Todos já sabem

Cinema iraniano é sinônimo de cinema denso, de um tipo de filme construído sem pressa, com base em diálogos e nas relações humanas. Vide

Gosto de cereja, de Abbas Kiarostami. 

Este artigo da BBC faz uma retrospectiva da história do cinema iraniano, desde os primórdios até hoje.
Fui assistir a Todos já sabem para conhecer o cinema de Farhadi, que já tem dois Oscars de Melhor Filme Estrangeiro na estante (A separação e O apartamento). Se bem que vamos combinar: um filme dirigido por um iraniano, mas falado em espanhol e estrelado por um elenco espanhol e argentino já desperta bastante curiosidade, justificando plenamente a visita ao Cine Guion.

Antes da sessão, um tempinho para admirar as esculturas expostas de mestres como Vasco Prado, Xico Stockinger e outros.





Começa o filme no Guion 2. 

Coisa boa não saber previamente nada do enredo.

Por isso mesmo não vou entrar nesse detalhe.

Apenas dizer que o filme começa em um ritmo bastante festivo até acontecer uma reviravolta. A partir daí, a história envereda por uma espécie de policial "whodunnit". 

Mas isso é apenas um pano de fundo para Asghar Farhadi, o mais novo expoente do cinema iraniano, tratar de temas mais profundos, como amores mal resolvidos ("unfinished questions"), a terra como prisão e outros.

O filme prende muito a atenção e cria em certos momentos uma sensação bastante sufocante de angústia.

As atuações de Penélope Cruz, Javier Bardem e Ricardo Darín são bastante convincentes, com destaque também para Carla Campra, que interpreta a adolescente Irene.



O filme, que havia sido recebido com desdém pela crítica no Festival de Cannes, chega em 2019 ao Brasil para também ser malhado: o crítico Inácio Araújo detonou com o filme. Aviso aos cinéfilos: as duas resenhas linkadas neste parágrafo contêm detalhes sobre o enredo, portanto, só clique nos links caso não se incomode com alguns "so-called" spoilers.

A propósito, esses dias uma amiga minha, que  eu considero cinéfila até o tutano dos ossos, me surpreendeu ao usar a expressão "vocês, cinéfilos". 

Voltando à vaca fria, Todos já sabem tem algumas metáforas importantes. Uma equipe lava as ruas da cidadezinha constantemente. A água aqui é um elemento que simboliza a limpeza da alma, a busca por um cotidiano livre de sujeiras embaixo dos tapetes. 

Não à toa algumas das melhores cenas do filme envolvem as célebres "lavações de roupa suja" já esperadas em filmes que revelam as entranhas de uma família.


Por outro lado, as cenas da bela "finca" ou granja vinícola enquadradas com a porta gradeada parecem emoldurar a verdade indissolúvel de como a terra tem o poder de aprisionar mentes e corações. 

Asghar Farhadi, que já tem dois Oscars de Melhor Filme Estrangeiro na estante, escreveu o roteiro em persa, mas já com os atores escolhidos em mente. Este artigo do Washington Post conta um pouco do processo, desde a concepção até a realização.

Free Solo

O documentário produzido pela National Geographic e vencedor do Oscar de Melhor Documentário de Longa Metragem em 2019 estreou neste sábado, dia 9 de março, às 21 h, no canal da NatGeo. O filme acompanha a façanha do alpinista Alex Honnold, que escalou sem cordas El Capitan, o paredão de 900 metros do Parque Nacional Yosemite.

Dirigido por Elizabeth Chai Vasarhelyi e Jimmy Chin, Free Solo não se limita à parte esportiva do feito. Mais da metade do filme é dedicada a delinear o personagem, a investigar quem é essa pessoa que se arrisca dessa forma. O background de Alex Honnold, sua família de origem, sua nova namorada, sua atuação em palestras em escolas de ensino médio: tudo isso é pacientemente costurado em meio aos preparativos para a inédita e perigosa escalada.


Claro que uma façanha dessas não é uma coisa que vem sem trabalho. O filme (e também este artigo) deixa bem claro que a subida sem cordas foi meticulosamente estudada e ensaiada em exaustivas e repetitivas escaladas no El Capitan, mas com a ajuda de cordas. 

Honnold gosta de correr riscos, mas riscos calculados. Uma das cenas de Free Solo mostra o destemido alpinista abortar a subida. Para a surpresa e decepção da equipe de filmagem, ele avisou que havia interrompido a escalada até uma nova data. Há males que vêm para bem. Afinal, Honnold ainda estava se recuperando de uma lesão no tornozelo. 



Outro aspecto relevante é a humildade de Honnold em procurar e acatar o aconselhamento (ou, para dizer um termo da moda, o "coaching") de alpinistas mais experientes. Esse foi um dos fatores importantes no processo dessa conquista, e o filme também tem o mérito de não deixar escapar esse prisma.

O processo de filmagem também foi planejado de modo minucioso, com câmeras estrategicamente posicionadas para captar as melhores tomadas, mas não atrapalhar a já espinhosa tarefa de Honnold.

Pop internacional: Top 10

Primeiro homem

É legal acompanhar a carreira de um diretor novo e promissor.

Estranho é acompanhar a carreira de um diretor que já ganhou um Oscar de Melhor Diretor em seu segundo filme.

O que acontecerá no terceiro filme?

Ele vai vender a sua alma?

Tornar-se "mascarado"?

Perder a sua essência?

Os fãs de Damien Chazelle (será que existe essa categoria?) podem ficar tranquilos.

Primeiro homem é um filme sem concessões ao "sistema", digno de uma filmografia que promete ser tão variada quanto visceral.



Auxiliado pela atuação firme de Claire Foy, como Janet, a esposa de Armstrong, o "ator fetiche" de Chazelle, Ryan Gosling, tenta novamente superar sua quase insuperável canastrice na pele de um personagem de carne, osso e dúvidas: Neil Armstrong, que proferiu uma das frases mais famosas de toda a história da humanidade.

Por sinal, o roteiro, baseado no livro de Jim Hansen "The First Man", não deixa claro quem é o verdadeiro autor da frase.

Se é que a frase foi redigida por um ghost writer ou não, esse não foi um dos focos do filme.

Em vida, Armstrong sempre declarou que pensou na frase após a alunissagem, pouco antes de proferi-la. Neste artigo, parentes afirmam que o astronauta já sabia exatamente o que falar meses antes de dar aquele tão famoso "pequeno passo".

Outra particularidade sobre a citação é uma acalorada (e ainda não resolvida) discussão sobre se Armstrong falou ou deixou de falar o necessário artigo indefinido "a" antes de "man". ("A small step for a man, a giant leap for mankind"). 

O modo reservado com que Armstrong lidou com a perda da filha parece ser uma das chaves para entender o personagem e o homem por trás do personagem.

Nesse quesito, o filme é bem-sucedido, embora alguns estudiosos como John Logsdon tenham criticado o modo superficial e frio com que Armstrong teria sido retratado. 

O fato é que Primeiro homem desconstrói e humaniza a imagem de "herói". Armstrong é mostrado como uma pessoa determinada, que nunca desiste. Que não deixa o "pessoal" influenciar no "profissional". O protótipo da pessoa "focada".

Mas, em alguns cruciais momentos de ternura, Primeiro homem mostra que é possível haver alma por trás do foco. 

Greenbook esmiuçado

Antes da entrega do Oscar fiz um post em que declarava laconicamente que, na minha opinião, Greenbook era o melhor filme entre os concorrentes. 

Fiz a ressalva também que ainda não assisti a todos os filmes da lista. Essa ressalva ainda vale. Assistir a todos os filmes concorrentes do Oscar não é uma tarefa exatamente lá muito fácil para quem mora numa cidade sem salas de cinema.

Agora, após a surpresa agradável da vitória de Greenbook, e com um pouco mais de tempo, vou tentar explicar os motivos que justificam a minha afirmação.

Por que Greenbook é um filme excelente e que merece o seu Oscar?

A resposta mais simples é algo difícil de mensurar.

As sensações e as reações que temos na sala escura, os sorrisos que damos, os suspiros que soltamos, as emoções suscitadas à flor da pele.

Essas coisas não são fáceis de materializar num texto que se pretende objetivo.

Falar que o filme é bom porque o roteiro é original e surpreendente também seria algo acusável de clichê.

Greenbook é um filme excelente porque transparece veracidade.

Os dois atores que contracenam estão trabalhando no máximo de seus talentos.

Aliás, nenhum dos dois é "coadjuvante".

Essa é outra discussão possível que pouca gente parece ter se importado ou percebido.

Mas o fato é que o Oscar de Melhor Filme ficou em boas mãos em 2019, porque Greenbook faz jus à tradição de filmes ganhadores do Oscar de Melhor Filme.

Greenbook é um filme honesto sobre uma amizade improvável, um pequeno exemplo do que acontece quando a ousadia e a autenticidade se unem para contar uma história que vale a pena ser contada.

Mad Max

Ultimamente Brian May anda aparecendo bastante na mídia, por conta do filme de título pomposo que deu o Oscar de Melhor Ator a Rami Malek.

Poucos se lembram de que, em 1979, o guitarrista do Queen e futuro doutor em Astrofísica assinou a trilha sonora de um filme que se tornou um clássico do cinema distópico: Mad Max, o filme de estreia do até então médico George Miller, com Mel Gibson no papel do patrulheiro Max Rockatansky.

Sobre George Miller, o diretor da franquia Mad Max, já escrevi um post para distingui-lo de seu xará, também diretor de cinema. E também resenhei o quarto filme da série.





A primeira vez que assisti ao primeiro Mad Max, eu era um pirralho que não entendia patavinas de diretores ou coisa parecida. O cinema era meu templo catártico das matinês de sábado. 


Como aconteceu em tantos outros filmes marcantes, algumas cenas de Mad Max ficaram para sempre em minhas retinas. Entre elas a que Max entra no hospital para visitar o amigo Goose. 


Rever o filme após tanto tempo suscita sentimentos contraditórios.

Uma coisa é reconhecer as qualidades que o alçaram a um cult clássico.

Outra muito diferente é ignorar os claros furos de roteiro e de continuidade. Mas falarei sobre isso em outro post.

Este é o post do prazer em revisitar. Um post inocente, sem spoilers.

E quais são as qualidades de Mad Max?

* sequência de abertura filmada à perfeição com várias viaturas que vão se somando no encalço do facínora chamado Nightrider;
* paisagens desérticas e pós-apocalípticas ao redor de rodovias abandonadas;
* perseguições extremamente realistas e bem filmadas;
* um bando de motociclistas malfeitores que entrou para o rol dos facínoras mais asquerosos e nojentos do cinema;
* cenas angustiantes de humanos indefesos sofrendo nas mãos desses bandidos desalmados;
* um ator com o carisma necessário para se tornar um ícone internacional;
* uma trilha sonora feita por um roqueiro e que ajuda o espectador a entrar no clima; e, last but not least,
* muitas pontas soltas.


Como assim? Pontas soltas entram na lista de "qualidades"?

Pois é. Tudo depende do ponto de vista.

Pontas soltas podem ser sinônimo de ambiguidade, polissemia, margem a múltiplas interpretações.



E isso pode em última análise dar à obra uma característica multifacetada, uma inerente capacidade de suscitar leituras distintas.

Mad Max tornou-se um clássico porque a violência nele mostrada não parece estereotipada. É mais real e pulsante do que a mostrada em Laranja Mecânica, por exemplo.

Por fazer essa transposição de um futuro não muito distante (sem esquecer que no começo do filme os dizeres limitam-se a informar "A few years from now") e que tem raízes profundas em nosso presente, Mad Max permanece um expoente do cinema distópico.

Disponível nas melhores empresas de streaming por assinatura.

P.S. E quais são os furos e pontas soltas do roteiro? Quais são os lapsos de continuidade? Aguarde um próximo e oportuno post.

Greenbook - o guia

É uma pena que este filme seja daqueles que concorrem a Oscar, mas cujo diretor não tenha
indicação a Melhor Diretor.

É um desses casos que o passado condena. A "filmografia" de Peter Farrelly não é exatamente uma lista repleta de filmes sérios.

A Academia acha que é muito tarde para que ele se regenere.

Considerou Greenbook um acidente de percurso.



Daí a aparente falta de força com que Greenbook chega no páreo.

Mas de todos os concorrentes a que tive acesso é o melhor filme, sabe.

E as atuações dos dois protagonistas são merecedoras de aplausos.

Sei que existem outros atores mais bem cotados.

Mas logo mais vou torcer para que Viggo Mortensen leve o Oscar de Melhor Ator. E para que o Mahershala Ali leve o segundo Oscar de Melhor Ator Coadjuvante para casa.

Guardadas as proporções, este filme me lembrou um pouco a célebre parceria de Sidney Poitier e Tony Curtis em Acorrentados.


Torcer na festa do Oscar é uma roubada, mas se não for para torcer, não tem tanta graça, não é mesmo. 

A esposa

O diretor Björn Runge tem uma vasta filmografia em seu idioma natal (o sueco), e The Wife é o seu primeiro trabalho hollywoodiano.

Já rendeu um Globo de Ouro de Melhor Atriz para Glen Close.

Por sinal, ela tem boas chances de ganhar o Oscar logo mais.

Mas além da atuação de Glen Close, vale a pena assistir a este aparentemente insosso A esposa?



É uma pergunta difícil de responder.

O roteiro de Jane Anderson, baseado no romance homônimo de Meg Wolitzer, demora um bom tempo para engrenar.



Lá pelos 20 minutos de filme o espectador ainda está se perguntando aonde é que isso vai dar... Parece que em lugar nenhum.

Mas não é que subitamente o filme cresce em interesse?

Para mim isso aconteceu quando as cenas de "flashback" começaram a ser inseridas.

O contexto dos personagens vai sendo apresentado em outras circunstâncias e época.

Aos poucos, a verdade vai sendo revelada e as máscaras vão caindo.

A esposa é um filme sobre até onde pode chegar a lealdade e a vaidade humanas.


Pela direção contida de Runge e pelo intertexto com Colette, ao término do filme fiquei satisfeito com a decisão de ter optado por A esposa.

Mas daí para "indicar" a alguém tem uma grande diferença.

Porém eu arriscaria a fazer uma tímida afirmação.

Se você for uma pessoa que tiver um interesse por literatura e por filmes de ritmo mais lento, com algumas camadas de complexidade, existe uma possibilidade não tão remota de você apreciar A esposa.

Westworld: onde ninguém tem alma

Em 1973, Michael Crichton realizou este filme que na segunda década do século XXI inspiraria a série homônima produzida por Jonathan Nolan.

Yul Brynner encarna (?) um androide numa espécie de Ilha da Fantasia, um lugar em que os turistas e visitantes vão para saciar sua sede de aventura.



O romancista fez com este filme sua estreia como cineasta. Eis que o resultado foi bastante satisfatório.

O filme começa com entrevistas de pessoas recém-chegadas dos parques temáticos.

Além do mundo do Oeste, o parque também apresenta o mundo medieval e o mundo romano. 

Quem acompanha a série Westworld sabe a dinâmica do parque.

Humanos sedentos por experiências viscerais desembarcam e se misturam aos habitantes androides para vivenciar uma imersão em outra época, com outros códigos de conduta e honra.

A emoção de poder realizar fatos que no "mundo real" seriam considerados ilegais ou crimes é um dos elementos atrativos desses locais.

Em seguida, Crichton apresenta seus heróis (?), ou melhor, quase anti-heróis. 



Em quase nenhum momento é criada uma empatia entre o espectador e os protagonistas desta história, os amigos Peter Martin e John Blane (James Brolin, pai de Josh Brolin).

Talvez a empatia criada possa ser justamente com o pistoleiro robô, interpretado com maestria por ninguém menos que Yul Brynner, o astro de Sete homens e um destino.

Ao vê-lo em cena é impossível não pensar que essa atuação não tenha inspirado atores que tiveram de viver androides, como Arnold Schwarznegger, Robert Patrick (o T-1000 de O exterminador do futuro 2), entre outros.



A parte em que Yul Brynner está perseguindo Peter Martin (Richard Benjamin) em passos lentos e paulatinamente começa a correr é citada por James Cameron em uma das cenas da saga Exterminador do Futuro.

As maiores diferenças deste filme em relação à série é que aqui existe uma importante divisão de foco entre o mundo do oeste e o mundo medieval. Isso porque na subtrama outro "visitante" ou "guest" é acompanhado em sua trajetória, e esse convidado está se divertindo no mundo das
justas medievais.

Abaixo serão feitos comentários que para almas sensíveis poderiam ser enquadrados como "spoiler", embora seja um pouco patético alguém não imaginar que isso iria inevitavelmente acontecer.

AVISO DE SPOILER

PESSOAS QUE ACREDITAM QUE
TUDO SEMPRE VAI FUNCIONAR ÀS MIL MARAVILHAS DEVEM INTERROMPER
A LEITURA AQUI.

NÃO DIGAM QUE NÃO FORAM AVISADOS(AS).



A proverbial hora em que os robôs apresentam mau funcionamento é quando Westworld começa a aumentar o interesse.

As falhas se precipitam e os "controladores" perdem completamente o controle.

Crichton deita e rola com as possibilidades do roteiro e torna Westworld: onde ninguém tem alma um libelo irônico contra o endeusamento da tecnologia e também uma pitada de sátira aos turistas inveterados e escapistas.

No filme existe um clímax bastante nítido que na série é diluído em meio a considerações filosóficas e por conta da própria natureza de uma série, que permite mais tempo para divagações.


Sobre a primeira temporada de Westworld tenho a dizer que a abertura do seriado é uma obra de arte, com a música e as imagens combinando à perfeição. 

Ao longo da série, os personagens são bem construídos e tudo no final se encaixa, com direito a algumas surpresinhas.

O irmão mais novo de Chris Nolan acertou em sua abordagem. Westworld, a série, é um produto com

valor agregado em relação a Westworld, o filme.

Não estou dizendo que a série é melhor, muito antes pelo contrário.

Estou dizendo que o fã da série vai se beneficiar da experiência de assistir ao filme e vice-versa.

São duas experiências que se completam.

E o ideal acredito que é fazê-las na seguinte ordem: primeiro, assista aos dez episódios da primeira temporada.

Depois, assista ao filme.

E pense se vale a pena enfrentar a segunda temporada, que está sendo muito criticada por ser muito "cerebral".

O mensageiro do diabo

A trajetória de um(a) cinéfilo(a) pode ser definida por em qual momento em sua vida ele/a enfim conseguiu assistir a The Night of the Hunter. 

Para mim esse momento foi domingo dia 20 de janeiro de 2019.

O dvd usado comprado por 5 reais na Zílvia Locadora de Passo Fundo foi finalmente disposto no prato do Blu-ray player.

Diferentemente do que costumo fazer, desta vez não convidei mais nenhum outro morador da casa para assistir comigo.

Primeiro porque não tinha me aprofundado sobre o enredo e segundo porque considerei que um filme clássico dos anos 1950 em preto e branco não atrairia o interesse de minha esposa e de meus filhos.   

Mas eis que o inusitado acontece e a música marcante de Walter Schumann despertou a curiosidade dos guris que logo se sentaram a meu lado. A minha esposa limitou-se a olhar com desdém.* 

O pequeno, de 6 anos, gostou do começo, pois o filme é do ponto de vista das crianças, mas abandonou a sessão após uns quinze minutos; não conseguia ler as legendas com a rapidez necessária.

O primogênito, de 11 anos, assistiu ao filme comigo e ainda reclamou por não ter sido oficialmente convidado.




The Night of the Hunter! Onipresente nas antologias, cantando em prosa e verso por Movie Guides de todos os estilos e línguas. 

Fracasso de público na época, tornou-se gradativamente muito respeitado por seu valor artístico.



Roger Ebert incluiu-o em seu livro A magia do cinema.

O grande ator Charles Laughton, porém, não viveu para ter o reconhecimento como diretor.

The Night of the Hunter foi o seu primeiro e único filme. O fracasso comercial e a falta de compreensão com as ousadias artísticas do filme o deixaram abalado. 

Parece que o filme não tinha o perfil necessário para ser comercializado de modo a não perturbar algumas instituições importantes.

Adaptação do romance homônimo de Davis Grubb, publicado em 1953, teve na direção de arte um grande talento, Hilyard Brown.

Ele fazia aquarelas durante a produção, como a reproduzida a seguir:



 O próprio autor do livro, Davis Grubbs, colaborou diretamente com Laughton, também enviando desenhos de como concebia as cenas. O roteiro foi o último trabalho de James Agee, que faleceu em 1955 devido ao alcoolismo; em 1958, o seu romance autobiográfico A Death in the Family recebeu o Prêmio Pulitzer.

Durante os momentos antes das filmagens, Charles Laughton e o diretor de fotografia Stanley Cortez assistiram a vários filmes do cinema mudo, em especial, os clássicos de D. W. Griffith.

A influência pode ser sentida nas tomadas longas e também na inclusão das clássicas "tomadas íris", em que a câmera parece ir fechando como a íris de um olho humano.

Sobre os métodos de Laughton como diretor, existe um fato bastante revelador sobre como ele sabia lidar com as pessoas, principalmente os atores como ele. Laughton escolheu o elenco sem "passar o texto". Em vez disso, convidava os candidatos a sua casa e passava uma tarde com eles, falando sobre diversos assuntos. Isso já era suficiente para ele tomar a decisão.
Uma das sequências mais belamente aterradoras é a dos irmãozinhos descendo o rio. A pequerrucha entoa a lullaby "Once upon a time there was a pretty fly".

E qual é o sentimento do cinéfilo que enfim tem a oportunidade de assistir a um filme como The Night of the Hunter? 

O que permanece após a sessão é uma sensação de completude. De alegria por ter esperado o momento certo. E da certeza de que grandes filmes surgem por uma conjunção de fatores, entre eles, a feliz reunião de vários talentos multidisciplinares. 

*Mas, ponto para ela: mais tarde ela sentou-se ao meu lado e assistiu parte dos extras comigo. ;)

O destino de uma nação

O britânico Joe Wright alcança em Darkest Hour (O destino de uma nação, 2017) talvez o melhor momento de sua carreira como diretor..



Após estrear com Orgulho e preconceito (2005), construiu uma filmografia bastante calcada em temas essencialmente britânicos, com adaptações de obras de autores clássicos como a já citada Jane Austen, J. M. Barrie e Ian McEwan. O gosto por adaptações literárias aparece também em sua parceria com o roteirista Tom Stoppard, que adaptou Anna Karenina de Leon Tolstoy. Em 2011, Wright também enveredou pelo suspense com o curioso Hanna, com Saoirse Ronan.

Joe Wright é um diretor relativamente prolífico; a cada 2 anos, em média, realiza um novo trabalho. A sua predileção por Keira Knightley também é notória. A atriz participa de 3 filmes dos 7 que compõem a sua filmografia.

Em O destino de uma nação a atriz jovem mais proeminente é a atualmente ubíqua Lily James, no papel da secretária de Churchill. Inicialmente tratada com frieza e até rispidez pelo líder político, a datilógrafa Elizabeth Nel vai conquistando o respeito e até a amizade do bochechudo personagem.

Esse, aliás, é um dos méritos do roteiro: humaniza Churchill e o mostra estabelecendo contato com pessoas importantes como o Rei Jorge VI (Ben Mendelsohn) e com o povo. A cena em que Churchill abandona o carro oficial e pega o metrô para "ouvir a voz do povo" é a mais emblemática e emocionante do filme. 

A ação concentra-se no mês de maio de 1940, em que houve a troca de primeiro-ministro na Inglaterra numa situação de alta periculosidade e vulnerabilidade nas relações internacionais. Aí que entra em cena um político já marcado por erros no passado, em especial, a desastrosa campanha em Gallipoli na Primeira Guerra Mundial. O roteiro dá algumas pinceladas sobre o assunto e explora como Winston foi aos poucos conquistando o apoio de todos em sua ferrenha campanha antinazista.



A fotografia e o uso da luz é um dos pontos altos de Darkest Hour. Esses aspectos são abordados nesta reportagem.

As nuances do personagem foram muito bem aproveitadas por Gary Oldman, que pela interpretação ganhou merecidamente o Oscar de Melhor Ator.

Nesta entrevista, Oldman e Wright (que superou a dislexia para tornar-se um cineasta premiado) falam sobre o filme.