Outback - uma galera animal

 

As qualidades de Outback, uma galera animal não são poucas. Primeira: nos transporta a um país maravilhoso, com fauna e flora exóticas e endêmicas, de paisagens inigualáveis e típicas, de utensílios famosos como o bumerangue e poços de água profunda conhecidos como billabong. Um dos locais mais atraentes da Terra, que nos deu bandas como Men at Work e Midnight Oil e cineastas como Peter Weir: down under, em outra palavra, Austrália. Segunda: cria um universo ficcional tendo como personagens justamente representantes de várias espécies australianas, como o diabo-da-tasmânia, o dingo, o wombat, o canguru e, é claro, o coala. Terceira: homenageia o mundo dos parques e circos, tão adorado por crianças de todas as idades, e ao mesmo tempo nos conduz por uma história cujo leitmotiv é a busca pela aceitação e o enfrentamento das discriminações. Johnny, o coala albino transformado em atração no "show de aberrações" de um circo itinerante no sertão australiano, tem a oportunidade de ajudar um grupo de animais que tem seu habitát ameaçado por um crocodilo gigante. A quarta qualidade é não ser uma produção de mainstream e revelar o potencial da animação sul-coreana. O diretor Kyung Ho Lee faz um bom trabalho que só não fez mais sucesso porque as vozes dos protagonistas não foram dubladas por astros de Hollywood, mas sim por ilustres desconhecidos. Já a dublagem nacional é um caso à parte. Acho que poucas pessoas reconhecem a extrema qualidade das nossas dublagens. Filme após filme, cada vez mais me dou conta do talento das muitas pessoas envolvidas na indústria da dublagem nacional, de tradutores a dubladores, de músicos a produtores, que, com pouco tempo e muito profissionalismo, adaptam trabalhos de diversas origens e transformam nosso planeta numa verdadeira aldeia. Outback é apenas mais um exemplo disso.

A viagem 2: a ilha misteriosa (3-D)

 Filme dirigido por Brad Peyton e estrelado por Dwayne Johnson, que encarna Hank, fortão de alma delicada que deseja conquistar o respeito e a amizade do enteado Sean. Para isso, embarca numa aventura rumo à Palau, na Polinésia, em busca da "ilha misteriosa" citada no livro homônimo de Júlio Verne. O roteiro tenta amarrar uma possível ligação entre três ilhas de três obras clássicas da literatura universal: A ilha do tesouro (Robert Louis Stevenson), A ilha misteriosa (Júlio Verne) e a ilha de As viagens de Gulliver (Jonathan Swift). A boa notícia é que Michael Caine está na ativa (e cavalgando mamangavas gigantes, diga-se de passagem!). O clássico ator é Alexander Anderson, avô de Sean (Josh Hutcherson, o menino de A viagem ao centro da terra, de 2008, agora adolescente), que supostamente estaria na suposta ilha e teria enviado uma suposta mensagem cifrada ao neto. Completam o elenco o conhecido rosto de Luis Guzman (como Gabato, um piloto de helicóptero um tanto não confiável) e a garota Vanessa Hudgens, que interpreta Kailani, a filha de Gabato e alvo das atenções amorosas do incauto Sean. A viagem 2: a ilha misteriosa, sucesso de bilheteria no mundo todo, é uma colagem que mescla soluções fáceis com momentos inteligentes.

O corvo

John Cusack encarna Edgar Allan Poe em O corvo (2012), escrito por Hannah Shakespeare e dirigido por James McTeigue. A ideia é boa: sobre os últimos dias da vida de Poe (Boston, 1809-1849, Baltimore) ainda pairam muitos enigmas que os mais dedicados biógrafos ainda não deslindaram. "Alagado de suor, com os membros trementes, pálido e falando sem cessar, num 'delírio continuado mas não violento ou ativo, todo o quarto para ele estava agitado e, numa conversação lacunosa, falava aos espectros, que se sumiam e apareciam nas paredes". Assim foi encontrado Edgar Poe poucos dias antes de morrer, nas palavras de Oscar Mendes, tradutor de Israfel, Vida e Época de Edgar Allan Poe, de Hervey Allen. Eis que alguém (com imaginação fértil que faz jus ao sobrenome Shakespeare, diga-se de passagem) resolveu explorar essa brecha e criar um universo ficcional que reconstrói os últimos dias da vida do autor, lançando mão de recursos como mortes escabrosas e engenhocas horripilantes extraídas, nada mais, nada menos, dos próprios contos de Poe. Com a ajuda do detetive vivido por Luke Evans, Poe/Cusack tenta antecipar os passos de um serial killer que conhece sua macabra obra de cabo a rabo. Fãs de Poe vão identificar e se deleitar com o verdadeiro liquidificador de referências, desde o poema mais conhecido de Poe, que dá título ao filme, até algumas das histórias mais tensas e densas da literatura fantástica. Contos do grotesco e do arabesco, como O poço e o pêndulo, O enterramento prematuro, O barril de Amontillado, A máscara da morte escarlate, O coração revelador, O mistério de Marie Rogêt e O estranho caso do Sr. Valdemar, entre outros. Cusack consegue dar à Poe certa credibilidade e um pouco da angústia inerente a esse autor imprescindível em qualquer biblioteca de literatura universal.

 O que aconteceu nas últimas semanas de vida de Poe, ninguém sabe, mas sobre sua morte, uma coisa é certa: "Um demônio pior do que todos os que ele tinha imaginado atormentava-o num longo e violento delírio. (....) Nada mais comovente pode verdadeiramente dizer-se que afirmar tenha sido a morte de Edgar Allan Poe mais penosa que sua vida".

Cowboys e aliens

Cowboys e aliens, com Harrison Ford e Daniel Craig liderando o elenco, sob a direção de Jon Favreau (Um duende em Nova York, Homem de Ferro, Homem de Ferro 2), é o tipo do filme cujo roteiro não tem qualquer outro compromisso além de fazer a coisa andar e inserir clichês e citações a granel. Até a clássica cena em que, na hora de acender o pavio, sem fósforos, o mocinho recorre ao cigarro aceso. Esse tipo de coisa se repete de minuto a minuto em Cowboys e aliens. Por isso mesmo, é um prato cheio para aficionados tanto de ficção científica quanto de faroestes.

Skyfall

O apuro estético e o estilo clássico do diretor Sam Mendes fizeram bem à franquia. Roteiro bem configurado que dá estofo ao protagonista e direção que mescla ação trepidante e suprema plasticidade transformam Skyfall em primoroso entretenimento.
Exemplo desse estofo é a cena chave em que 007 visita um museu e admira um quadro de William Turner (1775-1851): O navio de guerra “Temerário” é rebocado ao seu derradeiro atracadouro para ser desmontado (1838). É uma cena importante, não só porque o espião encontra o seu novo contato, mas também por questões simbólicas: o jovem agente compara Bond ao Temerário.
Skyfall é justamente a história de um velho guerreiro lutando contra uma precoce aposentadoria. O roteiro estrutura-se em três atos bem definidos:
Ato I: morte e ressurreição de Bond.
Ato II: entra em cena o vilão Silva (Javier Bardem) / escaramuças e romances.
Ato III: combate final, tendo como cenário a velha propriedade da família Bond.
O imponente e inexpugnável casarão dos Bond tem, como a casa de campo alugada pelo casal Clarissa e Henry em A teia da aranha (peça teatral de Agatha Christie adaptada à prosa por Charles Osborne, sucesso de vendas na coleção L&PM pocket), um priest hole, ou seja, uma passagem secreta para esconder ou facilitar a fuga de padres católicos perseguidos na Inglaterra na época da Rainha Elizabeth.
É inegável que boa parte do charme deste filme reside no Ato III, que remete ao suspense de faroestes clássicos como Matar ou morrer e Sem lei e sem alma.

Carros 2

Em Carros 2 (2011), John Lasseter realizou uma ousada guinada em relação à simplicidade de Carros (2006). Além do acréscimo da tecnologia 3-D, novos personagens são introduzidos a granel: Finn McMíssil, Holly Caixadebrita, Francesco Bernoulli, Miles Eixoderroda, Professor Z, etc. Espião, agente secreta, carro de F-1, empresário do ramo dos combustíveis, cientista louco, etc. O enredo nada simplório mescla aventura de espionagem e competição automobilística. Mate e Relâmpago Mcqueen são tragados num turbilhão de intrigas, suspeitas e sabotagens entremeadas com uma subtrama envolvendo laços de amizade abalados pela vergonha que Mcqueen sente do amigo caipira. Por sinal, se em Carros o protagonista era McQueen, em Carros 2, Mate é alçado à condição de personagem principal, na esteira do sucesso da coletânea Car Toons: As grandes histórias de Mate. Em tempo: um dos bônus de Carros 2 é Mate aéreo, curta em 3-D que vem complementar a coletânea lançada com as aventuras do simpático guincho. Em tempo 2: já havia escrito en passant sobre Carros 2, no post Amizades e... rodas!

Cars Toon: As grandes histórias do Mate

Primores de concisão, repletas de citações cinéfilas, Car Toons: As grandes histórias do Mate (2010) seguem sempre a mesma premissa: a turma reunida ao redor de Mate que narra um incrível "causo" ocorrido com ele. Lá pelas tantas, McQueen protesta que a história é implausível, quando Mate revela: o carro de corrida não só estava lá, como também teve atuação relevante para o desfecho da história. Todos os nove curtas são excelentes exemplos de valorizar o essencial e, ao mesmo tempo, rechear cada valioso segundo com detalhes somente percebidos após várias reprises. Difícil destacar algum, mas sem dúvida o que conta a "origem" do heavy metal beira a genialidade. Lasqueira!

A origem dos guardiões

Quando Breu desencadeia um plano maligno e globalizado para que as crianças deixem de acreditar nos guardiões (Papai Noel, Fada do Dente, Sandman e Coelho da Páscoa), os quatro são obrigados a solicitar a ajuda de Jack Frost, o adolescente que domina a água em estado sólido – geada, neve, granizo. Relutante, Jack concorda em ajudar, com a esperança de descobrir suas origens – o moço de cabelos gélidos não se lembra de sua infância. Com ações maquiavélicas (o rapto de um batalhão de fadinhas do dente e a destruição de uma remessa de ovos de páscoa), a perversa entidade vai paulatinamente minando a credibilidade dos guardiões, até restar apenas uma só criança com verdadeira fé nas criaturas boas e protetoras. A animação da Dreamworks,  estreia na direção do desenhista Peter Ramsey, não ironiza quem deve ser levado a sério: as crianças e seus guardiões.

O mistério da libélula

Este blog completou 10 anos de existência no dia 6 de abril.
Esta semana não assisti a nenhum filme, pois perdi um ente querido, de quem herdei a paixão pelo cinema: a minha mãe, D. Nidia Müzell de Oliveira Guerra, que aos 74 anos nos deixou. Em memória dela e para não deixar passar em branco o aniversário de uma década do blog, resgato um texto escrito em agosto de 2002, de uma espécie de "arquivo perdido" com as resenhas escritas "pré-blog". Tempos que não voltam mais, tempos em que Carazinho, minha cidade natal, ainda tinha cinema.

 O mistério da libélula

       O carro percorre lentamente as ruas de Carazinho, anunciando pelo alto-falante. "Não percam! O mistério da libélula, em cartaz, no Cine Brasília. Um filme especial para os admiradores de bons programas cinematográficos!" Tucanaram os cinéfilos!

      Quanto ao filme de Tom Shadyac, tenho a dizer que fui seduzido pelo título, e pela curiosidade de conferir o atual estádio de interpretação do Kevin Costner. Encarei.

      Sabia, de antemão, que não podia esperar muito.
      Quando o filme é só uma desculpa para poder consumir uma boa pipoca e sair de casa, saca?
      Muito bem, lá estava eu, triturando as saborosas polpas de milho ao avesso, e o Kevin Costner enfrentando sérios problemas na tela.
      A história é bem triste. Um médico despede-se da esposa, ela está grávida, mesmo assim não recusa o chamado da Cruz Vermelha Internacional, da qual é voluntária.
      Um acidente acontece, e ele recebe a pior das notícias. Não há sobreviventes. E o corpo da esposa não é resgatado. Dias depois, o viúvo recebe uma encomenda que sua esposa havia feito para o quarto da criança. Um enfeite de libélulas. A partir daí, coisas estranhas e sobrenaturais começam a ocorrer.
      Ele vai se tornando obcecado, e resolve conhecer o setor que a esposa trabalhava no hospital - a oncologia infantil. Com as crianças que a esposa cuidava, recebe mais indícios de que ela está tentando se comunicar com ele. Um dos guris doentes, depois de ser reanimado e salvo da morte, desenha sempre um símbolo, uma espécie de cruz ondulada.
      O que significa aquele símbolo? O que sua esposa, esteja onde estiver, está tentando lhe dizer? Para obter essas respostas, Kevin Costner procura Linda Hunt, a anãzinha que fez o fotógrafo de O ano em que vivemos em perigo, lembra? Fazia tempo que essa excelente atriz não dava as caras. Ela é uma freira que vai ajudar o desesperado personagem de Kevin Costner.
     O mistério da libélula tem tudo para receber críticas, ser taxado de melodrama, de apelar para o clichê, de ser previsível, piegas, exagerado e forçado. Porém (sempre há um porém) (e vão dizer que porém também é clichê) (e chega de parênteses), o filme pode emocionar quem não foi ao cinema para criticar e pegar furos do roteiro.

Monstros vs Alienígenas

O 3-D aguça os sentidos e não os embota. O 3-D colabora para o efeito de um bom filme, mas não conserta um mau filme. O fato de ser 3-D não torna o filme intrinsecamente melhor. Assisti a Monstros vs Alienígenas em 2-D, mas quero muito assisti-lo em 3D.

Há um bom tempo não ria tanto. General coleciona monstros em programa secreto e, quando o presidente dos EUA precisa de ajuda para contra-atacar alienígenas, sugere ao comandante-em-chefe que solte as “feras” contra os invasores. O roteiro bem trabalhado faz as coisas andarem e, ao mesmo tempo, ironiza homens, mulheres, militares e políticos.

 Atores talentosos emprestaram suas vozes às curiosas e interessantes personagens, desde os monstros Ginórmica (Reese Witherspoon ), Dr. Barata (Hugh Laurie) e B.O.B. (Seth Rogen) até o general Monger (Kiefer Sutherland).

É isto que se espera de filmes 3-D: entretenimento de alta qualidade. Em outras palavras, a tecnologia a serviço de bons roteiros e boas histórias.

Os smurfs 3D

Raja Gosnell, diretor de Scooby-Doo, assina Os smurfs 3D. As criaturas azuis de 3 maçãs de altura, chamadas de acordo com suas características/funções (Desastrado, Padeiro, Narrador, etc.),  vivem na floresta numa aldeia de cogumelos gigantes escondida por um mágico campo de força que os protege de seu principal inimigo: o bruxo Gargamel. Porém, Desastrado atrai o pérfido felino do bruxo, que invade o vilarejo, causando um pandemônio. Em meio à balbúrdia, um grupo de smurfs acaba entrando num túnel de água que só se abre na Lua Azul e os conduz a Nova York, onde serão perseguidos pelo arqui-inimigo e, de quebra, participarão de momentos importantes na vida de um jovem casal nova-iorquino. Em Donnie Darko, filme cult do século XXI,  há um diálogo sobre os Smurfs. Isso mostra a popularidade das criaturinhas e sua, digamos, “influência” na cultura, contracultura e anticultura estadunidenses. A legião de smurfãs talvez consiga relevar o fraco roteiro e aproveitar a participação de Tim Gunn, o som do Aerosmith e o smurfuniverso de Os smurfs 3-D.

Space dogs 3D

Animação russa 3-D de 2009. É a face humana, digo, canina da globalização. O roteiro nos remete à ocorrida espacial entre EUA e URSS, mais especificamente ao período do lançamento, em 1960, da Korabl-Sputnik 2 - a primeira a colocar animais em órbita e trazê-los a salvo. São muitas as peripécias das duas cadelinhas, a vira-lata Belka e a artista de circo Strelka, e do rato Leni até o trio ser recrutado para a missão. A propósito, nota-se na primeira parte do filme que se trata de uma “escola” diferente da "ocidental", já que há certa lentidão para engajar os personagens na trama principal, ou seja, o recrutamento, o treinamento e a escolha de cães, ratos e camundongos para participar do histórico momento. E a própria missão encerrará muitos perigos e surpresas. Detalhe: a história é contada pela filha de Strelka, que foi dada de presente à primeira-dama dos EUA, Jackie Kennedy. Da metade em diante o filme engrena, com direito a cenas com as cadelinhas verdadeiras nos créditos.

Alvin e os esquilos 2

Em um show de Alvin e os esquilos, Dave se machuca, precisa ser internado em Paris e deixa as "crianças" sob a tutela de uma tia cadeirante, que também sofre um acidente, restando por fim a Alvin, Simon e Theodore os cuidados de Toby, jovem tímido, atrapalhado e irresponsável, que estudou na mesma escola em que Alvin e os dois irmãos se matriculam e começam a cursar, escola cuja diretora é fã deles e faz questão de inscrevê-los no concurso musical interescolar, a fim de abiscoitar os 25 mil dólares de prêmio e investir na academia de música da escola, mas também entram na escola três esquilinhas, que, manipuladas por um ganancioso agente, querem alcançar a fama, e como ainda não coloquei ponto final nessa resenha, resta dizer que Alvin e os esquilos 2 foi, como seria de se prever, mal recebido pelos críticos e críticas sem filhos e que o filme, apesar disso, ou justamente por isso, arrecadou 443 milhões de dólares.

Bel-ami, o sedutor

Adaptado do romance homônimo de Guy de Maupassant (conhecido por ser autor de alguns dos melhores contos fantásticos da literatura universal), Bel-ami foi filmado em Paris e Budapeste. O elenco conta com três excelentes atrizes: Uma Thurman (a inacessível Madeleine), Christina Ricci (a insaciável Clotilde) e Kristin Scott Thomas (a aparentemente impassível Madame Rousset). O roteiro aproveita bem as peripécias de Georges Duroy, filho de camponeses que tenta entrar na alta sociedade parisiense a qualquer custo, numa espécie de romance de costumes do fim do século XIX. A história transcorre em 1890 e aborda até que ponto alguém se permite ser manipulado para alcançar seus objetivos, até que ponto alguém se deixa contaminar pela hipocrisia reinante no meio, até que ponto uma pessoa vazia consegue virar a cabeça de pessoas de cabeça vazia. Recrutado por Forestier, editor de um jornal com quem servira na Argélia, Georges passa e escrever artigos com a ajuda de Madeleine, a esposa do ex-companheiro de caserna. Madeleine, por sua vez, não demonstra interesse sexual

pelo belo mancebo, mas tem uma estranha amizade com um conde que a visita todas as terças. Madeleine indica a Georges a casada Clotilde, de quem Georges logo se torna amante. O loverboy ainda vai levar outras mulheres para cama no festival de sordidez que grassava na França in those days. Filme com tudo para dar certo, não fosse um porém: o ator principal estremeceu ao contracenar com atrizes tão tarimbadas e talentosas.

Hitchcock

Hitchcock é menos um filme sobre a realização de Psicose (1960) e mais sobre a importância de Alma Reville, a discreta esposa, na vida e na carreira do famoso diretor. Traz menos cenas sobre a filmagem em si e mais sobre como os percalços e acontecimentos da vida do casal influenciaram o andamento das filmagens. Conforme retrata o filme do estreante Sacha Gervasi (roteirista de O terminal, de Spielberg), a amizade de Alma (Helen Mirren) com um roteirista inexpressivo deixou Hitch enciumado, desconcentrado e adoentado, quase colocando a perder as filmagens. Ponto para o diretor/roteirista britânico o fato de Hitch (vivido por Anthony Hopkins) não ser pintado como um crápula em seu relacionamento com Janet Leigh (Scarlett Johansson). Algumas curiosidades contadas no filme: Hitch teve de hipotecar sua casa para levantar os 800 mil dólares necessários para as filmagens. Comprou os direitos do livro de Robert Bloch e recolheu todas as cópias das livrarias, para que ninguém soubesse o fim. Britanicamente sutil, Hitchcock  sustenta-se pelo tema envolvente e pelo prazer de ver dois excelentes atores contracenando.

Abraham Lincoln: caçador de vampiros

A premissa ficcional de que Abraham Lincoln, o mais importante presidente dos Estados Unidos, tenha tido uma vida dupla dedicada ao combate de forças vampirescas encarnadas pelo exército sulista na Guerra da Secessão é, no mínimo, estapafúrdia. Que um escritor chamado Seth Grahame-Smith (vide

http://sethgrahamesmith.com/) tenha estudado a fundo a história da vida do famoso presidente e escrito um livro correlacionando todos os fatos verídicos de vida de Lincoln com a ação de vampiros maléficos e escravagistas é algo, no mínimo, também estapafúrdio (diga-se de passagem, que o livro tenha sido um best-seller é mais estapafúrdio ainda). Que um diretor russo chamado Timur Bekmambetov (o cara que dirigiu Guardiões da noite e O procurado), patrocinado por Tim Burton, tenha transformado o romance num filme 3-D, com direito a machados e balas de prata, é algo superestapafúrdio. No entanto, disparado o mais estapafúrdio em toda essa história é que eu tenha alugado o filme e gostado dele. Como sói acontecer, para que eu goste de um filme, ele deve ter um roteiro não digo bom, não digo perfeito, não digo bem amarrado, não digo exemplar, mas com... algo. E o roteiro de Abraham Lincoln: caçador de vampiros tem realmente algo. O que é que o roteiro de Seth Grahame-Smith tem? Em primeiro lugar, uma despreocupação óbvia com a verossimilhança externa, mas um cuidado extremo com a interna. Em segundo lugar, uma despreocupação com o politicamente correto, por ser nada lisonjeiro para com os sulistas, retratados não só como vilões, mas como horrendos vampiros. Terceiro, uma despreocupação com ser "original" ou coisa que o valha e, ao mesmo tempo, em decorrência dessa própria despreocupação, acabar sendo estapafúrdia e desconcertantemente original.
 

Os três mosqueteiros - 3D

 

Moderna e dinâmica releitura do clássico de Alexandre Dumas dirigida pelo britânico Paul W. S. Anderson, especialista em filmes inspirados em games (vide Mortal Kombat e a série Resident Evil, da qual dirigiu o primeiro, o quarto e quinto filmes). Antes das filmagens, os atores treinaram três meses com uma renomada esgrimista alemã. O resultado se percebe nos duelos coreografados, mas convincentes.

 

 

O roteiro, apesar de certas liberdades científicas, é bem trabalhado no sentido de valorizar o melhor de cada personagem, abrindo margem para o brilho de vários atores, em especial Matthew MacFadyen, que encarna um Athos atormentado pela desilusão amorosa com a perturbadora Milady (a sra. Paul W. S. Anderson, ninguém menos que Milla Jojovich), Christoph Waltz, como o maquiavélico cardeal Richelieu, Logan Lerman, como o impetuoso e adolescente D'Artagnan e, last but not least, Orlando Bloom, impagável na pele do duque de Buckingham. Outro ator com performance engraçadíssima é Freddie Fox, que vive um Luís XIII hilário. Filmado em locações na Alemanha, Os três mosqueteiros, possivelmente o melhor filme de Paul S. W. Anderson, é uma grata surpresa, que, ao mesmo tempo, diverte, inova e surpreende.

Piratas pirados!

Piratas pirados! (The Pirates! Band of Misfits, 2012), animação com bonecos de resina realizada com a técnica stop-motion, é uma produção dos estúdios Aardman, responsáveis por longas como Fuga das galinhas (2000) e Wallace e Gromit, a batalha dos vegetais (2005), além da série Shaun, o carneiro (cujo site oficial tem um dos jogos infantis mais interessantes e instrutivos da atualidade, vide www.shaunthesheep.com). O filme conta a trajetória do Capitão Pirata e seus comandados na rotina inglória de piratear os mares e saquear embarcações com cargas cada vez menos lucrativas. O sonho de Capitão Pirata é conseguir um tesouro e conquistar o cobiçado prêmio de Pirata do Ano. Mas o destino faz o navio pirata abordar o barco de ninguém menos que... Charles Darwin! O autor de A origem das espécies é retratado aqui como um cientista ansioso também por vencer o prêmio de Cientista do Ano. E descobre um modo de conseguir: apresentar Polly, a dodô de estimação do Capitão, como a descoberta científica do ano.
Com multicitações que vão desde David Lynch até Stanley Kubrick, com o típico humor britânico que não poupa nem figuras históricas como a Rainha Vitória, Piratas Pirados! é sinônimo de animação inteligente. A fonte criativa do filme é The Pirates! In a Adventure with Scientists, primeiro da cultuada série de romances de autoria de Gideon Defoe, também autor da hilária e informativa obra How Animals Have Sex.

Journey of Man - Cirque du Soleil - 3D

Journey of Man não é uma apresentação "convencional" do Cirque du Soleil (se é que qualquer espetáculo da trupe pode ser chamado assim). Em vez do público ao redor do picadeiro, você e sua família defronte à televisão 3-D. Realizados em locações que vão desde cavernas até o fundo mar, os números são costurados por um roteiro que simboliza a jornada humana desde o nascimento até a velhice. Journey of Man traz alguns exemplos incríveis do talento dessa companhia que rejuvenesceu o espírito circense mundial: nado sincronizado em meio aos recifes de corais; trapézio com elásticos na floresta; cubo de fogo nas montanhas rochosas; estátuas humanas no lago e a trupe malabarista no salão. Assina a direção Keith Melton, especialista em documentários 3-D com metragem de no máximo 40 minutos (depois de realizar Journey of Man em 2000, ele acrescentaria ao currículo filmes como Múmias: os segredos dos faraós, de 2007, e Índia mística, 2005).

DAVID LEAN'S BRITISH LITERATURE

DAVID LEAN’S

BRITISH LITERATURE

A PAPER BY HENRIQUE GUERRA*

INTRODUCTION   The purpose of this paper is to present an overview of the literary in David Lean’s movies. Literature – especially British – becomes motion pictures in practically every one of the 16 movies of his meaningful career as a director. It is my intention to analyze the literary liaisons that helped to make Lean’s filmography one of the richest in the history of cinema. From In Which We Serve (1942) to A Passage to India (1984), the epic moviemaker – who died in 1991 before shooting Conrad’s Nostromo – either adapted the work of or collaborated with great British writers and playwrights, such as Noel Coward, Charles Dickens, Terence Ratting, Robert Bolt, and E. M. Forster. He also turned into film a book called Seven Pillars of Wisdom, by T. E. Lawrence, a compelling account of the Arab Revolt. It is no wonder that a director obsessed with telling good stories and exploring human emotions would use novels and plays as sources, but is my intention to prove that David Lean, maybe without planning to do so, built a solid portrait of what British literature is capable of.

In Which We Serve (Nosso barco, nossa alma, 1942) The very first Lean’s movie as director was written and starred by Noel Coward, a popular playwright whose literary importance, although somewhat controversial, is nowadays more and more recognized. According to John Smart, “Noel Coward depicted and embodied the moneyed and escapist world of the 1920s and 1930s.” The most notorious qualities of In Which We Serve – a well written script, a nice cutting and an economical direction – would become Lean’s trademark along his not so prolific career. Lean directed only sixteen movies throughout five decades, and only one of these movies (Madeleine, the true story of an enigmatic Scottish woman) was not either based on a literary source or written by a playwright (see Table). In Which We Serve tells in flashbacks the story of British ship HMS Torrin and its crew. One of the sailors is played by Richard Attenborough, in his screen debut. Lean manages to accomplish a war movie whose focus is not the thrill of the battles, but the human drama.

This Happy Breed (Esta nobre raça, 1944) This adaptation of the homonymous Noel Coward play depicts the life of a working class family after the First World War and across the 1920s. The title comes from Shakespeare’s Richard III: This happy breed of men, this little world/ This precious stone set in the silver sea/ (…)/Against the envy of less happier lands/ This blessed plot, this earth, this realm, this England.

Sources and screenwriters of David Lean’s movies

Movie	Source	Screenwriter(s)*
In Which We Serve (1942)	True story of destroyer HMS Kelly and captain Mountbatten in Battle of Crete (1941).	Playwright Noel Coward
This Happy Breed (1944)	1939 play by Noel Coward	Noel Coward, from his own play. Adaptation: David Lean, Ronald Neame, Anthony Havelock-Allan
Blithe Spirit (1945)	Homonymous Noel Coward’s 1941 play	Noel Coward, from his own play. Adaptation: David Lean, Ronald Neame, Anthony Havelock-Allan
Brief Encounter (1945)	1936 one-act play Still Life, by Noel Coward	David Lean, Ronald Neame, Anthony Havelock-Allan
Great Expectations (1946)	1860-61 novel by Charles Dickens	David Lean, Ronald Neame, Anthony Havelock-Allan, Kay Walsh, Cecil McGivern
Oliver Twist (1948)	1838 novel by Charles Dickens (his second one)	David Lean and Stanley Haynes
The Passionate Friends (1949)	1913 H. G. Wells’s The Passionate Friends: A Novel	David Lean and Stanley Haynes
Madeleine (1950)	True story	Stanley Haynes and Nicholas Phipps
The Sound Barrier (1952)	Loosely based on newspaper articles and real-life story of pilot Geoffrey de Havilland, Jr.	Playwright Terence Rattigan
Hobson’s Choice (1954)	Harold Brighouse’s 1916 homonymous play	David Lean, Norman Spencer, Wynyard Browne
Summertime (1955)	Based on the 1952 play Time of the Cuckoo by Arthur Laurents	David Lean and H.E. Bates
The Bridge on the River Kwai (1957)	Le Pont de la Rivière Kwai, 1952 Pierre Boulle novel, translated into English by Xan Fielding (1954).	Credited: Pierre Boulle Actual: Michael Wilson, Carl Foreman (credited posthumously because in the fifties they were in the so-called “Hollywood blacklist”)
Lawrence of Arabia (1962)	Seven Pillars of Wisdom, 1926 account of T. E. Lawrence real adventures during the Arab Revolt (1917-8)	Playwright Robert Bolt (dialogues) & Michael Wilson (storyline) (Michael Wilson received credit only in 1995).
Doctor Zhivago (1965)	1957 Boris Pasternak’s novel	Robert Bolt
Ryan’s Daughter (1970)	Loosely based on 1856 Madame Bovary by Gustave Flaubert	Robert Bolt
A Passage to India (1984)	1924 E. M. Forster’s novel	David Lean

 *Information of this column extracted from http://davidlean.com/Filmography/filmography.html

Blithe Spirit (A mulher do outro mundo, 1945) The title – based on the homonymous play by Noel Coward – has a strong literature link: it comes from the first line of Percy Shelley’s poem called To a Skylark: Hail to thee, blithe Spirit! (1820). Here the blithe spirit is not a singing bird but the ghost of a dead wife, accidentally brought to our dimension through the work of a hilarious psychic (Margaret Rutherford). And though both the play (which after its premiere in 1941 run for a total of 1,997 performances in a row) and the movie are played for laughs, the ghost story pays homage to English tradition in fantasy literature. Writer Charles Condomine (Rex Harrison) and his wife Ruth invite Madame Arcati (Margaret Rutherford) to promote a séance in their house. But besides being a research source for his new mystery book, the session ends up opening a way for Elvira, his dead first wife, to return from the “other world”. The script takes advantage of this bizarre situation to explore the funny side of a domestic environment where two wives coexist. Even though Elvira actually cannot be seen by Ruth, poor Charles see and hear both of them perfectly, and sometimes he addresses Elvira but Ruth thinks he is addressing herself. In a way, Blithe Spirit can be considered a bit of a dark comedy, term coined by André Breton in his 1939 book Anthologie de l'humour noir, as a reference for some works of writers such as Jonathan Swift and Edgar Allan Poe. Both the movie and the play confirm what Lahr (quoted by Dietrich) wrote: “Only when Coward is frivolous does he become in any sense profound”.

Brief Encounter (Desencanto, 1945) Story of a housewife who casually meets a doctor on a tearoom by a rail station. Even though both are married to others, soon it becomes a routine their innocent meetings every Thursday. In the beginning, the most sinful thing they do together is to see sensationalist movies such as Flames of Passion from the mezzanine of the theater. As it was bound to happen, the innocence gives space for doubt and mixed feelings. In other words, love. This deep, sensitive study about guilt and betrayal raises questions about what people think is right or wrong. Brief Encounter, while remaining a classic of delicate intimism and (not so) suffocated desire, also is a good example why

Coward was a major playwright of the 1920s and early 1930s. Despite his limitations, he held up a mirror to his times reflecting the wit and gaiety of his generation and class. His plays present a glamorous wasteland with a mixture of fascination and loathing (SMART, 2001).

The partnership between David Lean and Noel Coward represents a kind of “first cycle” in Lean’s filmography. It resulted in four movies or 25% of Lean’s career. To Coward, these four movies meant a broader audience for his drama literature. Until today people can be in touch with his work through Lean’s movies. To Lean, the way was paved to his two adaptations of one of the most important British novelists: Charles Dickens.

Great Expectations (Grandes esperanças, 1946) + Oliver Twist (1948) Although some scholars dislike the liberties taken by Lean with his adaptations of Dickens’s works, some consider them as models. Regina Barreca, a feminist professor of English Literature who wrote books like Perfect Husbands (& Other Fairy Tales): Demystifying Marriage, Men & Romance and also a chapter in the book Dickens on Screen, clearly belongs to the first category, as we can notice by this excerpt:
In his 1946 Great Expectations David Lean didn't film Dickens's novel. He remade the novel into David Lean's film. Lean completely reversed the thrust of Dickens's story. In the novel (…) the male–male bonds (…) structure the protagonist's moral and social development, and completely determine the book's final third. But with Lean the most interesting relationship is not among men but between women, Estella and Miss Havisham (BARRECA, 2003).

On the other hand, David Thomson (movie critic who authored more than 20 books) has a more positive approach: “Dickens texts are adapted, but the films are vivid movies in their own right as well as the basis for decades of BBC television adaptations of classic literature” (Thomson, 2008).

The Passionate Friends (A história de uma mulher, 1948) This semester in our English course we have studied a short story by H. G. Wells, The Crystal Egg. However, the themes of Wells’ novels and stories are not limited to invisible men, wars of worlds, time machines, islands of lost souls and crystal eggs. He, as Lean, was also keen on an “intensely modern theme”, as New York Times literary critic L. M. Field put in 1913, the same year in which the book was published. This theme, of course, is “woman and sex” (Field, 1913). That this was one of Lean’s favorite topics is easily proven, not only because of his film curriculum (e. g., Brief Encounter, Summertime, The Passionate Friends, Ryan’s Daughter), but also for his own biography: as David Thomson put it, Lean was “the possessor of six wives (not at the same time)”. The Passionate Friends (both novel and film) deals about a love triangle whose main angle is Lady Mary. A key scene is well described in L. M. Field’s review: “(…) high up among the Alps, the long-parted ‘passionate friends’ meet and talk together as though their bodies were dead and gone – when, its stultifying accompaniment left behind, the real bond between them displays itself in all its beauty.” Author of an interesting article about Lean’s sexual life, George Macnab pointed out: “In The Passionate Friends (1949), Lean explores such themes as sexual jealousy and adultery with far more depth than in any of his earlier films – even Brief Encounter (1945).”

 Madeleine (As cartas de Madeleine, 1950) A forgotten cinematographic gem, Madeleine Smith’s true, sad history is told by Lean with almost painful sobriety and restraint. The pair of screenwriters – Stanley Haynes, also producer, and Nicholas Phipps – did a meticulous research of the 1857 trial and succeeded in building a portrait of a woman could be described either as manipulative and frivolous or as troubled and passionate, or these four altogether. Ann Todd – by that time, Mrs. David Lean – superbly gives life to a multifaceted character. A little before the movie premiere, Lean showed it to his friend Noel Coward, who after the private session commented that Lean should give the viewers a definite solution. But in retrospective this very fact (the “open ending”), while telling a lot about Lean’s perspective and style, also raises the artistic values of the work. Recently the case of Madeleine Smith regained a boom of attention, following the release of two books in 2007: A Scottish Murder – Rewriting the Madeleine Smith Story, by Jimmy Powdrell Campbell, and The Strange Affair of Madeleine Smith, by Douglas MacGowan.

The Sound Barrier (Sem barreira no céu, 1952) With a screenplay by Terence Rattigan, based on newspaper articles, David Lean focuses the attempts to break the sound barrier by a aircraft manufacturer, in spite of risking the lives of pilots very close to him. The playwright deserved a paragraph in An Outline of English Literature, by Thornley & Roberts (1984), who claim Rattigan is “(…) another well-known writer of traditional and successful plays” and that his work “(…) extends from light comedy, as in French Without Tears (1936) to more serious plays such as The Winslow Boy (1946)”.

 

Hobson’s Choice (Papai é do contra, 1954) The play by Harold Brighouse and the adaptation by David Lean tell the story of shoemaker Henry Hobson, a widower, and his three daughters, who help him in the workshop, along with Willie, a talented bootmaker. The daughters do not receive a penny and Willie is underpaid. The name of the protagonist, in the movie played by Charles Laughton, is a word play with the popular expression “Hobson’s choice”, whose origin allegedly is the following. A stable owner called Hobson, in order to establish a horse rotation, offered his customers, among his many horses in the stall, only one horse: the one nearest the door. So “Hobson’s choice” means something as “take or leave it”. And what will be Henry Hobson’s choice when Maggie, his older, most useful daughter ask for a wage and for a permission to marry his employee? Recently another play by Harold Brighouse, The Game, was revived by the theatrical company of actor Barrie Rutter, who wrote an article about it, whose first sentences are:

 Harold Brighouse was a star writer in his time. Today, he’s viewed as a one-play wonder. Everyone knows Hobson’s Choice, his tale of a Salford cobbler outfoxed by his daughters. A hit in New York before its London debut in 1916, the play has been studied by generations of schoolchildren and was made into a classic film by David Lean (RUTTER, 2010).

Summertime (Quando o coração floresce, 1957) “You are a hungry child to whom someone brings ravioli. ‘But I don't want ravioli, I want beefsteak!’ You are hungry, Miss Samish! Eat the ravioli!”. It’s impossible to watch this movie and forget this very Italian advice. Undoubtedly, Katharine Hepburn’s character ate the ravioli, even though the ravioli was a handsome – but married – Italian (Rossano Brazzi). The movie is an adaptation of the play The Time of the Cuckoo, by Arthur Laurents, adapted by Lean, with the help of the writer H. E. Bates. Arthur Laurents (who also wrote scripts for important movies such as Alfred Hitchcock’s Rope and Robert Wise’s West Side Story) studies the dilemma of a middle-aged woman who falls in love with a married Italian during a trip to Veneza. 

Lawrence of Arabia (Lawrence da Arábia,1962) “The standard path of the mythological adventure of the hero is a magnification of the formula represented in the rites of passage: separation – initiation – return”. The accomplishments of British officer T. E. Lawrence during the First World War Arab front comprise a good example of the formula described by Joseph Campbell in The Hero With a Thousand Faces. Peter O’Toole’s face immortalized on screen the representation of T. E. Lawrence, whose experiences in desert wars embody Campbell’s archetypal hero. The fact that Lieutenant Lawrence adopted Arabian clothes just emphasized his initiation, and the sequence of scenes portraying his coming back to report his deeds after the conquest of Akaba and his promotion to Major surely represents an archetypal glorious return. The production of this movie started with Sam Spiegel’s purchasing of the screen rights to Seven Pillars of Wisdom from T. E. Lawrence’s brother. The book published in the 1920s, a classic of British non-fiction literature, also “one of the best books on World War I – and still full of handy hints on how to wage a guerrilla war”, became 80 years after a “best-seller among American officers in Iraq” (Suter, 2010). Film critic David Thomson alerts that “while Lawrence of Arabia is grand and beautiful, don’t expect it to know who Lawrence was, let alone what really happened in his Middle East”. The movie marked the first of three collaborations between David Lean and Robert Bolt, the playwright who penned A Man for All Seasons. Bolt would also write the screenplay of Doctor Zhivago and Ryan’s Daughter.

The Bridge on the River Kwai (A ponte do rio Kwai, 1957) + Doctor Zhivago (Doutor Jivago, 1965) These movies undoubtedly helped to popularize worldwide two novels originally not written in English. As a translator myself, I must highlight this important fact. These texts were indeed translated twice: first into English by literary translators, and then into screen, by great English screenwriters. Do the resulting texts and movies contribute to British literature? Yes, if you consider translations as valuable literary works that promote cross-cultural dialogue and understanding, because “it is in their literature (…) that living cultures store their capital: in order to understand another culture, you have to read its books” (CEATL, 2008).  It is common that books turned into films sell more and more editions, in a “virtuous” cultural cycle. So David Lean helped Pasternak and Boulle to sell more books, even though the translators remained invisible, since

in a translated work, it is hard to identify the translator’s personal artistic contribution, and, as long as the public remains unaware of that contribution, translators have no symbolic capital with which to enter the market as ‘cultural entrepreneurs’ (CEATL, 2008).

Ryan’s Daughter (A filha de Ryan, 1970) In Ireland, during the First World War, Rosy Ryan, the wife of a schoolmaster, falls in love with an English military officer. A kind of Irish Emma Bovary, Rosy Ryan uses to talk with the priest, who all the community respects as an authoritative leader. Third movie directed by Lean with a script by Robert Bolt. According to C. D. Innes, Bolt “was initially hailed as the British Brecht”. Innes dedicated a section of his book on modern British drama to analyze Bolt’s plays: Adopting the Epic Style: Robert Bolt (1924-95). He points out that “For all the religious dimension in Bolt’s plays, his drama remains firmly on a social, not a metaphysical level.” Not surprisingly the social consequences of Rosy Ryan’s behavior are mercilessly depicted in Ryan’s Daughter, “an Ireland that exists more in melodrama than reality” (Thomson, 2010).

 A Passage to India (Passagem para a Índia, 1984) According to Thomson (2010), “A Passage to India is rather bad – it doesn’t get the E.M. Forster ironies”. According to myself, is rather great – I have not read E.M. Forster and watching David Lean’s movie was an illuminating, cross-cultural, fulfilling experience. The movie is about how people can make bonds in spite of cultural misunderstanding. The empathy between Dr. Aziz and Mrs. Moore is almost instantaneous, and even after the accusations against Dr. Aziz, Mrs. Moore believes in his innocence. In a way, the movie is more optimistic than the novel, judging by what Arun Mukherjee wrote in his Oppositional Aesthetics, pretty much in the same tone used by Chinua Achebe to scorch Joseph Conrad:

 The film sweetens the imperialistic relations of the British and the Indians to mere social misunderstanding. (….) The novel admitted that power relationships cannot be transformed into friendships. The film papers over this profound statement in a most awkward and disturbing manner (MUKHERJEE, 1994).

Lean is not very much interested in political statements; he prefers to understand the characters’ motivations and feelings. In some aspects, Lean’s movie is even superior to the book. For example, if you watch the movie attentively you can never say for sure if Dr. Aziz is innocent or no. And this ambiguity, this possibility of multi-interpretation enriches the narrative, whether the Indians like or not. By the way, a scene in A Passage to India resembles a similar scene in Madeleine. Both movies depict a woman crossing an enraged crowd inside a carriage in her way to court. Madeleine, as the defendant; Adela, as the accuser.

 FINAL CONSIDERATIONS In order to write this work I watched 10 of the 16 David Lean’s movies in a couple of weeks. Throughout this process my knowledge about movies improved a lot – but also my knowledge about English Literature. Movie by movie, I showed the existence of a “two-way road” between David Lean’s filmography and British Literature. One needs just take a look on the Table of page 3 to confirm this assertion. Before ending this paper, I must thank Professor Elaine Indrusiak for screening during the English Literature course, in a two-class session, David Lean’s A Passage to India. The first session was attended by around twenty students, and the second by only six. The fact motivated me to choose the topic for my final paper. Maybe it was just a coincidence, maybe not. Surely there’s no account for tastes, but maybe my colleagues failed to do what General Allenby was capable to do when he promoted T. E. Lawrence to Major. Robert Bolt’s screenplay reads:

Lawrence: You’re a clever man, sir.

General Allenby: No, but I know a good thing when I see one.

WORKS CITED

BARRECA, Regina. David Lean's Great Expectations. In: Dickens on Screen (pp. 39-44). Washington, DC: Cambridge University Press, 2003. Chapter Extract. Online. 26 Nov. 2011. Available: http://dx.doi.org/10.1017/CBO9780511484827.004

CAMPBELL, Joseph. The Hero With a Thousand Faces. Oxford: Princeton University Press, 2004. Online. 27 Nov. 2011. Available: http://www.rosenfels.org/Joseph%20Campbell%20-%20The%20Hero%20With%20A%20Thousand%20Faces,%20Commemorative%20Edition%20%282004%29.pdf

CEATL (Conseil Européen des Association de Traducteurs Littéraires). Literary Translation and Literary Translators. December, 2008. Online. 28 Nov. 2011. Available: www.ceatl.eu/wp-content/uploads/2010/09/policy-uk.pdf

DIETRICH, R. F. British Drama 1890-1950: A Critical History. Boston: G. K. Hall & Co., 1989. Online. 20 Nov. 2011. Available:  http://chuma.cas.usf.edu/~dietrich/britishdrama.htm

 FIELD, L. M. H. G. Wells: Intensely Modern Theme of His “Passionate Friends”. The New York Times. Published: November 2, 1913. Online. 26 Nov. 2011. Available:

https://timesmachine.nytimes.com/timesmachine/1913/11/02/100284510.pdf

INNES, C. D. Modern British Drama: the twentieth century. Cambridge: Cambridge University Press, 2002.

LAURENTS, Arthur. The Time of the Cuckoo: a comedy. New York: Random House, 1953. Online. 26 Nov. 2011. Available: http://books.google.com/books?hl=pt-BR&id=LBoxAAAAIAAJ&q=ravioli

MACNAB, Geoffrey. Brief encounters: How David Lean's sex life shaped his films: was the director's chaotic love life responsible for some of his greatest films? The Independent. Published: 29 Jun. 2008. Online. 26 Nov. 2011. Available:

http://www.independent.co.uk/arts-entertainment/films/features/brief-encounters-how-david-leans-sex-life-shaped-his-films-854957.html

MUKHERJEE, Arun. Oppositional Aesthetics: Reading from a Hyphenated Space. Chapter 5, The Third World in the Dominant Western Cinema: Responses of a Third World Viewer (pp. 39-48). Toronto: TSAR Publications, 1994.

RUTTER, Barrie. A Playwright of Two Halves: Harold Brighouse. The Northern Broadsides founder on reviving a football play. The Arts Desk. Published: 14 September 2010. Online. 27 Nov. 2011. Available:

http://www.theartsdesk.com/theatre/playwright-two-halves-barrie-rutter-harold-brighouse

SHAKESPEARE, William. Richard II. Act II, Scene 1. In: The Complete Works of William Shakespeare. Online. 26 Nov. 2011. Available:

http://shakespeare.mit.edu/richardii/richardii.2.1.html

SMART, John. Twentieth Century British Drama. Cambridge: University Press, 2001.

SUTER, Keith. Lawrence – Seven Pillars of Wisdom. Global Directions. Online. 27 Nov. 2011. Available: http://global-directions.com/Articles/Peace%20and%20Conflict/LawrenceOfArabia.pdf

 THOMSON, David. David Lean at 100: The Talent Behind the Legend. Reconsidering the high and lows of a filmmaking icon. L. A. Weekly. Published: October 15, 2008. Online. 26 Nov. 2011. Available: http://www.laweekly.com/2008-10-16/film-tv/david-lean-at-100-the-talent-behind-the-legend/

 THORNLEY, G. C. & ROBERTS, Gwyneth. An Outline of English Literature. Essex: Longman Group Ltd., 1984.

* Originally written by Henrique Guerra especially for Dr. Elaine Indrusiak's course of English Literature, UFRGS,  PORTO ALEGRE, BRAZIL, NOVEMBER, 2011.