Dália Negra

Brian De Palma, o diretor de ‘Fêmea Fatal’, filma o roteiro baseado no livro The Black Dahlia (1987), de James Ellroy (nascido em 1948), inspirado no assassinato de Elizabeth Short, acontecido em Los Angeles, em 1947. Os jornais da época contam que a moça de 22 anos, depois de passar uma semana desaparecida, foi encontrada morta num terreno baldio, com o corpo cortado ao meio na altura da cintura e o rosto mutilado. Depois de muitas investigações, a polícia de Los Angeles listou vários suspeitos, mas não deu solução ao crime. Ellroy (que teve a mãe assassinada em circunstâncias similares) utilizou o assassinato da ‘Dália Negra’– para uns, o nome pelo qual a moça morta era conhecida no submundo, para outros, uma invenção dos jornalistas da época – como premissa para criar tramas e personagens densas.
Buckie (Josh Hartnett) e Lee (Aaron Eckhart), ex-pugilistas que embrenharam na carreira policial, passam a investigar o assassinato de Elizabeth. Antigos rivais no boxe, agora os dois formam uma parceria no combate ao crime. Nas horas vagas, Buckie freqüenta a casa dos Lee, e é secretamente apaixonado por Kay (Scarlett Johansson), a mulher do colega. Durante a investigação, torna-se obcecado pela obscura personalidade da Dália Negra e envolve-se sexualmente com uma sósia da vítima (Hilary Swank).
Quem acompanha a carreira de Brian De Palma sabe que seus filmes oscilam entre sucessos ou fracassos ‘comerciais’ e – respectivamente ou não – sucessos ou fracassos ‘artísticos’. Dália Negra foi espinafrado pela crítica e após 4 semanas em cartaz rendeu apenas metade do custo de produção (50 milhões de dólares). Além de desagradar críticos e produtores, De Palma aborreceu também os fãs de Ellroy, pelas liberdades tomadas em relação ao livro. E quanto aos cinéfilos?
Em primeiro lugar, é de se pensar se existe, a priori, a categoria ‘cinéfilo’. Afinal, cinéfilos são excêntricos, iconoclastas, exigentes, críticos, contraditórios, apaixonados – e não se submetem a generalizações. Podem esperar ansiosos novos filmes dos diretores preferidos, mas se lhes aprouver não perdem a chance de desdenhá-los. Sob esse prisma, o próprio nome deste blog está viciado na origem. Deveria ser ‘olhar de um cinéfilo’. Não existe olhar cinéfilo. Cada cinéfilo tem seu olhar. Posto isso, Dália Negra, na filmografia DePalmiana, está mais para ‘Síndrome de Caim’ do que para ‘Os Intocáveis’. Mas sempre é uma experiência palpitante ir ao cinema para assistir o novo filme de um diretor preferido.

Serpentes a bordo

                                                                                              Diretor de segunda unidade de Matrix Reloaded, Harry Potter e a Pedra Filosofal e Mestre dos Mares, David Richard Ellis começou na indústria cinematográfica há 30 anos como dublê. Em 2003, aventurou-se a assinar Premonição 2. Acostumado a fazer seu trabalho competente sem receber muito crédito, Ellis parece ter tomado gosto por receber o "mérito autoral". Em 2004 voltou à carga com Celular. Para ‘sedimentar’ a carreira de diretor especializado em filmes de suspense e ação, Ellis lançou em 2006 sua pequena obra-prima: Snakes on a plane. 

 

Sean Jones (Nathan Phillips), motoqueiro/surfista do Havaí, testemunha um crime perpetrado por um facínora líder de uma organização criminosa, e o agente Neville Flynn (Samuel L. Jackson), do FBI, passa a protegê-lo. Sean é convencido a depor contra o bandido e um esquema de segurança é montado para o seu traslado de Honolulu a Los Angeles. O que o FBI não esperava, nem a bela aeromoça Claire Miller (Juliana Margullies), nem nenhum dos excêntricos passageiros, que incluem um cantor famoso e seus dois guarda-costas apalermados, um homem com fobia de avião, uma mulher e o filho pequeno, uma patricinha e seu pincher, um homem que não tolera crianças nem cães etc., é que no bagageiro do avião fossem embarcadas centenas de cobras perigosas, das mais variadas espécies e origens. Najas, jararacas, corais, cascavéis, víboras e até uma jiboia (ou seria uma sucuri?), todas borrifadas com um intenso feromônio para deixar os répteis agressivos.

 

Sem dúvida, uma ideia estapafúrdia, quase louca (não é à toa que um dos 6 roteiristas chama-se David Loucka), mas que rendeu um filme com coerência e verossimilhança internas. Para quem não estudou teoria literária: a verossimilhança interna é um mecanismo criado dentro de uma obra de ficção para que o leitor/espectador acredite naquele universo ficcional. Um exemplo é o clássico “A revolução dos bichos”, de George Orwell, em que porcos, cavalos, cabras e burros pensam, falam e se desvirtuam como seres humanos. No caso de Snakes on a plane, o contrato feito com o espectador é o seguinte: vamos combinar que por uma hora e meia a palavra verossimilhança não existe mais no dicionário, ou fora dele. Assim você vai poder apreciar sua pipoca e levar alguns sustos e dar umas boas gargalhadas. É evidente que quem teve a coragem e o ânimo de ir ao Cine Vitória no sábado à noite para ver Serpentes a bordo concordou com os termos do contrato. E a surpresa: nesse contrato não havia cláusulas com letrinhas pequenas para enganar o consumidor. Sobre as ‘estrelas’ do filme: apenas 1/3 delas são reais, conta Jules Sylvester, o dono da Reptile Rentals, empresa iniciada em 1977 para abastecer de cobras o mercado audiovisual. 

 

 

As demais cobras são animatrônicas ou geradas por computador. Sylvester forneceu 450 cobras para o filme, entre “corn snakes, rattlesnakes, king snakes, milk snakes, a couple of mangrove snakes”, e uma cobra albina. Em nenhum momento do filme o número de cobras no set ultrapassou 60, pois elas precisavam ser substituídas para descansar após 15 ou 20 minutos de filmagem. Segundo o empresário coruja, o maior problema foi fazer suas cobras parecerem assustadoras, e a prioridade ao longo das filmagens foi "manter a segurança das cobras".

Em tempo: esta reportagem traz "14 fatos rastejantes" sobre o filme. Vale a pena conferir e treinar o seu inglês.

 

As torres gêmeas

Oliver Stone tem uma relação de amor e ódio com sua família – a nação americana. Cineasta obcecado por assuntos ianques, aborda-os sempre com uma visão crítica. O oscarizado Platoon (1986) mostra a desilusão de um jovem voluntário para combater no Vietnã. Wall Street (1987) retrata o universo de ganância do centro financeiro do país. Nascido em 4 de julho (1989) é sobre um veterano que volta tetraplégico da (novamente) guerra do Vietnã. JFK (1991) investiga os bastidores do assassinato do presidente e apresenta teorias de conspiração. Natural Born Killers (1994) traz um casal assassino que atravessa o país atraindo a atenção da mídia. Nixon (1995) focaliza a biografia do controverso presidente norte-americano. Em resumo, na filmografia de Stone - que começou roteirizando filmes como Midnight Express (1978, Oscar de Melhor Roteiro), de Alan Parker, e Scarface (1983), de Brian De Palma - a acidez é uma constante.
Já em World Trade Center, Stone aplaca a auto-crítica ianque e deixa o sentimento de nacionalidade dominar cada fotograma da película. É o filme de uma família atacada de modo covarde. Não é preciso ter passado por isso – ter sido vítima de ataques traiçoeiros, maquiavélicos e torpes – para imaginar o que sentiu naquele dia e o que essa data passou a significar para o povo americano. Se alguém tinha alguma dúvida, o 11 de setembro de 2001 escancarou que vivemos numa era de incompreensão e de falta de diálogo, uma era de radicalismos e de atos desesperados.
Em 11/09/2001, um pelotão de guardas portuários é chamado ao World Trade Center. Ao chegar no local e topar com a situação caótica, o sargento John McLoughlin(Nicholas Cage) pede voluntários para ajudar a evacuar as torres. Um dos soldados que se apresenta é Will Jimeno (Michael Pena). Alguns tensos minutos para pegar equipamentos, incluindo tubos de oxigênio e capacetes. Quando a equipe está no térreo do prédio que liga as duas torres, uma das torres começa a desabar. O sargento só tem tempo de dizer a seus comandados para correrem até o poço do elevador, onde John e Jimeno conseguem sobreviver aos sucessivos desabamentos.
A partir daí, Stone alterna o drama vivido pelas duas famílias e a luta pela sobrevivência dos dois policiais soterrados. Sem água, a 6 metros da superfície, imobilizados por lajes de concreto, com hemorragia interna e fraturas múltiplas, John e Jimeno conversam para não adormecer e entrar em choque. Um conforta o outro e compartilham lembranças de seus familiares. Jimeno tem Bianca, filha de 4 anos, e Allyson (Maggie Gyllenhaal), esposa grávida de 5 meses. Ela quer que a segunda filha se chame Olívia, ele, Alyssa. John tem a esposa Donna (Maria Bello) e 4 filhos. Surge uma personagem importante - espécie de alter-ego de Oliver Stone -, um ex-mariner que corta o cabelo, traja-se com a farda de combate e vai a Nova York procurar sobreviventes nos escombros.
Vai analisar, o filme é previsível e não chega aos pés da veracidade encontrada em Vôo 93. Se o mérito cinematográfico de um filme fosse medido pelas surpresas do espectador, o do filme de Stone seria nulo ou quase nulo. Se, porém, o cinema for encarado também como veículo para traduzir o sentimento de uma época, bem, nesse caso, World Trade Center dá sua contribuição valiosa.

O diabo veste Prada

A jornalista Andrea (Anne Hathaway, de Brokeback Mountain) emprega-se numa revista de moda como segunda assistente da legendária Miranda Priestley (Meryl Streep, em seu momento Glenn Close). O cargo é conquistado tête-à-tête com a futura chefa, a pessoa mais influente da moda em Nova York, detentora de uma coleção de bolsas Prada, numa entrevista em que Andrea demonstra não ter nada do perfil requerido: não entende – e parece não querer entender – nada de moda. Desleixada no vestir-se, Andy se vê, de uma hora para outra, num meio onde a pessoa vale a marca que usa. Sossegada, Andy é submetida à pressão de estar sempre disponível e apta a solucionar toda sorte de problemas. Sem ambição, Andy é colocada num ambiente de disputa, inveja e falta de ética. Venderá Andy sua alma ao(à) diabo(a)?
Se o parágrafo aí em cima mencionasse a ‘trama secundária’, qual seja, a atroz dúvida de Andy entre o namorado perfeito, fiel e simples (Adrian Grenier, sósia do colorado Fernandão, campeão da Libertadores 2006) e um novíssimo pretendente, sofisticado e poderoso, uma leitura superficial – da resenha e do filme – talvez pudesse julgá-lo uma razoável ‘sinopse’ do segundo filme de David Frankel (o primeiro foi Miamy Rhapsody, de 1995).
Ledo engano! A verdade é que ‘O diabo veste Prada’ vai além (ok, não muito além) dos estereótipos ao dar espaço a pequenos detalhes que humanizam a personagem complexa de Miranda, e explicitam a admiração mútua entre chefe temida e assistente obstinada. Claro, não espere nenhum tratado filosófico sobre a importância dos princípios éticos, nem o roteiro é hipócrita o suficiente para fazer de Andrea (nome lindo, não?) uma pessoa que não procura ser aceita, que não gosta de novidades e que não cede às tentações.

Vôo 93

O filme de Paul Greengrass (A Supremacia Bourne, Domingo Sangrento) narra a versão oficial da trajetória do vôo 93 da United Airlines, no dia 11 de setembro de 2001, pela qual os passageiros tentaram retomar o comando do avião seqüestrado por quatro terroristas da rede Al-Qaeda. Outra teoria - confirmada por testemunhas oculares - é a de que o avião foi abatido por um F-16.
O roteiro tem estilo de documentário, sem espaço para floreios e 'desenvolver personagens'. A história contada é a do vôo 93, não do piloto, do controlador de vôo, ou desse ou aquele passageiro. Outro mérito do roteiro é a maneira com que focaliza a hesitação, o medo e a religiosidade dos 'hijackers'. Os seqüestradores do jato da United são retratados não como pessoas frias e calculistas, e sim como pessoas desesperadas, no limite de suas forças psicológicas e físicas, marionetes de seus líderes maquiávelicos.
A opção por um elenco desconhecido reforça a veracidade e o clima de realismo que impregnam a película. Sob esse prisma, o filme é bem sucedido: consegue 'colocar' o espectador na pele das pessoas inocentes que embarcaram naquele fatídico vôo e desde já se qualifica como um libelo contra o terrorismo.

O que você faria?

Num dia de protestos antiglobalização em Madri, sete profissionais disputam uma vaga de executivo na empresa Dekia (uma cruza de Dell com Nokia?). Enquanto nas ruas o tumulto acontece, no departamento de recursos humanos da Dekia predomina a calma. Lá embaixo, o mundo se desintegra, aqui, sorrisos e vozes pausadas. Os cinco homens e duas mulheres chegam e são convidados por uma secretária a preencher formulários. Em pouco tempo estão participando de um jogo onde o cumprimento de cada etapa acarreta a eliminação de um dos concorrentes – qualquer semelhança com o Big Brother não é mera coincidência – e conduz a um único vencedor.
Baseado na peça intercontinental (sucesso em Madri e na Cidade do México) "O Método Grönholm", de Jordi Galcerán, o novo filme de Marcelo Piñeyro (Plata Quemada) aborda o sistema utilizado pela Dekia selecionar seu pessoal: posicionar o grupo em situações que requerem análises técnicas, morais, econômicas – e éticas. Ao se defrontarem com um problema, os aspirantes ao cargo precisam demonstrar, por meio de conversas articuladas e raciocínios embasados, capacidade de trabalhar em grupo e de tomar as decisões acertadas. Os candidatos precisam se adaptar com rapidez às circunstâncias, e os espectadores ficar atentos às sutilezas e ironias do roteiro.
Claustrofóbico, tenso, o filme de Piñeyro faz um intertexto com O Anjo Exterminador, de Luís Buñuel. Com a diferença: no clássico filme espanhol, os convidados de uma festa querem sair desesperadamente da casa e lá são retidos por uma força fantástica; enquanto no filme do argentino Pineyro, os concorrentes fazem de tudo para não sair, mas vão, um a um, sendo expulsos por uma força real – o capitalismo selvagem. ‘O que você faria?’ (2005) é um exercício de antropofagia, um retrato dos tempos modernos internacionalizados. Por uma vaguinha na Dekia, vale tudo. Cada um por si, Deus por todos. Afinal, money talks, bullshit walks.

Me, You and Everyone We Know

É difícil ficar indiferente a filmes que têm como maiores trunfos a originalidade, a honestidade e a coragem do roteiro. Filmes que mostram o ser humano em todas suas idiossincrasias, dúvidas, incongruências; em todos seus fracassos, medos, anseios. Filmes que ousam, surpreendem, provocam. Filmes como "Eu, Você e Todos Nós". Algumas pessoas abandonaram a sessão. Revoltadas? Enojadas? Decepcionadas? Os que ficaram, porém, a cada cena, a cada diálogo, a cada fala inusitada das personagens, a cada revelação, a cada descoberta – riam e se emocionavam. Richard (John Hawkes) enfrenta uma separação. Obrigado a estabelecer um novo padrão de relacionamento com os filhos – Peter (Miles Thompson), 14, e Robby (Brandon Ratcliff, um dos destaques do elenco), 7 – e a buscar a readaptação, procura o re-equilíbrio no ambiente de trabalho. Pois se tem algo que Richard sabe fazer bem é vender sapatos. Christine (Miranda July) ganha a vida como taxista para a terceira idade. Nas horas vagas, desenvolve uma arte especial, multimídia, e sonha com o dia em que poderá expô-la. Os destinos de Richard e Christine começam a se entrelaçar quando ela leva um senhor de idade para comprar um par de tênis na loja onde ele trabalha. As personagens paralelas, que incluem uma menina que faz enxoval, uma dupla de amigas adolescentes e um admirador pervertido, a esquisita administradora do museu de arte moderna, contribuem para formar uma roda viva de interações. A produção Me, You and Everyone We Know, que marca o surgimento da cineasta e atriz californiana Miranda July, não tem nada de mais. É um filme de baixo orçamento e alta despretensão. No ano de seu lançamento (2005), ganhou o prêmio de Melhor Filme de Estreia, em Cannes, e o Prêmio Especial do Júri pela Originalidade da Visão, em Sundance; mas, a rigor, não inova em nada, não é feito para chocar, embora algumas cenas possam ser consideradas ofensivas ou sem propósito. E qual o propósito de um filme totalmente fora do mainstream, senão despertar reações opostas? Não me animaria a indicá-lo para ninguém – mas pagaria para ver de novo.

Breve História da Inglaterra

Tess, de Roman Polanski, um
dos muitos filmes citados
no livro 
Breve História da Inglaterra (a.k.a. O Romance da Inglaterra)

No primeiro semestre de 2006, alunos de Letras da Unisinos tiveram oportunidade de ler uma obra ainda não publicada. O autor, o professor e tradutor Elvio Funck, disponibilizou aos alunos uma cópia do seu “O Romance de Inglaterra”. A obra está em fase de revisão (ver entrevista abaixo) e, a julgar pelo interesse que tem provocado no meio acadêmico, tem tudo para ser um sucesso quando sair em livro.
Projeto construído ao longo de duas décadas, apresenta, de modo conciso e dinâmico, os mais importantes episódios da História da Inglaterra. Conciso, pois em menos de 300 páginas dá um apanhado consistente da trajetória do povo inglês, desde a invasão romana em 55 a.C. até o vigente reinado de Elizabeth II. Dinâmico, pois enriquecido com notas em que o autor dialoga com o leitor, salientando curiosidades, dirimindo dúvidas, citando filmes e livros, tecendo uma rede intertextual entre a história e a literatura da Grã-Bretanha.
Estruturado com uma explanação preliminar sobre a Inglaterra antes de 1066, a obra concentra o foco na ‘caleidoscópica história daquele país insular’ a partir desse ano. Dedica um capítulo a cada um dos 40 soberanos ingleses desde Guilherme, o Conquistador, até a atual Elizabeth II. Os capítulos contêm vários subtópicos e reservam espaço para destacar as maiores contribuições intelectuais e literárias de cada período.
No final do livro, uma série de ‘bônus’: uma árvore genealógica da casa real inglesa, uma lista dos poetas laureados ingleses, sugestões bibliográficas e, last but not least, uma seção intitulada “Reis e Rainhas da Inglaterra e o Cinema”. Enfim, uma obra essencial não só para o estudante da língua inglesa, como para todo apaixonado por história, literatura e... cinema!

Entrevista com o autor de Breve História da Inglaterra, a.k.a. O Romance da Inglaterra (concedida por e-mail)

Olhar Cinéfilo: Quando surgiu a ideia de escrever a obra?
Elvio Funck: Da necessidade que eu via de que os alunos de Literatura Inglesa tivessem um background mínimo da História política, social e literária da Inglaterra. É um mínimo. A Bibliografia deve ajudar os mais curiosos.

O.C: Quanto tempo, entre pesquisa e redação, este projeto envolveu? Quantas foram as obras lidas/consultadas?
E.F: O projeto vem desde a metade da década de 80, quando eu lecionava HISTORICAL BACKGROUND OF ENGLISH LITERATURE no Pós-Graduação de Literatura Anglo-Americana, na UFRGS. As obras consultadas estão listadas no final, mas muita coisa foi ficando na cabeça com leituras que eu nem saberia localizar.

O.C: Como foi o processo de redação?
E.F: Foi evoluindo lentamente, a partir dos xérox que eu dava a cada semana no curso de Lit Ing aqui na UNI (eram dois semestres sólidos antes das reformas). Quando eu comecei a redigir a versão definitiva, há uns três anos, eu já tinha muitas notas.

O.C: Quais os critérios utilizados na escolha do material a ser incluído?
E.F: Entre as obras, as mais indicadas na cadeira de História da Inglaterra que fiz no Pós e nas cadeiras de Literatura Inglesa, que foram as que mais frequentei. Procurei também ater-me a aspectos mais interessantes e curiosos e não a grandes elucubrações filosóficas ou literárias. O livro é um “primer”= cartilha.

O.C: Por que a decisão de fazer um capítulo para cada um dos 40 monarcas ingleses?
E.F. Achei que seria um bom “trilho” a seguir, dada a cronologia bem definida e dada a intenção de dar destaque maior à história mais do que à literatura.

O.C. Nessa pré-publicação, a lista da literatura inglesa termina em 1992. Essa lista será atualizada na versão a ser publicada em livro? Pode adiantar alguns autores britânicos contemporâneos mais importantes?
E.F. Pinter, Murdoch (falecida em 1999), Le Carré, Greene (já falecido), Naipul, Theroux, Lodge, Drabble, Spark, Stoppard, Amis (pai e filho), Jean Plaidy (Victoria Holt) ainda são destaque e notícia literária. Estou um pouco desligado dos “moderníssimos”. É difícil dizer os que vencerão a barreira do tempo... Quando o ROMANCE for publicado em livro (talvez no ano que vem), vou tentar entrar em contato com professores de Lit. Inglesa que conheci e que ainda estão na ativa. De qualquer forma, quanto mais lemos os modernos, tanto mais gostamos dos autores dos séculos anteriores...

O.C. Está prevista para quando a publicação? Qual editora?
E.F. Quem está disposto a publicar é o Prof. Jorge Appel, da Editora Movimento. Como ele já está com minha tradução (interlinear) do MACBETH e do KING LEAR, o Romance vai ficando um pouco para trás, mas não muito. Já está aprovado para publicação, mas exige mais revisões.

O.C. Quais são seus três autores ingleses preferidos? Quais são suas três obras literárias inglesas preferidas?
E.F. Deixando fora Shakespeare, JANE EYRE, THE RAZOR´S EDGE e THE BELL, só para te satisfazer, porque esta é uma pergunta quase impossível de responder. Autores: (fora Shakespeare): Boswell, Paul Theroux (adoro travelogues), Iris Murdoch, Thomas Hardy, Jean Plaidy (a grande dama do romance histórico). Preferidos neste momento...

O.C. Quais são suas três personagens literárias inglesas preferidas?
E.F. O herói (anti-herói) de LUCKY JIM (Amis), a própria Jane Eyre, e Larry de THE RAZOR´S EDGE. São os que me vêm à cabeça agora. Gosto também da Tess, de Hardy.

O.C. Que livro(s) o senhor está lendo hoje? E quais os novos projetos?

E.F. Estou lendo agora HOW FAR CAN YOU GO? de David Lodge. Novos projetos: continuar a fazer tradução interlinear (os editores pediram) e talvez um pequeno dicionário de Verb Government... Quem sabe um romance epistolar. “Mais projetaria, se não fora para tantos projetos, tão pouca a vida”.

Le Promeneur du Champ de Mars

Baseado no livro ‘Le Dernier Mitterrand’, de Georges-Marc Benamou, Le Promeneur du champ de Mars (O Último Mitterrand, 2005), do diretor Robert Guédiguian, retrata uma das personalidades mais importantes na história recente da França: o presidente François Mitterrand. Nascido em 1916 e falecido em 1996, vítima de câncer, Mitterrand governou a França por 14 anos, de 1981 a 1995. O título é uma referência às caminhadas de Mitterrand no 'Campo de Marte', área verde de Paris próxima à Torre Eiffel.
O jornalista Antoine Moreau (Jalil Lespert) grava uma série de conversas com o presidente, a fim de reconstituir a sua biografia. O filme alterna os diálogos entre os dois e reserva um espaço para desenvolver a personagem do jornalista e seus problemas conjugais e amorosos.
Mas o cerne do filme é mesmo a amizade que se cria entre o jornalista e o presidente. No filme, Mitterrand (Michel Bouquet) encontra-se no final de seu mandato, quando já enfrentava a doença que o levaria à morte. É retratado como um homem tolerante, ponderado, calmo, culto e, na maior parte do tempo, espirituoso. Cena memorável é aquela em que, depois de almoçarem ostras, os dois saem para caminhar na areia sob o céu cinza, e Mitterrand se põe a devanear com Antoine sobre mulheres.
Outro momento forte da película mostra Antoine trabalhando em seu apartamento, que está à venda. Recebe a visita da corretora e um casal interessado; o homem, possuidor de um importante cargo bancário, interpela Antoine sobre Mitterrand, não sem evidenciar certa ironia sobre a posição política do presidente. A reação de Antoine dá uma idéia do quanto ele admira o presidente e de como o vínculo formado entre os dois ultrapassa o relacionamento profissional e pode ser resumido numa palavra: respeito.
Mas esse não é um respeito cego. Se, por um lado, Antoine cria uma espécie de reverência pelo seu biografado, por outro, é exemplo de jornalista consciente, ao investigar os pontos obscuros da vida de Mitterrand, sobre os quais ele não demonstra vontade de esclarecer.
Está no Wikipedia: Michel Rocard, primeiro ministro francês entre 1988 e 1991, declarou que Mitterrand não era um homem íntegro. O filme de Robert Guédiguian dá uma idéia da personalidade do estadista François Mitterrand – sem a intenção de estabelecer julgamentos. Por isso, o espectador chega ao fim da empreitada com uma certeza: assistiu a um filme íntegro.

Uma vida nova

‘Road movie’ que acompanha o trajeto de Bihn, do interior do Vietnã, em busca do pai, que mora nos Estados Unidos. Ele nasceu da união entre um soldado ianque e uma moça vietnamita, durante a guerra entre os dois países. Esses mestiços são discriminados no Vietnã, e chamados de ‘menos que pó’.
Road movie é modo de dizer. São inúmeros os caminhos e os meios de transporte que Bihn utiliza em sua jornada. Monta no dorso de búfalos para singrar canais lamacentos; percorre os lagos em canoas para pescar traíras; pedala a velha bike até a cidade grande para achar a mãe e o pequeno meio-irmão; navega, primeiro no convés de um barco, e, depois, no porão de um navio, para atravessar mares e oceanos; nas rodovias americanas, viaja com outros imigrantes em caminhões e pega caronas em carrocerias de camionetes, tudo para alcançar o maior objetivo: conhecer o pai e iniciar uma vida nova.
A exemplo de Bihn, Uma Vida Nova também alcança os objetivos, mas de forma irregular. Maiores ressalvas são quanto ao roteiro, que oscila momentos de lirismo puro com situações forçadas. A roteirista não pensa duas vezes em fazer a história andar a qualquer custo. Pululam peripécias, reviravoltas, escorregões, fugas. A indecisa câmera do diretor norueguês Hans Petter Moland conta com o apoio de uma fotografia bem cuidada, uma trilha sonora competente e por último, mas não menos importante, a presença da exótica Bai Ling – no papel de uma prostituta por quem Bihn se apaixona.

Receita para um filme soporífero

Ingredientes:
Um best-seller não muito fiel à História
Um produtor esperto
Um celular
Um produtor executivo
Um roteiro não muito fiel ao Best-seller
Um diretor burocrático
Uma atriz irreconhecível
Um ator sorumbático
Alguns rolos de película a mais
Uma pitada de falta de química

Modo de fazer: Pegue um produtor esperto, com grande visão, e disponibilidade de capital idem, coloque-o em contato com um best-seller, não muito fiel aos fatos históricos, do tipo que se lê 'de um fôlego'. Deixe os dois em banho-maria, à beira de uma piscina, ou de alguma praia paradisíaca, por um fim-de-semana. Acrescente um celular. Aguarde uma semana para os contatos. Quando a massa estiver engrossando, polvilhe o produtor executivo, que irá contratar uma equipe de roteiristas adaptadores. Muito cuidado agora! A escolha do diretor é essencial para se obter uma ótima sonolência fílmica. Se conseguir o Ron Howard, ótimo! Coloque-o lentamente na fervura. Espere o diretor borbulhar e introduza, primeiro, a atriz irreconhecível e, em seguida, o ator sorumbático - sem esquecer da pitada de falta de química entre eles. Espere a mistura coalhar e enfeite com rolos de película a gosto.

Sirva de preferência à noite.

X-Men - The Last Stand

Um cientista descobre que seu filho é mutante e, depois de anos de pesquisa, desenvolve uma ‘cura’ para as mutações – uma substância que, num piscar de olhos, transforma o mutante em humano comum. Scott vai ao lago onde Jean parecia ter morrido (ver X-Men 2) e descobre que sua namorada está viva. Jean descobre que Xavier estivera todo esse tempo castrando seus poderes e a impedindo de utilizar toda sua energia. Xavier descobre que Jean é mais forte que ele, Storm e Wolverine juntos. A nova aluna que atravessa paredes descobre que para impedir o plano de Magneto precisa salvar o menino que deu origem ao antídoto. O menino-antídoto descobre que Magneto e seus novos mutantes revolucionários chegaram na ilha de Alcatraz para lhe matar e salvar a causa mutante. Magneto e seus novos mutantes revolucionários descobrem que Wolverine e Storm lideram a contra-revolução. Storm descobre que Wolverine ama Jean. Wolverine descobre que Rogue quer tomar a injeção anti-mutante para não ficar a vida toda sem tocar o namorado. Rogue descobre que o namorado foi andar de patins no lago congelado com a nova aluna que atravessa paredes. As paredes do cinema descobrem que as mulheres foram ao cinema para ver Wolverine e os homens, para ver Mistique. Mistique descobre que, sem suas exóticas escamas azuis, não serve mais para Magneto, e tampouco para o espectador. E o espectador descobre que pagou para ver personagens da Marvel mas acabou vendo uma versão piorada de Carrie, a Estranha.

Hamlet

O Hamlet encarnado por Ethan Hawke, apesar de viver em Nova York e manejar, nas horas vagas, uma filmadora digital, quando abre a boca, fala as mesmas palavras escritas por William Shakespeare em 1601. Esta foi uma bola dentro do diretor/roteirista Michael Almereyda. Não podendo competir com palavras perfeitas, as manteve, mudando o ambiente, o cenário, a época. A ideia não é nova – vide Romeu e Julieta de Baz Luhrman. Em Hamlet (2000), as cenas foram muito bem estudadas, a fim de fazer encaixar as falas no contexto do final do século XX. A decisão de manter, palavra por palavra, o texto original, paga o tributo merecido a Shakespeare. Já que o assunto aqui são as palavras, Harold Bloom, em Shakespeare, The Invention of the Human, comenta que "a conclusão mais shakespeareana de Nietzsche é puro Hamlet: podemos encontrar palavras apenas para aquilo que está morto em nossos corações, de forma que há necessariamente uma espécie de desprezo em todo ato de fala. O resto é silêncio; fala/discurso é agitação, traição, inquietude, autotormento e tormento dos outros."

As palavras que brotam destes personagens não são quaisquer palavras, são palavras perenes da literatura universal. Mas quanto à linguagem cinematográfica?? Aí que reside o triunfo maior do filme. Almereyda realiza um trabalho eficiente na adaptação de uma peça escrita em 1601 para o limiar do século XXI. O país vira a corporação Dinamarca. O castelo vira o prédio Elsinor. Algumas cenas, é claro, são cortadas. Bem dizer todo o primeiro ato. Algumas modificações são feitas. Marcelo vira Marcela, namorada de Horácio. Talvez para evitar qualquer conotação homossexual entre Hamlet e Horácio, os amigos inseparáveis. No Hamlet de Shakespeare, é Marcelo que fala: 

– Há algo podre no reino da Dinamarca.

 No de Michael Almereyda, este comentário é deletado. Mas as demais principais falas estão todas lá, inclusive o solilóquio To be or not be, that is the question (Existir ou não existir, aí está o problema, na tradução de Elvio Funck), que é murmurado, com um desânimo pungente, por um Hamlet perdido em meio às estantes da Blockbuster, mais especificamente, a seção de ação. Hamlet, tão detratado pela sua inação, avança e a câmera vai recuando, mostrando as placas ACTION afixadas às estantes. Sobre a intrigante personalidade de Hamlet, vale pinçar alguns comentários de Bloom, livro citado acima: 

 "Hamlet não faz nada prematuramente; algo nele está determinado em não ser superdeterminado".

 "A quintessência de Hamlet é nunca estar completamente comprometido a qualquer instância ou atitude, qualquer missão, ou mesmo a qualquer coisa". 

 "Hamlet é muito inteligente para aceitar qualquer papel, e a inteligência em si é descentralizada quando aliada ao desinteresse exacerbado do príncipe". 

 Bloom também reclama de um Hamlet que viu na Broadway, interpretado por Ralph Fiennes. Já Ethan Hawke desincumbe-se bem da tarefa... em sua interpretação, o aspecto sombrio de Hamlet é muito bem trabalhado. Destaques também para Julia Stiles – uma Ofélia perturbadora – e Bill Murray – no papel do controvertido Polônio. 

A cena final quase põe o filme a perder. Mas a principal falha de Michael Almereyda foi cortar o aspecto pândego e irônico de Hamlet. Mesmo não sendo um filme perfeito, quem assistir ao Hamlet do diretor Michael Almereyda e abominar, das duas uma, ou ambas: não gosta de literatura ou/e não gosta de cinema. 

Outras versões de Hamlet no cinema: 

1996: De Kenneth Brannagh, a mais extensa e fiel, com quase 4 horas de duração. 

1990: De Franco Zeffirelli, com Mel Gibson. 

1948: De Laurence Olivier, a versão "definitiva", Oscar de Melhor Filme e Ator.

Leitura recomendada: "Hamleto", traduzido pelo poeta brasileiro Tristão da Cunha. Disponível em e-book.

Missão Impossível III

A câmera hitchcockiana de Brian De Palma inaugurou, em 1996, a série Missão Impossível no cinema; com requinte e classe, o diretor de Dublê de Corpo e Os Intocáveis realizou um bom filme de suspense e espionagem, entremeado de algumas cenas de aventura. Em 2000, coube a John Woo, que, pelos seus maneirismos, coreografias e marcas registradas, é um cineasta do tipo ame ou odeie, dirigir a continuação, com menos estofo e mais cenas eletrizantes. Esse processo de pasteurização culminou, em 2006, com o vertiginoso Missão Impossível 3, do diretor J.J. Abrams (criador da série Lost), que contém nada além de ação.
Uma das críticas possíveis ao formato fílmico é a de que a existência de um protagonista descaracterizou o charme da série televisiva, que era o de uma mecânica de equipe, onde todos exerciam funções específicas e de igual importância. Já a ‘franquia’ MI tem Luther Strickel (Ving Rhames), presente nos três filmes, e ele, o onipresente e cada vez mais pasteurizado Ethan Hunt (Tom Cruise). Do primeiro ao terceiro filme da série, a massa muscular de Ethan foi inflando e a cinzenta definhando. As missões foram exigindo mais peripécias mirabolantes e menos esforços pensantes. No entanto (ou portanto?), a bilheteria norte-americana do primeiro alcançou 180 milhões e a do segundo, 215 milhões de dólares.
Tom Cruise de novo atua sem dublês; alguém poderia se perguntar se é por honestidade com a platéia ou por narcisismo, para provar a si que ainda é capaz. Ou será que Tom Cruise já chegou ao patamar que não precisa mais provar nada a ninguém? O fato é que Tom Cruise corre, pula, salta, escala, escorrega, se dependura, despenca, em suma, faz tudo que fazia há 20 anos melhor, mais rápido e mais eficiente. Para homens comuns, 44 anos equivalem a rugas de preocupação, calvície em estádio avançado e tufos de cabelos grisalhos; para Tom Cruise, a maturidade, experiência e charme irresistível. Enquanto noutros a idade provoca efeitos indesejáveis, para Tom Cruise é sinônimo de mais adequação, felicidade e produtividade. Como se isso não bastasse, Tom Cruise está na idade em que atinge várias gerações de corações femininos.
Por conta disso, do maquiavélico vilão Owen Davian, interpretado pelo oscarizado Phillip Seymour Hofmann, de Zhen, a bela agente de traços orientais (Maggie Q), e do roteiro alucinante, que não privilegia o raciocínio, pode-se esperar que o terceiro supere a bilheteria dos dois primeiros.

Crime Ferpeito

Rafael é chefe do setor de roupas femininas mas quer o cargo de gerente do andar. Para obter a promoção, que sedimentaria sua posição de garanhão acostumado a traçar todas as belas vendedoras do setor de roupas femininas, precisa vender mais que o concorrente à vaga, Don Antônio, chefe do setor masculino. Lourdes, por sua vez, é uma das poucas mulheres que trabalham com Rafael e nunca foram assediadas por ele: é feia como um raio. Mas acalenta o desejo secreto de um dia ter Rafael na cama.

Don Antônio vence a competição interna e usa o poder de seu cargo para rebaixar Rafael; num dia os dois entram em contenda corporal nos provadores, e a luta resulta no óbito do asqueroso chefe. Mas uma pessoa que estava na cabina ao lado, da qual Rafael só consegue ver os sapatos, é testemunha de tudo e começa a chantagear Rafael.
Essas são as ideias iniciais de Crime ferpeito, meticuloso estudo sobre os efeitos da feiúra humana realizado pelo diretor espanhol Álex de la Iglesia (O dia da besta, O bar). 

 
Especializado em uma mistura de horror e humor tétrico, Iglesia demonstra timing para comédia e faz bom trabalho na tarefa de criar e manter o interesse da audiência a maior parte do tempo. Repleto de citações explícitas e implícitas de filmes de suspense, entre eles Encurralado, de Steven Spielberg, o terrir espanhol apenas peca na metragem um pouco estendida (1h43min).



Quase tão divertida e movimentada quanto a película foi a sessão, que incluiu a retirada de uma vovó horrorizada com seu netinho ao presenciar a cena em que uma das vendedoras cavalga Rafael numa das camas da loja, a quase queda no escurinho do cinema de um incauto espectador nos degraus perigosos do Aero Guion e as gargalhadas histriônicas e exageradas de um senhor que às vezes provocavam mais risos que as próprias cenas.

Terapia do Amor

A produtora Rafi (Uma) se vê, no esplendor físico e intelectual de seus 37 anos, divorciada e sem fihos. A sua psicóloga (Meryl Streep) tenta ajudá-la a substituir a frustração de um relacionamento onde primava a mentira pela oportunidade de vida nova. Não demora, ela volta a sair com os amigos. E qual o programa ideal para desopilar, purgar os males, alcançar a catarse, ver gente nova? O cinema, é claro. É reprise de um filme de Antonioni e na fila Rafi conhece o aspirante a pintor Dave (Bryan Greenberg), que, mesmo acompanhado, se encanta com Rafi. Poucos dias depois procura o nome dela no guia telefônico.
Tudo seria perfeito não fosse um detalhe: Dave tem apenas 23 anos. Rafi e Dave começam um embate entre o raciocínio e a pele, a lógica e o desejo, a segurança e o risco, o futuro e o presente, mediado sempre pelas visitas semanais de Rafi à terapeuta. Dave mergulha pra valer no namoro, afinal, Rafi tem cabelos loiros, olhos azuis, feições marcantes, papos articulados, finanças estáveis e, last but not least, curvas perfeitas – e carentes. Rafi, por sua vez, é mais cautelosa e não se entrega inteira.
O filme de Ben Younger, cientista político que já trabalhou como assessor, garçom, motorista e estreou na direção com O Primeiro Milhão (Boiler Room, 2000), é o tipo de ‘comédia romântica’ não descartável, que costura, com humor inteligente, situações que envolvem aceitação e personagens secundários que fazem a diferença, como o impecável porteiro do prédio de Rafi e a bisavó de Dave – que demonstra de modo inusitado sua indignação e perplexidade.

Um Herói do Nosso Tempo

Radu Mihaileanu não é um cineasta muito prolífico. Sua filmografia engloba Trahir (1993), Train de Vie (Trem da Vida, 1998) e Va, vis et deviens (Go, See and Become / Um Herói de Nosso Tempo, 2005). Xodó do público no Festival de Berlim, vencedor do César de Melhor Roteiro Original, a nova película do diretor romeno está em cartaz no Guion, em sessões concorridas. Seus projetos são demorados mas sempre contundentes. Trem da Vida chamou atenção pela originalidade e ousadia da história. E ao acender das luzes de Um Herói de Nosso Tempo, queda o público imóvel, como que envolvido por uma forte carga emotiva, e como quem demora um pouco para se recompor e/ou disfarçar as lágrimas.
O apelo ao sentimento é uma constante nos 140 minutos do longa-metragem, que parte de um fato histórico, a Operação Moisés, que removeu em 1984 milhares de falashas (judeus etíopes) de seu país de origem para uma nova vida em Israel. Ao contar as peripécias de Schlomo, menino, adolescente e jovem adulto, a produção franco-israelense debate temas como fome, amor filial e ao torrão natal, discriminação racial e religiosa, adoção, relações familiares, descoberta da sexualidade e idealismo.
A diversidade étnica mostrada no filme aparece no elenco. Yaël Abecassis (israelense) e Roschdy Zem (francês filho de marroquinos) interpretam mãe e pai adotivos de Schlomo. Três atores talentosos vivem o personagem principal: o primeiro é Moshe Agazai, de 11 anos, nascido em Rehovot, um dos subúrbios pobres de Tel Aviv; Mosche Abebe (16), nascido em Adis Abeba, capital da Etiópia e Sirak M. Sabahat (25), de Walita, norte da Etiópia. A mais jovem participante do elenco é a comportada e meditativa Rivkalée Abravachy. Nascida há 5 anos num kibutz a 40 Km ao norte de Tel Aviv, interpreta Mandala, a vaca holandesa. Outra promissora atriz é a namorada de Schlomo (Roni Hadar).
Problemas na cadência do filme – a história é contada sem pressa até uma altura e então passa a acelerar demais – não chegam a comprometer a força da obra. Um diálogo possível ao final do filme é trocar idéias do tipo “Em que parte você chorou?”

Stephen Frears Apresenta

Ashes to ashes, dust to dust. Assim começa o novo filme de Stephen Frears (Minha Adorável Lavanderia, Ligações Perigosas): Sra. Henderson Apresenta. No enterro do Sr. Henderson, uma circunspecta viúva está prestes a tomar as rédeas de sua fortuna. Contenção britânica: a viúva não derrama uma lágrima durante o funeral. Para desabafar, tão logo a esquife é baixada e o povo dispersa, pede ao motorista para pegar um desvio e descer ao cais. Toma um bote, rema até o meio do rio e, ao se ver sozinha, chora. Aparece outro barco e ela silencia de novo.
Não há viuvez, porém, que não faça bem: a serelepe Sra. Laura Henderson, ninguém menos que Judi Dench, compra um teatro velho e manda reformá-lo. Falta, entretanto, alguém com know-how e pulso para transformar a renovada casa num empreendimento de sucesso. Ela procura uma pessoa capaz de coordenar tudo. A cena em que contrata o gerente Vivian Van Damm (Bob Hoskins) é um bom exemplo do que uma grande atriz e um grande ator podem fazer quando o script ajuda.
Sra. Henderson gosta do perfil do gerente. Ele é teimoso, sabe o que quer e tem idéias ousadas. Logo de cara resolve adotar um sistema de espetáculos contínuos, em vez de apenas dois espetáculos diários. A idéia é um sucesso e o teatro prospera.
O palco está pronto para Stephen Frears nos apresentar a sua singela história de esperança em meio a uma Londres prestes a ruir – não tarda a estourar a Segunda Guerra Mundial. O Windmill Theater, depois de um começo meteórico, enfrenta dificuldades pelas imitações da concorrência. É preciso inovar. Sra. Henderson usa de sua perspicácia e influência para conseguir autorização para expor a nudez das atrizes. Consegue a permissão, desde que as 'partes pudendas' sejam devidamente depiladas e as atrizes desnudas permaneçam imóveis no palco.
Mamilos, seios e ventres; dorsos, espáduas e nádegas; colos, costelas e coxas: o público ávido volta a lotar a casa. De estático, porém, o enredo não tem nada. Desenrolam-se elementos como o ciúme que Sra. Henderson demonstra ao saber que o gerente do teatro é casado; a atriz que despe o corpo mas não o entrega a ninguém; o filho de Sra. Henderson, morto na Primeira Guerra, que jaz num cemitério francês; os bombardeios sobre uma Londres estupefata e impotente. Tudo Stephen Frears apresenta com propriedade e faz de Sra. Henderson Apresenta um bom acréscimo à sua respeitada filmografia.

Anjos da Noite - A Evolução

Durante a sessão, uma pessoa dirigia a outra perguntas do tipo “Por que ele é um híbrido?”, “O que aconteceu mesmo no primeiro filme?”, e assim por diante. Na verdade, vamos combinar, pouco importa se você viu ou não o primeiro filme.

A continuação dá um breve insight dos fatos, mas tudo isso é irrelevante. Tanto a primeira como a segunda película sustenta-se não pelos meandros da trama, mas sim pela silhueta, os cabelos, a roupa, a tez e os olhos de Selene, a gótica heroína, encarnada por Kate Beckinsale.
A atriz nascida em 1973 na Inglaterra superou a anorexia da adolescência e estreou no filme ‘Muito Barulho por Nada’ (1993), de Kenneth Brannagh. Sua filmografia inclui The Prince of Jutland (1994), Cold Comfort Farm (1995), Brokedown Palace (A Viagem, 1999), The Golden Bowl (A Taça de Ouro, 2000), Pearl Harbor (2001), Escrito nas Estrelas (Serendipity, 2001), Anjos da Noite (Underworld, 2003) e Van Helsing (2004). Fará par romântico com Adam Sandler na comédia Click (2006).
Sobre o conteúdo (?) de Anjos da Noite – A Evolução, a dizer, apenas, que remete às origens da divisão genética entre lycons (lobisomens) e vampiros, em que dois irmãos, na Idade Média, bifurcaram as linhagens. De quebra o roteiro traz vários intertextos espalhados, em especial citações do cult movie “Quando Chega a Escuridão”, de Kathryn Bigelow, em que uma troupe de vampiros atravessa as planícies norte-americanas num trailer.
A bonita fotografia argêntea e algumas cenas valem o filme: Kate pilota um caminhão enquanto Michael, o namorado híbrido, tenta repelir o ataque do vampiro primigênio; a dupla de heróis invade um antro guardado por lycons a fim de conseguir informações importantes e o embate final na caverna inundada contra os dois irmãos seculares. Catarse dark.

O Plano Perfeito

Fazer reféns num banco não é novidade no cinema. Já rendeu pelo menos um pequeno clássico do diretor Sidney Lumet – ‘Um dia de cão’, em que um Al Pacino alucinado e seu bando invadem o banco com o nobre objetivo de arrecadar grana para a operação de troca de sexo de seu amante (Chris Sarandon).
No filme Inside Man (2006), de Spike Lee, novamente um banco é alvo do ataque de uma quadrilha, desta vez mais organizada. O quanto essa quadrilha é organizada, aliás, é recomendável não se comentar. Melhor que o espectador perceba ao longo do filme. Os motivos para o roubo? Também o espectador pode tirar suas conclusões, ou acreditar no que diz Dalton Russel, o líder da quadrilha (Clive Owen). Afirma ter feito tudo apenas para provar que... era capaz de fazer.
Sucesso de bilheteria, o filme representa um passo de Spike Lee para longe de seus temas familiares, étnicos e sociais. Pululam os clichês: nesse tipo de filme, para lidar com a situação toda, sempre é chamado um detetive negociador. Lá vem o indefectível Keith Frazier, personagem de Denzel Washington e seu pseudo bom-mocismo. Exigências são feitas pelos seqüestradores-ladrões. Policiais tentam ganhar tempo e enrolar. Represálias dos seqüestradores, que são (ou se acham) sempre mais inteligentes, espertos e violentos que a polícia. E para (tentar) aumentar o suspense, que tal uma inverossímil história de bastidores envolvendo o dono do banco e seu obscuro passado?
No fim das contas, a pergunta que o fora-da-lei se faz no começo sobre o motivo do roubo, pode ser dirigida a Spike Lee, o autor de Faça a Coisa Certa, sobre o motivo de ter realizado este filme. Por que?