáveis de um maligno praticante de magia negra (Lorde Blackwood, interpretado por Mark Strong), confrarias secretas, conspirações, descobertas científicas, tudo mesclado e costurado numa velocidade alucinante pelos diálogos mínimos e truques de roteiro e edição de Guy Ritchie (nascido em 10 de setembro de 1968), aprimorados desde Jogos, trapaças e dois canos fumegantes (1998) e Snatch, porcos e diamantes (2000). Talvez numa análise um pouco menos superficial o enredo tente lidar com a dicotomia razão x imaginação; ciência x sobrenatural; adivinhação x poder dedutivo. Enfim, nada disso é lá muito importante, porque o ritmo das bem-engendradas sequências não permite espaço nem tempo para análises.

Há tempos não se via uma dupla protagonistas tão afiada. Robert Downey Jr. (04.04.1965) como Holmes e Jude Law (29.12.1972) como Watson em seus figurinos impecáveis e charmosos são a própria imagem da fleugma britânica. A fotografia e direção de arte também merecem menção e colaboram para a atmosfera dark e catastrófica do filme.

Avatar

2009-12-23T09:37:00.024-01:00

James Cameron retorna às telas em grande estilo. Depois de Titanic (1997), o realizador que estreou com o trash Piranhas Voadoras II (1982) ficou exatos doze anos no limbo para simplesmente lançar um filme revolucionário. Che Guevara ficaria orgulhoso de Jake Sully.

O roteiro de Avatar tem todos os ingredientes que fizeram o sucesso dos outros filmes de Cameron. Senão, vejamos:

* a ação de O exterminador do futuro (1984);
* o trabalho em equipe de Aliens (1986) e a capacidade de criar frases que entraram para a história do cinema (vide Get away from her, you bitch);
* a concepção de seres estranhos de O abismo (1989);
* as lutas de O exterminador do futuro 2 (1991);
* o humor de True Lies (1994);
* o romance de Titanic (1997).

Cameron colocou todos esses ingredientes em seu caldeirão de ficção científica e surgiu Pandora, um mundo fantástico para onde os humanos vão com o objetivo de colonizar o local e obter grandes quantidades de um valioso minério. Mas em Pandora vive uma espécie de seres inteligentes, os Na'vi. Para melhor conhecer os hábitos desse povo, os cientistas, com a ajuda da engenharia genética, criam em laboratório híbridos cuja consciência é comandada pelo cérebro de um humano que, ao entrar numa cápsula, adormece e acorda no corpo do Avatar (a denominação dos híbridos). É assim que Jake Sully (Sam Worthington), soldado que ficou paraplégico e é selecionado para trabalhar no programa, pela primeira vez abre os olhos e tem todas as informações sensoriais de um Na'vi. Essa cena, embora muito emocionante, é apenas uma pálida demonstração das sensações que Cameron nos reserva.

Para se relacionar com os Na'vi, Jake Sully recebe os conselhos de dois 'gurus': Grace (Sigourney Weaver, a eterna Ripley da série Alien), a cientista-chefe, e o coronel Miles Quaritch (Stephen Lang), o comandante das operações militares, duas personagens contraditórias e difíceis de lidar. O elenco conta também com Giovanni Ribisi, no papel do asqueroso e ganancioso Parker Selfridge, o gerente de operações da colônia humana em Pandora, e Michelle Rodriguez, que encarna a confiável Trudy Chacon, amiga de Jake Sully e piloto de uma das aeronaves de combate.
Do lado dos Na'vi temos Wes Studi como o chefe Eytukan, Laz Alonso como Tsu'tey e a ótima Zoe Saldana (ver foto abaixo tirada na première de Avatar em L. A.) como a esquisita e misteriosa Neytiri.
Qualquer coisa que se comente sobre Avatar será inócua e sem sentido se a pessoa não ver o filme num cinema 3-D. A experiência é inigualável e inesquecível e impossível de não querer repeti-la.

Abraços partidos

2009-12-06T10:15:00.013-01:00

A primeira cena de Abraços partidos (Los abrazos rotos, 2009), do diretor espanhol Pedro Almodóvar, é plena de sensualidade. Uma bela moça pede a um homem qual parte do jornal ele deseja ouvir. O homem diz que não está interessado no jornal, mas sim nela. Pede que ela se descreva. Ela então diz que é "ruvia de pelo largo" e tem olhos verdes, meio azulados no verão. Ele toca de leve o cabelo dela e desce os dedos, passando por pálbebras, rosto e seios. Os dois se beijam.

Assim o espectador é apresentado ao protagonista (que, como Almodóvar, é diretor de cinema e roteirista). E vai saber como ele chegou a essa situação por meio de um roteiro tipo vaivém, indo e voltando no tempo. Colcha de retalhos costurada sem pressa, quebra-cabeça montado devagar. Na verdade, o foco não é na dinâmica do contar e sim no que é contado, nas personagens desnudadas (algumas literalmente) ao longo da película.

Personagem importante na vida de Harry Caine é a produtora Judit (Blanca Portillo), que cuida de tudo na vida de Harry, desde problemas domésticos até os detalhes da produção.

Numa das idas e vindas do roteiro, ficamos conhecendo uma atriz que vai acabar se tornando uma grande paixão de Harry: a sensual Madalena (Penélope Cruz), mulher de um rico empresário. Mas antes novo rewind para apresentar todo o contexto no qual Lena se envolve com o possessivo Ernesto Martel (Jose Luis Gomez). O fato é que Lena faz um teste para participar de uma película de Harry, que se perturba com a presença dela e resolve contratá-la. O marido para não perder a ingerência sobre a amada resolve patrocinar o filme e manda o filho gravar o making-of. E uma das grandes ideias de Almódovar: o enciumado marido contrata uma leitora de lábios para, a partir das cenas do making-of, ler o que o o diretor conversa com sua atriz principal.

Outra personagem no mínimo interessante: o projeto de diretor de cinema Ray X (Ruben Ochandiano), enigmática figura que aparece em cenas estranhas. Ele também é retratado em duas épocas, e, quando adolescente, sua postura é caricatural, pendendo ao cômico.
Uma das cenas mais bonitas do filme é a cena de pura paixão entre Lena e Mateo/Harry à beira-mar, ao som de Werewolf da banda Cat
Power. O bom dos filmes de Almodóvar é que sempre se fica com vontade de revê-los e mesmo antes de rever fazemos novas releituras mentais das cenas e chegamos a conclusões diferentes sobre as atitudes tanto das personagens quanto do realizador. Só um cinema rico de ideias e imagens significativas permite esse tipo trabalho mental do surpreso e grato espectador.

500 dias com ela

2009-11-28T14:13:00.004-01:00

Narrativa não linear de um não romance entre um não casal. Tom é um cara que curte bandas dos 80 como Smiths e Joy Division, e Pixies dos 90. Lê Alain de Botton e Salinger. É arquiteto, mas trabalha como criador de cartões de dia dos namorados. Devido a uma leitura errada do filme A primeira noite de um homem, e ao contato com músicas dos 80, tornou-se um introvertido ultraromântico. Acredita em amor à primeira vista, em destino e coisas assim. Tom conhece Summer (Zooey Deschanel), morena de olhos azuis que vai trabalhar na mesma empresa que ele, e se apaixona. Não exatamente à primeira vista, mas à medida que vai descobrindo que ela gosta das mesmas coisas bizarras que ele. Por exemplo, uma cena em que os dois estão sozinhos no elevador, ele escutando Smiths no fone de ouvidos e ela canta um trecho da música There's a light that never goes out.
É assim, aos pouquinhos, que Tom forma a certeza de que Summer é "the one". Summer, por sua vez, apenas acha Tom um carinha interessante, talvez uma nova conquista. Mas desde o começo deixa bem claro a ele que não quer se apaixonar e sim apenas um relacionamento "casual".

Invertem-se os papéis: a posição masculina de defesa é adotada justamente por Summer, e a posição feminina de morrer de amores é encarnada por Tom. Quando eles têm a primeira noite de amor (para ele) e de sexo (para ela), na manhã seguinte Tom acorda sentindo-se o melhor dos homens, e as pessoas que passam por ele contagiam-se com sua felicidade.

Que, como sói acontecer, is a warm gun...

Este filme de boa bilheteria nos EUA é o segundo trabalho dos roteiristas Scott Neustadter e Michael H. Weber (o outro foi Pantera Cor de Rosa 2) e a estreia do diretor Marc Webb. Vale conferir pelas inúmeras referências, pela trilha sonora e pela (clichê!) química mesmo não estequiométrica da dupla de protagonistas.

Código de conduta

2009-11-19T11:08:00.006-01:00

Law Abiding Citizen (algo como "cidadão cumpridor das leis")* virou Código de conduta no título brasileiro. Desta vez, o ubíquo e onipresente Gerard Butler encarna Clyde Shelton, que assiste a família (mulher e filha pequena) ser assassinada de modo brutal em plena casa invadida por dois assaltantes. Um deles, ao esfaquear Clyde, fala "you can't fight fate" (é inútil lutar contra o destino). Mas é exatamente isso que Clyde vai fazer durante toda a sua saga de busca de vingança. Que, como costuma acontecer, é um prato que se come frio. O promotor de justiça Nick Rice (o oscarizado Jamie Foxx, em atuação burocrática) faz um acordo com o advogado do assassino mais violento: ele entrega o comparsa (que na verdade foi cúmplice do roubo mas não esfaqueou as vítimas) e ganha uma pena branda (cinco anos).

Depois dessa breve introdução, logo o filme se transporta para dez anos depois, quando um dos bandidos vai ser executado (enquanto o mais violento já está solto). Não vou contar mais nada do 'plot', basta dizer que Clyde, guardadas as proporções, lembra um pouco o D-Fens de Michael Douglas em Falling Down de Joel Schumacher (Um dia de fúria, 1993). No filme de Schumacher, um cidadão indignado com a mediocridade, a violência e a estupidez das pessoas reage com mediocridade, violência e estupidez. No filme de F. Gary Gray, um cidadão cumpridor das leis resolve desafiar o sistema judiciário, que, segundo ele, está "broken" (falido) (na legenda saiu como 'imperfeito', boa solução tradutória). O clichê de sempre: "o roteiro tem boas sacadas que valem o ingresso; o filme entretém ao mesmo tempo em que provoca certas discussões interessantes." Mas não deixa de ser verdade. Não recomendado para pessoas sensíveis (algumas cenas insinuam situações ultraviolentas).

Filmografia resumida do eficiente F. Gary Gray:

2011 = The Brazilian Job

2009 = Law Abiding Citizen (Código de conduta)

2005= Be Cool (O outro nome do jogo)
2003 = A Man Apart (O vingador)

2003 = The Italian Job (Uma saída de mestre)

1998 = The Negotiator (O negociador)

1996 = Set it Off (Até as últimas consequências)

1995 = Friday (Sexta-feira em apuros)

* (To abide é conformar-se, tolerar, suportar, cumprir; a expressão 'law abiding' está adjetivando o 'citizen', então 'law abiding citizen'=~ "cidadão cumpridor das leis")

Bastardos inglórios

2009-10-15T23:20:00.009Z

Com exceção de uma sequência (a protagonizada por Mike Myers), Bastardos inglórios é impecável. A cena de Myers não convence porque fica indecisa entre o esculacho e a verossimilhança interna. Tipo de cena que destoa e pode ser sacada com ganhos.
No mais, os capítulos do novo filme de Quentin Tarantino são repletos de suspense e humor na medida certa. O charmoso e ao mesmo tempo tenebroso cenário é a França controlada pelos nazistas, retratados no capítulo 1 como manipuladores, asquerosos, racistas e antissemitas. O coronel Hans Landa (Christoph Waltz), um dos personagens mais nojentos da história do cinema, visita a residência de um produtor de leite à procura da família Dreyfus, que estaria refugiada na propriedade. A sequência toda é um primor e já vale o filme, com uma cena homenageando o filme Rastros de ódio (The searchers), de John Ford. O capítulo 1 introduz além de Landa outra personagem essencial da história: a selvagem Shosanna Dreyfus (Mélanie Laurent, na foto).

Para contrabalançar a violência nazista, a América envia um micropelotão comandado pelo tenente Aldo Raine (Brad Pitt) com o único objetivo de instalar o terror nas hostes alemãs por conta de barbáries como tirar o escalpo dos inimigos mortos e marcar a suástica na testa dos vivos. Logo a fama dos "Inglourious basterds" se espalha e alguns de seus integrantes ganham alcunhas sugestivas como o sargento Donnie Donowitz (Eli Roth), que passa a ser conhecido como o "Urso Judeu" e o tenente Aldo como "Apache". O sargento Donnie ganha fama por destroçar prisioneiros indefesos com um taco de beisebol em espetáculos dantescos.

Os desdobramentos e episódios seguem a estrutura tarantiniana de diálogos cortantes e inusitados com suspense crescente que acabam em múltiplos ápices banhados de sangue, suor e lágrimas. A selvageria dos dois lados é enfatizada sem firulas. Não há mocinhos nem bandidos, apenas pessoas sem moral ou vingativas. Vingança fenomenal é a planejada por Shosanna, agora morando em Paris e proprietária de um cinema. Com a ajuda do amante Marcel (Jacky Ido) ela vai provar que a vingança é um prato que se come frio.

Ser impecável não significa ser ótimo ou genial, mas fato inegável é a rapidez com que os 210 minutos frenéticos se escoam. As duas horas e meia passam num piscar de olhos, e isso é sinal de que o filme é pelo menos bom. É bem verdade, Tarantino não usa o cinema para denunciar nem para provocar profundas meditações. Realiza uma espécie de entretenimento com conteúdo estético e texto apurado. Num século em que o cinema e a literatura se banalizaram, um diretor como Tarantino se destaca por sua originalidade, ironia e capacidade de desconcertar.

Deixa ela entrar

2009-10-07T01:33:00.011Z

Desde Minha vida de cachorro (1986), de Lasse Hallström, o cinema sueco não renovava tanto. Desde que o menino Ingemar entalou o pênis numa garrafa e ficou orfão não víamos outro menino sueco passar por peripécias tão angustiantes. Agora é a vez de Oskar, menino perseguido por colegas da escola que ganha uma nova vizinha no prédio onde mora. Falo do filme Deixa ela entrar, de Tomas Alfredson.

Mas como assim? Renovar é algo difícil hoje em dia. E como falar em renovação num filme com uma profusão de citações, referências e intertextos? Onde está a renovação se cada cena de Deixa ela entrar nos remete a Martin (1978, de George Romero) e a Near Dark (Quando chega a escuridão, 1987, de Kathryn Bigelow), para citar apenas dois? Tudo bem, então. Deixa ela entrar (2008) não renova nada, apenas impressiona. E como.

Para começar, é impressionante a musicalidade deste idioma, o sueco, o modo como ele reverbera em nossos tímpanos já cansados de tanto português e inglês. Passar duas horas ouvindo sueco é algo definitivamente impressionante (e renovador).

Em segundo lugar, em que filme um ser humano é pendurado de ponta cabeça numa árvore e tem a jugular cortada como um porco e o sangue coletado num frasco com a ajuda de um funil? Se isso não é renovador, então pelo menos é impressionante.

Em terceiro lugar, que filme é vendido como terror, mas no fundo tem como tema a amizade ou o amor como queiram? Sem falar nos temas básicos de filmes de vampiros: dependência, instinto, imortalidade.

Fome de viver é o que não falta para Eli (Lina Leandersson), a nova inquilina do prédio de Oskar (Kare Hedebrant). O guri é filho de pais separados e mora com a mãe. Na escola, é maltratado e humilhado por um trio de colegas. Em vez de revidar, Oskar sofre enxovalhos e se cala. Em linha reta continua sua trajetória até que conhece Eli, e seu mundo vira ao avesso. Poderoso vínculo de amizade os une, que evolui para um namoro impúbere e puro.

E em que consiste uma amizade senão em aceitar o amigo como ele é? Em que consiste um namoro senão estar sempre presente para o que der e vier?

A primordial qualidade de Deixa ela entrar é contar uma história de modo simples e eficiente. Terror? Depende do ponto de vista. Para mim, é uma bela história de amor. E de como o amor tem um ciclo de ápice e extinção. Para se renovar outra vez.

A verdade nua e crua

2009-09-28T01:45:00.007Z

Este filme do mesmo diretor de Legalmente loira (2001) e A sogra (2005) foi roteirizado por três mulheres. Esse fato poderia levar alguém a pensar que a sua linguagem seria delicada. Sem dúvida, num filme rotulado como "comédia romântica" escrito por três mulheres, a palavra mais falada seria "amor". Entretanto, The ugly truth (A verdade nua e crua) contém um festival de palavras de baixo calão, e a palavra de quatro letras mais usada certamente não começa com l de love e sim com f***. Claro que as moças autoras do roteiro tiveram o cuidado de colocar essas palavras na boca de um homem, Mike Alexander (Gerard Butler), apresentador de um polêmico programa de TV que recomenda mulheres queimarem livros de autoajuda e aprenderem a conquistar os homens pelas curvas e pela habilidade sexual. No dicionário de Mike nem existe a palavra amor. O programa tem o mesmo nome do filme e elevada audiência apesar de ser de uma emissora pequena. Eis que a emissora maior onde trabalha a produtora Abby Richter (Katherine Heigl, de Ligeiramente grávidos) contrata a nova sensação. Mas o problema é que Abby abomina o tipo de TV feito por Mike, sensacionalista e vulgar. Os dois terão que aprender a trabalhar juntos e, neste meio-tempo, Abby terá que aprender a conquistar um homem (no caso, o médico interpretado por Eric Winter) e para isso vai contar com os sábios conselhos de Mike. Butler está impagável em várias cenas e Heigl não deixa por menos, protagonizando cenas hilárias como as retratadas aqui neste post (a do jogo de beisebol, e a cena do restaurante, em que Abby está vestindo uma calcinha com dispositivo para massagear o clitóris cujo controle remoto acaba caindo na mão de um menino). A verdade nua e crua é que The ugly truth mantém a coerência e a qualidade relativa da carreira de Luketic.

Two lovers (Amantes)

2009-09-28T00:37:00.014Z

If you want an easily forgettable experience, keep away from Two lovers. But if you want to enjoy rich, fulfilling moments you should seriously consider about trying Two lovers at once.
In other words, if you are longing to see an “unpretentious romantic comedy” or a funny popcorn movie just to pass your time, you had better avoid Two lovers. But if you like movies with a couple of unpredictable characters and, after the movie session, you would enjoy going to a pub with your lover(s) and discuss such relevant questions as “Why are we humans so self-destructive?” or “Why do when we have two clear options in our lives, one of which is safe and the other is risky, and the former would lead you to stability and happiness while the latter to uneasiness and despair, why do we always tend to take the wrong decision?” then Two lovers could be a nice alternative.
Director James Gray tells us the story of Leonard Kraditor (Joaquin Phoenix), who recently broke up with his fiancée due to genetic incompatibility. They have made some tests before marrying and the tests appointed that if they were going to have children, their children would be born with Tay-Sachs disease. This is a severe genetic condition most common in Eastern European (Ashkenazi) Jews whose symptoms include feeding difficulties, loss of motor skills, blindness, deafness and loss of intellectual skills; death usually comes before children are 5 years old). This unfortunate situation has made Leonard come back to live with his parents, a natural thing to do since he works at his father business, a laundry. His job is actually very subaltern, a job that doesn’t offer him a way to develop his intellect and abilities. So what would you try do to in a cloudy day if you were a guy with a pitiful job and a broken heart passing over a bridge?
But not everything is dark in Leonard’s live. After all, he has a loving mother and a flexible father. And, in order to definitely forget his fiancée, he is going to meet two very different girls. The first one is Sandra Cohen (Vinessa Shaw), a beautiful brunette with who is daughter of the future commercial partners of the family. There is going to be a merger between the two laundries companies, and is always good and advisable to join the useful to the pleasant. Sandra is almost too perfect to be true, and the most incredible thing: she is very interest in Leonard.

The other girl lives at his building. Her name is Michelle. As Sandra, she is a very acttractive girl, but the similarities end here. Michelle is one of those mysterious blondie girls who seem to have a painful secret. Emotionally disturbed and with a puzzling attitude, she immediately sparks Leonard's interest and they become friends. But how on earth could a man want just friendship with a woman like Michelle?

The way in which James Gray conducts the plot is smart and slow, without any hurries. And he doesn’t seem to be ashamed of inserting a lot of references to other movies, such as Le Notti Bianchi, de Luchino Visconti (which, as Two lovers, is also based on Dostoyesvsky's novel White nights), The Rear Window, by Alfred Hitchcock and Body Double by Brian De Palma, and even TV series such as Twin Peaks, by David Lynch.

From Visconti's movie, Gray steals some scenes and the idea of updating the spirit of Dostoyevsky characters. The link with The Rear Window happens because Leonard can see Michelle’s apartment through his rear, indiscreet window. And the voyeur theme explored by De Palma in Body Double is revisited when Leonard takes photographs of Michelle through the open window. Connection with Twin Peaks comes because of Michelle’s distressed character, who remembers us of the helpless Laura Palmer. Other link with David Lynch’s movies could be the presence of Lynch's ex-wife and muse, Isabella Rossellini, as Leonard’s mother.
The cast is pretty well-chosen and includes Elias Koteas as someone important in Michelle's live. Leading actor Joaquin Phoenix is fairly convincing as Leonard and finally proves that he can be so gifted as his late brother River. The soundtrack probably is good because it doesn’t call our attention at all. On the whole, Two lovers is worth seeing, because not only is a well written, acted and directed movie, but also it allows some thought and discussion about key issues to our lives.

Vestido de noiva

2009-08-24T23:21:00.006Z

Conforme Décio de Almeida Prado, Vestido de Noiva é uma peça impregnada não de amor, mas de sexo, e Nelson Rodrigues aborda sem vulgaridade um assunto que alguém poderia considerar "vulgar".
O texto do controvertido dramaturgo, tido como ponto referencial no teatro moderno brasileiro, ganha em 2009 montagem dirigida por Gabriel Villela. A trupe tem viajado Brasil afora, levando a plagas distantes como a nossa província um espetáculo desafiador e, para usar um adjetivo proibido pelo Manual de Estilo do Estadão, "instigante". A explicação do manual é que instigante é um adjetivo clichê. Mas venhamos e convenhamos, sempre que um livro ou filme ou peça não empolga muito mas provoca os sentidos e o intelecto, lá vem o adjetivo à mente. Instigante.
O fato é que ao cabo da peça houve gritos de "Bravo!" e o público aplaudiu de pé. Se bem que eu nunca sei se o público porto-alegrense aplaude de pé por gratidão ou por merecimento.
Analisar o elenco seria pretensão, mas é preciso destacar a presença hipnótica de Luciana Carnieli, que encarna a sensual Madame Clessi, e a interpretação divertida de Marcello Antony, que lembra com seu Pedro um Hamlet pândego. Completam o elenco Vera Zimmermann e Leandra Leal, as irmãs Lúcia e Alaíde, respectivamente. No elenco de apoio, provoca risos na plateia o desconhecido ator que vive a sogra de Alaíde. A peça inicia com o atropelamento de Alaíde e conta de modo nada linear a história da tragicômica competição entre as irmãs pelo amor (sexo?) de Pedro.

Drag me to hell

2009-08-17T01:42:00.004Z

Hardcore. Tem que ser hard, tem que ser core.

Tem que ser hardcore. Dificilmente Sam Raimi conhece Replicantes, mas seguiu o conselho à risca ao realizar a pedrada nos nervos Drag me to hell. Se nos primeiros quinze minutos o espectador que se considera experiente no gênero "terror-fantástico-escatológico" ainda consegue dar algumas risadinhas para disfarçar o medo, como se Sam Raimi ainda estivesse se decidindo se faria um filme mais à la Evil Dead II do que à Evil Dead I, eis que a impressão logo passa e fica difícil não se encolher na poltrona num crescente de inquietude, opressão, pesadelo e pavor. Não resta dúvidas: desta vez Raimi não está para brincadeiras.

A ambiciosa heroína da película, a bancária Christine Brown (Alison Lohman, a bela da foto abaixo), compete para conquistar uma promoção no trabalho. Para isso, tenta provar ao chefe Mr. Jacks (David Paymer) que é uma aposta melhor do que o concorrente Stu Rubin (Reggie Lee). Namorada do insosso, porém apaixonadinho professor de Filosofia Clay Dalton (Justin Long), Christine é responsável por administrar os empréstimos e as hipotecas. Um belo e fatídico dia senta-se à sua mesa a sra. Sylvia Ganush (Lorna Raver, a fera da foto acima). Mas até que a netinha dela Ilenka Ganush (Bojana Novakovic!) não é de se jogar fora. E não convém contar mais do que isso para não ser estraga-prazeres, se é que pode se chamar de prazer sentir o sangue enregelar nas veias. Bom saber que Raimi não vendeu a alma ao demônio Hollywood.

Tempos de paz

2009-08-16T17:31:00.005Z

Adaptação da multipremiada peça Novas diretrizes em tempos de paz, do dramaturgo Bosco Brasil, sucesso no eixo Rio-São Paulo nos anos de 2002-2003 que depois excursionou pelo país de Blumenau a Belém. A tradutora e crítica de teatro Barbara Heliodora classificou a peça como "imperdível" e o texto como "(...) uma trama fascinante, que ao mesmo tempo descobre para os brasileiros um Brasil de crueldade até aqui ignorada e cria uma linda e comovente metáfora sobre as razões de ser do teatro". Heliodora destaca o engenhoso uso feito por Bosco Brasil de um excerto da peça "A vida é sonho" de Calderón de la Barca. A crítica publicada no Jornal O Globo em setembro de 2002 pode ser lida na íntegra

em: http://www.novasdiretrizes.com.br/critica%20barbara%20heliodora.jpg.

18 de abril de 1945. A Segunda Guerra Mundial em vias de terminar. Os presos políticos do governo Vargas são libertados, entre eles o Doutor Penna (o diretor Daniel Filho), decidido a reencontrar alguém.

Nesse meio-tempo, o polônes Clausewitz (Dan Stulbach) está chegando ao Brasil num transatlântico. Tem visto mas precisa de salvo-conduto para permanecer em terras brasileiras. Declara-se na alfândega como agricultor, mas sabe português e declama Drummond, o que desperta as suspeitas de Honório (Ailton Graça), que leva ao caso ao superior, o temido Segismundo (Tony Ramos). Cabe a Segismundo a decisão sobre o destino do migrante. Fica ou não fica em terras tupiniquins? Eis a questão.

Os dois personagens travam um embate psicológico enquanto contam um ao outro suas lembranças. Segismundo, que se diz vindo do Rio Grande do Sul, conta sem emoção os "serviços" que fazia a mando de seu padrinho e outras memórias que envolvem sua irmã (interpretada por Louise Cardoso); Clausewitz, o polonês que se declara agricultor, conta as agruras da guerra e tenta provar ao inquiridor que merece a honra de ficar no Brasil, afinal, o país "precisa de braços para a lavoura".

O filme funciona porque as adaptações feitas para a tela não chegam a comprometer a qualidade do texto original. O diretor Daniel Filho, que se compara a Woody Allen, nesta película está mais para um David Mamet, dramaturgo e cineasta que escreveu no livro Os três usos da faca: "A peça de mensagem é um melodrama isento de inventividade".

Justamente porque escapa da armadilha de querer "passar uma mensagem", Tempos de paz é um filme que merece ser visto.

Dúvida

2009-03-31T20:52:00.004Z

Quem não se lembra dos diálogos cirúrgicos e cenas inusitadas de Feitiço da Lua (1987)? O filme valeu Oscar de Melhor Atriz para Cher e Atriz Coadjuvante para Olympia Dukakis. De quebra, um de Melhor Roteiro original para John Patrick Shanley, então com 37 anos de idade.
A estreia de John Patrick Shanley no cinema não poderia ter sido mais auspiciosa. Vamos dizer que depois as expectativas meio que se frustraram. Dirigiu o filme Joe contra o vulcão (1990) e passou a roteirizar adaptações de cotação duvidosa, como Alive (1993) e Congo (1995). Volveu o foco ao teatro: Psychophatia Sexualis (1996) e Where is my Money (2001)? Em 2004, lançou Doubt, parábola sobre a dúvida. A peça estreou fora da Broadway mas depois transferiu-se para a meca do teatro norte-americano, e dali para a telona, sob a batuta do próprio autor e diretor da peça. No cinema, é o segundo trabalho como realizador.
Dúvida baseia-se na desconfiança da Madre Superior Beauvier (Meryl Streep) com o comportamento do padre Brendan Flynn (Philip Seymour Hoffman). A dúvida surge a partir do relato da professora de História, a irmã James (Amy Adams), sobre a forma enfática com que o padre protege o único aluno negro da escola. Com o tempo, a Madre Beauvier passa a ter a certeza de que há uma relação "imprópria" entre padre e aluno. Para investigar o caso, convoca a mãe do menino de doze anos, a sra. Miller (Viola Davis).
Todo o filme se desenvolve a partir dessa situação. Pelas cenas mostradas, o espectador não tem elementos para avaliar se a desconfiança da Irmã Beauvier tem ou não fundamento. Há motivo real para suspeita ou será apenas implicância com um padre carismático e bondoso? A dúvida permeia cada fotograma, e cada pessoa enxerga a história com seus olhos, princípios e preconceitos.

Mamma Mia!

2008-12-26T18:25:00.016-01:00

O Cine Brasília é um herói da resistência. Encravado no meio do planalto gaúcho, sua bilheteria (muitas vezes capitaneada pelo próprio dono) se abre na calçada da gloriosa Av. Flores da Cunha, da gloriosa cidade de Carazinho.
É, portanto, um dos últimos e remanescentes "cinemas de rua" dessas plagas distantes demais das capitais. Depois de décadas recebendo multidões que assistiam abismadas filmes como Guerra nas Estrelas, Super-Homem (em que a fila dava a volta na quadra) e Alien, o Oitavo Passageiro, o Brasília encerra 2008 e entra em 2009 firme e forte. Claro, a capacidade diminuiu. Hoje a platéia fica no que antes era o mezanino. Já os funcionários (o porteiro e o projetista-lanterninha) são os mesmos há trinta ou quarenta anos. Só o vendedor de balas mudou. E o pipoqueiro se aposentou. Agora as pipocas são estouradas na hora... no microondas da bomboniere. Dá orgulho de ser carazinhense e poder assistir de vez em quando bons filmes no Brasília.

É o caso de Mamma Mia! da diretora Phyllida Lloyd, que pude conferir na resiliente e histórica tela do Brasília. O filme conta a história de Sophie (Amanda Seyfried), que mora com a mãe numa ilha grega. Sophie está empolgada, pois vai se casar. A alegria só não é completa pois ela não tem quem a conduza ao altar: a mãe é solteira e nunca revelou quem é o pai. Antes do casamento, a moça acha o diário da mãe. O diário conta que Donna (Meryl Streep, fonte de juventude) conheceu (inclusive no sentido bíblico) três homens cerca de nove meses antes de Sophie nascer. Então Sophie convida à festa os três prováveis pais: Sam (Pierce Brosnan), Harry (Colin Firth) e Bill (Stellan Skarsgard). O roteiro é mero veículo para as atmosféricas canções do Abba, cantadas pelo próprio elenco. O modo com que as letras se encaixam no roteiro é no mínimo engenhoso. Divertida alternativa de verão.

Queime depois de ler

2008-11-30T18:20:00.007-01:00

Filme sobre a ridicularidade do ser humano. Filme sobre a banalidade das relações. Filme sobre a inutilidade de órgãos oficiais. Filme sobre a vaidade feminina. Filme sobre a veleidade masculina. Filme sobre a infidelidade feminina e masculina.

Filme sobre a previsibilidade do ser humano. Filme sobre a complexidade das relações. Filme sobre a necessidade de exercícios físicos. Filme sobre a frieza feminina. Filme sobre a superficialidade masculina. Filme sobre a fraqueza feminina e masculina.

Filme sobre Harry Pfarrer (George Clooney), Linda Litzke (Frances McDormand), Chad Feldheimer (Brad Pitt), Osborne Cox (John Malkovich) e Katie Cox (Tilda Swinton). Filme sobre a eficiência de reunir um elenco. Filme sobre a versatilidade dos atores. Filme sobre a criatividade do roteiro. Filme sobre a genialidade dos realizadores. Filme dos irmãos Coen.

007 - Quantum of Solace (Quanto solaço)

2008-11-16T23:02:00.009-01:00

Pelo que pesquisei no google pouca gente sabe o que significa Quantum of Solace. Nem mesmo um dos roteiristas, o oscarizado e ubíquo Paul Haggis. O onipresente Haggis declarou a jornalistas: esse não era o título de sua escolha. Ao que consta, a expressão aparece num dos livros de Ian Fleming para definir o tênue grau de conforto existente numa relação amorosa. "(...) um número exato que define o conforto, a humanidade e o sentimento de amizade necessários entre duas pessoas para o amor perdurar. Sem quantum of solace, o amor está morto". Talvez os produtores tenham achado o título dos roteiristas muito comercial e tenham resolvido complicar ou sofisticar um pouquinho. Ou talvez eles queiram disfarçar no título pomposo a série de erros cometidos na realização de Quanto Solaço.

Main Entry: quan·tum
Pronunciation: \ˈkwän-təm\
Function: noun
Inflected Form(s): plural quan·ta \ˈkwän-tə\
Etymology: Latin, neuter of quantus how much
Date: 1567
1 a: quantity , amount b: portion , part c: gross quantity : bulk2 a: any of the very small increments or parcels into which many forms of energy are subdivided b: any of the small subdivisions of a quantized physical magnitude (as magnetic moment)

Fora o engano de escolher um título tão enigmático que nem os próprios roteiristas têm idéia do que se trata, o erro que mais salta aos olhos no novo filme de 007 é de 'miscasting'. Fique tranqüilo/a, não é de Daniel Craig que estou falando. Nem tampouco de Gemma Arterton, que interpreta a ruiva agente Fields, muito menos de Olga Kurylenko, que encarna Camille. Nem de Jeffrey Wright (o agente da CIA Felix Leiter, um dos poucos acertos do roteiro). Refiro-me a Mathieu Amalric, ator gentil e clássico, capaz de comover mexendo apenas um olho (ver abaixo comentário sobre O escafandro e a borboleta), escalado aqui como o vilão Dominic Greene. Carismático nas cenas de diálogo, mas não o tipo de ator para confrontos físicos. E contra Daniel Craig, então, torna-se até ridículo e sem graça uma luta. Mas é esse o 'clímax' do filme: um 'violento e emocionante' combate entre o brucutu, o brutamontes, o neandertal Craig contra o nanico, o mirrado, o esmilingüido Amalric. Não, não me venham dizer que isso é detalhe. Mesmo se fosse, Deus está nos detalhes, já disse um arquiteto famoso. E não me venham dizer também que estou cometendo spoiler, pois todo filme de 007 tem um confronto final entre ele e o vilão, ou o capanga do vilão. Pois até nisso houve miscasting: o capanga também é magricela e pateta.

Main Entry: solace
Function: noun
Etymology: Middle English solas, from Anglo-French, from Latin solacium, from solari to console
Date: 14th century
1 : alleviation of grief or anxiety 2 : a source of relief or consolation

Esses produtores estão ficando previsíveis demais. Pegam um dos melhores diretores atuais, Marc Forster para ser mais exato (2004, Finding Neverland; 2005, Stay; 2006, Mais estranho que a ficção; e 2007, O caçador de pipas), para dar credibilidade e algum estilo (a propósito, seria curioso saber que cenas ele dirigiu, já que a maioria das cenas tem o perfil de terem sido filmadas pelo 'diretor de segunda unidade', por serem cenas específicas de ação). Contratam roteiristas promissores e pelo menos um renomado (Paul Haggis), também para dar um ar de 'puxa, a história deve ser interessante, afinal o roteirista escreveu e dirigiu Crash' (mas em compensação cometeu No vale das sombras). Temperam isso tudo com duas mulheres longilíneas e o resultado da equação deve ser um novo sucesso de bilheteria.

Sucesso de bilheteria à parte, desta vez o pudim perdeu a forma, pois a trama de Haggis e companhia é por demais forçada e descabida. Esses roteiristas partem do princípio que o cérebro do espectador é um depósito de lixo bem grande, capaz de receber montanhosas doses de besteirol, com pretensas críticas políticas embutidas e pretensas piadas. Haggis é o roteirista mais pretensioso da atualidade. E não se recicla, todo filme que ele assina é invólucro das mesmíssimas idéias. Se ainda não viu Quantum of solace: cuidado com a insolação.

Em busca da vida

2008-11-08T23:13:00.004-01:00

Consta que o diretor Jia Zhang-ke era pintor antes de dedicar-se ao cinema. Em busca da vida pinta com tintas soturnas uma China em literal demolição. Prédios demolidos em locais em breve inundados por uma barragem. Vidas demolidas pela incompreensão e pelo desamor. Uma sociedade desarticulada em processo de desconstrução, face às exigências do "mundo globalizado". Uma China na corda bamba - como os demais países do BRIC, grupo de países emergentes que inclui também o Brasil, a Rússia e a Índia - oscilando entre a revolução tecnológica e o uso de métodos que privilegiam a mão-de-obra barata.

Pois é como trabalhador no ramo das demolições que Han (Han Sanming) consegue emprego enquanto procura localizar a esposa e a filha que não vê há dezesseis anos. História inserida dentro da história principal é a de Shen (Zhao Tao), outra pessoa em busca de alguém, no caso o marido que a deixou numa província para trabalhar num centro maior e parou de mandar notícias. Sempre bebericando água de uma garrafa plástica, não sossega até encontrar o marido. Mas o filme centra-se mesmo na saga de Han. Na jornada em busca da filha, conhece pessoas como o dono da pensão desalojado devido às demolições e o simpático colega de trabalho que acaba soterrado no meio dos entulhos.

Com fotografia opressiva, toques non-sense e falta de pressa em contar a (?) história, Jia Zhang-ke ostenta o posto de um dos 'mais importantes cineastas mundiais'. Talvez o mais correto fosse rotulá-lo como um dos 'mais engajados cineastas mundiais'. Que os recursos artísticos utilizados pelo diretor (lentidão, poucas cores, escuridão, ausência de fatos relevantes no enredo) atingem seus objetivos não há dúvida.

A China pintada por ele é uma China de prédios em demolição, vales inundados, pessoas enganadas, trabalhadores explorados com baixos salários e sem o mínimo de segurança, esposas compradas. Uma China em que prevalecem sentimentos como o desamor e a intolerância. Uma China sem esperança. Uma China cuja globalização parece faltar a "face humana", apregoada pelo indiano Jagdish Bhagwati na obra Em defesa da globalização.