Um lugar para recomeçar

An unfinished life (2005) é um filme bem ao estilo do sueco Lasse Hallström. Adepto das histórias intimistas e dos dramas familiares, debateu a transição para a adolescência em Minha Vida de Cachorro (Mitt liv som hund, 1985), filme que o lançou internacionalmente. No início dos anos 90, radicou-se nos Estados Unidos sem perder o olhar sensível. Retratou como é ter um irmão deficiente em Gilbert Grape, aprendiz de sonhador (93), contou a saga de uma família apaixonada por hipismo em O poder do amor (95), debateu o aborto em Regras da vida (99), explorou as sensações do paladar com Chocolate (2000) e dissecou a mediocridade humana em Chegadas e partidas (2001). Este teve péssima recepção da crítica, tanto que deixou o diretor por 4 anos afastado. Em 2005, porém, retornou com dois filmes: Um lugar para recomeçar, estreia da semana, e Casanova (inédito).


Pela introdução, o incauto visitante pode perceber que o anfitrião deste blog tem especial admiração pelo trabalho do diretor. Pois é, sou assim. Não consigo esconder minhas preferências. Acredito no cinema autoral, por isso, quando gosto muito de um filme, anoto o nome do diretor. Não tem mistério. É tão simples isso. Mas 99% das pessoas que vão ao cinema não estão nem aí para o diretor. Vão ao cinema para ver este ou aquele ator, aquela ou essa atriz. Além de guardar o nome do diretor, sou um cinéfilo fiel. Pode a crítica descer o malho no cara, que eu defendo. Isto explica o nome deste blog. O olhar aqui é de cinéfilo. Condescendente, apaziguador, tolerante.

Um lugar para recomeçar conta a história de uma jovem e bela viúva (Jennifer Lopez), mãe de uma menina de onze anos, que é obrigada a fugir da cidade para não ser mais espancada pelo namorado. Foge para um rancho numa pequena cidade do estado de Wyoming, onde mora o avô de sua filha (Robert Redford), na companhia do amigo e sobrevivente a ataque de urso (Morgan Freeman). A princípio as duas recém-chegadas são mal recebidas, mas recebem um quarto no porão. Aos poucos, ao reconhecer na neta as características do filho morto, o rabugento rancheiro começa a gostar da menina e ensinar coisas a ela.



Outros personagens são o urso cujo destino será uma surpresa, o xerife bonachão e o namorado psicopata - que, como seria de esperar, vai atrás da Jennifer Lopez. Mais um filme com as marcas de Lasse Hallström: sensibilidade, ternura e reflexão.

A Pantera Cor-de-Rosa

Nomeado inspetor pelo chefe da polícia (Kevin Kline), Clouseau (Steve Martin) investiga o mistério que envolve a morte de um treinador de futebol ocorrida no estádio lotado e o roubo do raro diamante que lhe pertencia - Pink Panther. Pateta como ele só, o Inspetor Clouseau, com um ajudante fiel (Jean Reno) com quem vive brigando e uma secretária apaixonada com quem vive flertando, enfrenta muitos perigos e muitas peripécias na tentativa de solucionar o crime. Melhor não comparar esta nova roupagem com a seqüência de filmes dirigidos por Blake Edwards e estrelados por Peter Sellers.

Ponto final

Enquanto trata da carne, da traição e da conveniência, o filme de Woody Allen não deixa a desejar. Em grande parte, pela tórrida entropia alcançada pela dupla Scarlett Johansson e Jonathan Rhys-Meyers. A cena em que fazem amor no trigal sob a chuva entra, desde já, para a galeria das cenas clássicas de entrega e pecado. Porém, e sempre há um porém, o desenlace deste romance perigoso muda o rumo – e o gênero do filme. O drama romântico transforma-se num policial – e o filme descamba para o lugar comum. Vira um pastiche, uma versão moderninha de 'Atração Fatal', com desfecho pra lá de exagerado. Pra piorar, de policial, o filme tenta dar uma guinada para a comédia. Como se, para justificar tanta apelação, o diretor precisasse demonstrar que continua espirituoso, complementando tudo com um 'toque genial'. A sensação é que o novo filme de Woody Allen é uma piada de mau gosto. E ponto final.

Johnny e June

O título original do filme de James Mangold é "Walk the Line", canção de Johnny Cash. Andar na linha é algo que o carismático cantor não fez em sua trajetória. Depois de um meteórico início de carreira, enveredou pelo perigoso caminho de misturar álcool e anfetaminas, tornando-se um viciado quase incorrigível. O que o salvou foi, de um lado, o amor à música e, de outro, a paixão por uma mulher. June (interpretada por Reese Witherspoon, favorita ao Oscar de Melhor Atriz) faz amizade com Johnny (Joaquin Phoenix) quando ambos são casados com outras pessoas. Cria-se um laço forte devido aos interesses comuns e aos constantes encontros nas turnês. Baseado na autobiografia do influente cantor, o filme aborda outros aspectos da vida do cantor, como a relação com o pai e a formação de uma geração de novos músicos talentosos - entre eles Jerry Lee Lewis e Elvis Presley.

Crash

Concorre a Oscar de Melhor Roteiro Original o filme de Paul Haggis sobre a intolerância, a discriminação e a violência étnicas em Los Angeles, nos Estados Unidos da América. Bem amarrado e concebido, com certos toques de humor não politicamente correto, liga várias personagens, cujos destinos se entrelaçam numa rede intricada de relações humanas, influenciadas pela etnia de cada pessoa. Caucasianos: o promotor e sua paranóica esposa (Brendan Fraser e Sandra Bullock) e uma dupla de policiais, um experiente e racista (Matt Dillon), outro novato e bem intencionado (Ryan Philippe) ; afro-americanos: uma diretora de plano de saúde (Loretta Devine), um diretor de TV e sua mulher (Terrence Howard e Thandie Newton), um investigador da polícia (Don Cheadle) e dois jovens transgressores da lei (Larenz Tate e Ludacris) ; latinos: uma policial (Jennifer Esposito) e um técnico de fechaduras (Michael Pena), sua mulher e filhinha; persas: uma família proprietária de uma mercearia constantemente vítima de assaltos; um casal de coreanos e um grupo de cambojanos.
A aterradora realidade retratada em Crash lembra-nos que vivemos num mundo desassossegado, onde prima a desconfiança, o desrespeito; onde nada é permanente, tudo é tênue e delicado; onde uma ação impensada acarreta reações imprevisíveis. Um mundo cuja harmonia está prestes a se quebrar em pedaços.

Capote

A atriz Catherine Keener e o ator Philip Seymour Hofmann concorrem ao Oscar pelo filme Capote, dirigido por Bennett Miller.
Interpretando Nell Harper Lee - a autora do best seller "To Kill a Mockingbird", e amiga íntima do jornalista Truman Capote - Catherine Keener entrega uma atuação sóbria, digna da indicação para Best Actress in a Supporting Role. Philip Seymour Hoffman, por sua vez, de maneira minuciosa, fixa o sotaque, adota o timbre de voz, encarna os trejeitos e jeitos de Truman Capote. Não é à toa que é dos mais cotados a abiscoitar o Oscar de Melhor Ator.
Capote conta a história dos bastidores de "A Sangue Frio", o livro que inaugurou uma nova espécie de jornalismo - o jornalismo literário - e fez de seu autor o mais lido e vendido do início dos anos 60, nos EUA. Ao ler uma notícia de capa de um jornal de Nova Iorque sobre o assassinato de 4 pessoas da mesma família no estado de Kansas, Capote, então já famoso pela autoria de Breakfast at Tiffany's (Bonequinha de Luxo), resolve empreender um trabalho investigativo paralelo ao da polícia, envolvendo entrevistas com amigos das vítimas, pessoas da comunidade, policiais e - mais tarde - com os acusados do crime.
Para desenvolver o trabalho, Truman tem a companhia e a ajuda da amiga Nell Harper Lee (Catherine Keener). Os dois suspeitos do crime são condenados à morte por enforcamento e Capote intercede para que eles tenham direito à apelação. O projeto do livro - bem como o processo judicial - dura quatro anos e resulta na amizade entre Truman Capote e Perry Smith, um dos acusados.
O filme de Bennett Miller, além de destacar qualidades (bom humor, presença de espírito, inteligência, sangue frio) e defeitos (falsidade, egoísmo e hipocrisia) de uma das personalidades mais controvertidas e influentes do século XX, detalha os dilemas morais e éticos que envolvem a redação de um best-seller como "In Cold Blood."

Mulheres que correm

Ei-las. No parque, na praia. O rabo de cavalo balança de um lado a outro, no ritmo das passadas. Concentração estampada no rosto decidido. A respiração comanda o movimento harmonioso, o jogar equilibrado dos braços, o arremessar das pernas torneadas. Mulheres que correm.

No Parcão, na Redenção... Nas manhãs, nas tardes, na boca da noite... Indiferentes aos olhares e aos flertes, elegantes, tesas, alvoroçadas, sem destino, pensando em nada além da próxima curva, da próxima subida – da próxima volta. O coração palpita. Os poros abrem. O suor escorre... mulheres que correm.

Atravessando as ruas, aventurando-se no meio dos carros, lá vêm elas! Enfim chegam à calma e ao verde dos parques, por seus caminhos se embrenham, misturam sua energia, sua vida, sua essência, acrescentam um toque a mais de viço, saúde e delicadeza ao ambiente.

Correm, esvoaçantes ou pesadonas, esquisitas ou discretas, delgadas ou fofas, desajeitadas ou estilosas... Como gazelas, seriemas e potras... Ou como búfalas, hipopótamas e pingüins. Pra emagrecer, pra manter a forma, pra conquistar um novo namorado, pra manter o atual, pra espantar a preguiça, pra cultivar a disciplina, pra suprir a necessidade imperiosa de correr, correr, correr... Impacientes, impulsivas, irrequietas – mulheres que correm.

Mas não só de corridas literais vivem as mulheres. Atletas ou não, elas sempre estão correndo contra o tempo, por variados motivos. Para chegar ao trabalho, levar as crianças na escola, fazer o super, manter a casa, o penteado, encontrar as amigas, atirar-se aos braços de alguém... Para chegar na hora da aula, fazer o tema, ler uma pilha de livros, escrever o trabalho de conclusão e satisfazer o namorado... Para preparar a lição, ir à reunião, corrigir as provas, revisar a matéria, respirar trabalho, para esquecer o coração...

Elas correm nos eixos – ou descarrilam. Correm na órbita – ou se desviam. Correm na rodovia – ou pegam atalhos. Correm para cumprir os compromissos – ou fugir deles. Correm para evitar o perigo – ou senti-lo nas veias. Correm para se preservar – ou se entregar. Correm para o marido – ou amante. Para o lar – ou motel. Para a redenção – ou perdição! Responsáveis, estóicas, seguras. Delicadas, inconseqüentes, perdidas... Mulheres que correm.

Wild at Heart

Tempestuoso, imorredouro, violento. Flamejante, imprevisível, engraçado. Surpreendente, quente, comovente. Inquieto, agitado, genuíno. Puro, doce, insubstituível. Fértil, exacerbado, pulsante. Visceral, incontrolável, selvagem.

Assim é o amor entre Lula e Sailor. Assim é o gênio do diretor David Lynch e o talento do músico Angelo Badalamenti. Assim é cada fotograma do vencedor da Palma de Ouro em Cannes de 1990: Coração Selvagem.

Há filmes que têm este dom: por mais que as revisitas se acumulem, a diversão, o riso, a ternura e a emoção se renovam. Já se sabe o que vai acontecer. Já se sabe o que cada personagem vai fazer, o que cada um vai falar. Dir-se-ia que, entre os adjetivos acima, ‘imprevisível’ e ‘surpreendente’ não se encaixam. Ledo engano. Cults como Wild at Heart, a cada nova sessão, para matar as saudades, para celebrar a magia do cinema, ou, motivo mais palpável - mostrar para alguém que ainda não viu - nos remetem à primigênia e original sessão. Emoções já sentidas ganham um quê de frescor, uma lufada de brisa, um novo colorido. Não, não há novo detalhe a ser percebido. Não é este o motivo de rever um cult. Um cult movie é revisto pelo orgulho de mostrar, pela emoção de reviver...
Pela necessidade de aplacar o coração selvagem.

A mão delicada de Lula, unhas pintadas de vermelho, abrindo-se na hora do êxtase. Os fósforos riscados, os cigarros acesos. As palavras que Laura Dern e Nicolas Cage trocam na cama, depois de fazer amor. A jaqueta de couro de cobra, que representa, para Sailor, sua crença na individualidade e na liberdade pessoal. Os dois saindo pra dançar na noite, quando Sailor interrompe a banda para repreender um incauto que dá em cima de Lula e, de quebra, pede o microfone para cantar “Treat me like a fool, treat me cruel, but love me”, para sua amada. Os dois parando à beira da estrada para dançar rock, e beijarem-se ao pôr-do-sol; as roupas na estrada, o acidente na madrugada, a moça desesperada - ao som de Wicked Game de Chris Isaak. O asqueroso Bobby Peru tentando perverter Lula... Alguns motivos para cultuar Coração Selvagem.

Ah, sim. Faltou um motivo – ou melhor, um adjetivo – a tantos citados. Coração Selvagem é simplesmente... romântico.

Brokeback Mountain

Ang Lee não escolhe gênero nem praia: da comédia (Banquete de Casamento, 1993; Comer, Beber, Viver, 1994) ao drama de época (Razão e Sensibilidade, 1995), da conturbação familiar (Tempestade de Gelo, 1997) à guerra civil americana (Cavalgada com o Diabo, 1999), da arte marcial (O Tigre e o Dragão, 2000) à banda desenhada (Hulk,2003), o cineasta nascido em Taiwan, em 1954, imprime sua marca.
Qual seja: uma contenção de estilo prussiana. As tomadas são rigorosamente discretas, porém imbuídas de apurado senso estético. O que cria um ambiente propício ao talento dos atores aflorar. É o caso de Brokeback Mountain (2005).

Heath Ledger e Jake Gyllenhaal são Ennis Del Mar e Jack Twist. Em 1963, os dois são contratados para cuidar de um rebanho de ovelhas numa temporada nos verdejantes vales da Brokeback Mountain, no estado de Wyoming. Baseado no conto homônimo de Annie Proulx, o roteiro compreende duas décadas na vida dos protagonistas. E, já que os distribuidores pedem 'segredo', fico por aqui na 'sinopse'.

Desde já, Ledger e Gyllenhaal se inscrevem na galeria de atores que viveram paixões homossexuais: Daniel Day-Lewis e Saeed Jaffrey (Minha Adorável Lavanderia, 1985), Alfred Molina e Gary Oldman (O amor não tem sexo, 1987) e James Wilby e Hugh Grant (Maurice, 1987). Ambientados em outros lugares e momentos, os filmes de Stephen Frears e James Ivory
têm em comum com o de Lee o fato de abordarem o tema sem hipocrisia.

Michelle Williams interpreta a mulher de Ennis, e o nome da sua personagem revela aquilo que Brokeback Mountain tem de sobra: Alma.

Paradise Now

Como se sente um homem-bomba? Que motivos e justificativas o movem? Que rituais vive nas horas que antecedem a auto-explosão? Que jovens são estes? Fanáticos manipulados, a serviço de organizações radicais, ou cidadãos politizados, capazes de um ato de desespero e desesperança? Têm família? Amigos? Namorada? Acreditam no paraíso?

É intenção desta co-produção holandesa e palestina de 2005, com locações em Israel, faixa de Gaza e Palestina – vencedora do Globo de Ouro e concorrente ao Oscar de Melhor Filme Estrangeiro –, debruçar-se sobre esses delicados assuntos. Hany Abu-Assad, o realizador, estreou em 2003 com ‘Rana’s Wedding’.

Dois mecânicos da costa oeste da cidade de Nablus são voluntários para participar de uma operação de um grupo terrorista palestino. Cada um carrega no próprio corpo os explosivos, a serem detonados no meio de israelenses. Cada um leva seus próprios e especiais motivos. Cada um tem, também, suas dúvidas. Que se intensificam num deles quando uma atraente moça retorna à cidade poucos dias antes da operação.

Munique

É difícil escolher o que é melhor em Munique: o roteiro, a fotografia, a montagem, os atores, a música – ou a direção. Deixe-me reformular a frase: ir ao cinema para ver um filme de Steven Spielberg é a certeza de retorno do investimento.

O roteiro, baseado no livro “Vengeance” (1984), de George Jonas, que conta a história do grupo anti-terrorista formado em reação ao ataque que vitimou a seleção olímpica de Israel, em Munique 1972, não é maniqueísta – relata os fatos e dá humanidade àqueles que vão morrer, de ambos os lados. O autor do livro original, “Vengeance”, teve, como principal fonte, o líder do grupo anti-terror, vivido no filme por Eric Bana.
A fotografia sombria do cinegrafista Janusz Kaminski enfatiza cores neutras, dias nublados, luzes difusas, ambientes escuros e ações noturnas, conferindo um efeito estético importante à obra, em que o realismo se sobrepõe à esperança. O sol pouco brilha em Munique.
A edição alterna cenas de uma das ações terroristas mais chocantes da história – a invasão, em 1972, da vila olímpica pelo grupo terrorista palestino Setembro Negro, tomando como reféns os atletas da delegação de Israel, e seu funesto desdobramento – com a operação secreta subseqüente, organizada para eliminar os mentores e colaboradores dos terroristas. A mescla tem dupla função: dinamiza, dá agilidade à história; e, ao mostrar pontos de vista diferentes de maneira sucessiva, procura entender a polarização das verdades de cada povo.
No elenco não há rostos populares. Eric Bana (Tróia, Hulk) é a escolha certa para Avner, o agente líder da equipe que rastreia e mata as pessoas de uma lista que lhe é entregue. De compenetrada, contida, sua personagem passa a desassossegada e atormentada. Geoffrey Rush é Ephraim, a quem Avner presta contas. Destaque também para a novata Ayelet July Zurer, que interpreta Daphna, a fiel esposa de Avner.
Os não poucos momentos de tensão são sublinhados pela trilha angustiante do compositor John Williams.
Last but not least, o diretor que ‘influenciou gerações’ de espectadores e cineastas, Steven Spielberg, não aparece muito. Nascido em 1947, o tempo imprimiu ao estilo de Spielberg uma sobriedade e um recato louváveis. A variedade dos temas e a suprema habilidade de farejar uma história interessante e que vale a pena ser contada são suas marcas registradas. Decidir o ângulo e a posição da câmera? Isso já não o preocupa. Há um bom tempo ele não precisa mais chamar a atenção para si. Inventa cada vez menos, segue o roteiro à risca – e faz filmes primorosos.

Orgulho e Preconceito

A novela Pride and Prejudice, de Jane Austen, teve sua primeira edição em 1813 e, em 1940, a primeira adaptação ao cinema – com Laurence Olivier e Greer Garson. A obra de Jane Austen costuma render filmes de estilo. Por sua abordagem e ambientação clássicas, e o apuro da linguagem, em 1995, Razão e Sensibilidade valeu o Oscar de Melhor Roteiro Adaptado a Emma Thompson.

Entretanto, Orgulho e Preconceito (2005), filme de estreia do diretor Joe Wright, não ambiciona ser um filme de época "irretocável". O foco é no que o argumento de Jane Austen tem de atual: a vontade de cinco irmãs de acharem seus respectivos príncipes encantados. A obsessão de uma mãe em casar, de preferência com bons partidos, as cinco maravilhosas, airosas e prendadas filhas – único capital da família Bennet. Por fim, o jogo de sedução entre um homem recatado (Darcy) e uma moça linda (Lizzie).

Elizabeth Bennet, a Lizzie, é a segunda das cinco filhas. É interpretada pela estrela em ascensão Keira Knightley. A atriz de 23 anos atuou, entre outros filmes, em Episódio I (1999), Piratas do Caribe (2003), Simplesmente Amor (2003) e Domino (2005). Lizzie num baile se interessa por Darcy, amigo do rico Sr. Bingley, que, por sua vez, se interessa pela mais velha das senhoritas Bennet. O aristocrata Darcy, entretanto, aparenta indiferença aos encantos de Lizzie.

O preconceito de Darcy (Matthew Macfayden) vai por água abaixo quando descobre-se perdida e desvairadamente apaixonado pela desconcertante Lizzie. Tudo complica quando, numa conversa com um amigo em comum, Lizzie descobre mais sobre a complexa personalidade de Darcy.

Sem pretensões, leve e pleno de humor, com um casting excelente, que inclui Donald Sutherland, Brenda Blythen e Judi Dench, este filme tem outro mérito: o de nos lembrar que há sentimentos mais importantes que orgulho e preconceito.

As loucuras de Dick e Jane

A premissa até não é ruim: analisar, pelo lado cômico, a situação vivenciada por funcionários de grande conglomerado empresarial que, embora apresente balanços lucrativos, está à beira da falência. Dick (Jim Carrey) é promovido a VP de comunicação de sua empresa. No primeiro dia na nova função, porém, é bombardeado em rede nacional de TV por uma série de perguntas para as quais ele não tem resposta. Neste meio tempo, a esposa, por sugestão dele, pede demissão do trabalho. A empresa de Dick vai à bancarrota e o casal vê-se desempregado, com um filho e uma empregada para sustentarem. O tempo vai passando e nenhum dos dois consegue novo emprego. O filme padece do principal problema atual das 'comédias' americanas: as situações são forçadas, o humor é exagerado, e as risadas são mínimas.

Querida Wendy

Com locações na Dinamarca e Suécia, produzido na Alemanha, Querida Wendy tem estreia nacional nesta sexta-feira. Conta o relacionamento entre Dick (Jamie Bell, de Billy Elliot) e sua amiga Wendy. A delicada, bonita e sensual Wendy. O filme começa numa situação quase final (Dick escrevendo uma carta para Wendy), explica o que aconteceu para tudo chegar naquele ponto, para então desembocar na desconcertante seqüência desenlace.
Assustados com a violência crescente na cidade, adolescentes pacifistas de Etherslope, pequena cidade do sudeste americano, sem o conhecimento do xerife da cidade (Bill Pullman), criam grupo de encontro semanal numa indústria abandonada com o paradoxal objetivo de estudar armas de fogo. Autodenominam-se ‘Dândis’, treinam tiro-ao-alvo, assistem a vídeos de medicina forense, fazem manutenção dos revólveres e pistolas e fortificam suas individualidades, prometendo nunca brandir as companheiras em público. Quando um integrante novato do grupo comenta que a avó Clarabelle quer visitar a tia, mas não o faz por medo e insegurança, os Dândis resolvem fazer um esquema de segurança para ajudar Clarabelle.
O roteiro distingue-se pela lentidão, ou falta de pressa, em fazer engrenar a história; o modo com que as coisas que se esperam acontecer não acontecem; o modo com que a realidade acaba se sobrepondo à fantasia; o modo com que a violência e o uso de armas são abordados e a maneira como é dada importância à trilha sonora, que inclui a canção de 1968, Time of the Season, dos Zombies.
Dirigido por Thomas Vinterberg e escrito por Lars Von Trier, dinamarqueses integrantes do Dogma 95, movimento que, pela autenticidade e despojamento, agitou o cinema underground nos anos 90, Querida Wendy pode ser visto ou como um faroeste – os Dândis podem ser um moderno contraponto do bando selvagem retratado em Meu Ódio Será Sua Herança, ou uma nova versão dos ‘mocinhos’ do clássico de John Sturges, Sete Homens e Um Destino (com a diferença que os Dândis são cinco caras e uma guria), ou ainda um drama de adolescentes desajustados, na linha de Vidas Sem Rumo e O Selvagem da Motocicleta. Seja sob qual o prisma, quer você imagine que o filme é uma ‘fábula’ ou uma crítica ao comportamento americano em relação às armas, quer não, Dear Wendy parece ter sido concebido – e tem estofo - para se tornar um pequeno cult.

Domino

Richard Kelly, o diretor e roteirista de um dos filmes mais cultuados do novo século (Donnie Darko), assina o roteiro do novo filme do maninho de Ridley - Tony Scott. Enjoada da vidinha de estudante e moradora de Beverly Hills, Domino (a engraçadinha Keira Knightley) chuta o balde e se une a dois caçadores-de-foragidos-da-justiça (Edgar Ramirez e Mickey Rourke, este em nova ascensão na carreira) para fugir do tédio, despejar adrenalina no sangue e, de quebra, exercer o espírito de Robin Hood. O que seria mais um conto de uma moça-mimada-rebelde-sem-causa torna-se, nem tanto pela direção habitualmente segura de Scott, e mais pela originalidade do roteirista Richard Kelly, num material passível de promover a ingestão de algumas pipocas num sábado à tarde numa cidade do interior num tórrido mês de janeiro.

A passagem

Marc Forster nasceu em Ulm, na Alemanha, mas foi criado no bucólico interior da Suíça. Quando, aos 12 anos, assistiu um filme pela primeira vez (Apocalypse Now, na televisão), resolveu ser diretor de cinema. Sua filmografia densa inclui Everything Put Together (2000), história de uma mãe que luta para se recuperar da perda trágica do filho; A Última Ceia (Monster’s Ball, 2001, que valeu o Oscar de Melhor Atriz a Halle Berry), sobre uma mulher que se envolve com o policial que executou o marido no corredor da morte – uma das cenas mais fortes do filme é o suicídio do personagem de Heath Ledger; e em 2004, Finding Neverland (Em Busca da Terra dos Sonhos), em que a mãe de quatro filhos está com os dias contados. Diga-se de passagem: em 1998, no período de três meses, Forster perdeu pai, avó e irmão (este, por suicídio).
A obsessão do diretor Marc Forster por temas mórbidos permanece em Stay (A passagem, 2005), onde Henry Letham (Ryan Gosling) é um estudante de Belas Artes que confessa, na quarta-feira, ao psiquiatra substituto (Ewan McGregor), que pretende suicidar-se no sábado à meia-noite. O psiquiatra conta o fato à sua namorada de cicatrizes nos pulsos (Naomi Watts), pessoa indicada para tentar ajudá-lo a evitar que Henry cumpra o prometido. O roteiro é um jogo de xadrez com o espectador, que nunca sabe o que é verdade ou delírio. Pelas cenas oníricas e detalhes enigmáticos, o filme lembra o cult belga Malpertuis, com Orson Welles. Diálogos desencontrados, atos falhos, dúvidas recorrentes, gêmeos incidentais, visões fantasmagóricas e conversas surreais, tudo costurado por fusões ágeis e uma câmera dinâmica, mantêm o interesse até a sequência final – que pretende ser explicativa, mas provoca uma série de questionamentos.

Os Produtores

A trajetória deste filme é curiosa: cinema - Broadway - cinema de novo. Tudo começou em 1968, quando Mel Brooks, que, de acordo com Jean Tulard, 'com Woody Allen, é o representante mais ilustre da escola cômica judaica de Nova Iorque', logo na estréia como cineasta, recebeu, por 'The Producers', o Oscar de Melhor Roteiro original. O filme teve Gene Wilder no papel de Leopold Bloom e no Brasil ganhou o título 'Primavera para Hitler'.
Concebido inicialmente como uma peça, era natural que a película merecesse uma montagem na Broadway, o que aconteceu no final dos anos 90. O sucesso na Broadway animou Brooks a readquirir os direitos do filme e produzir a nova versão fílmica, que estréia dia 23, sob a direção de Susan Stroman.

Leo Bloom (Matthew Broderick, em atuação hilária) é um contador atrapalhado que se associa a Max Bialystock (Nathan Lane, em atuação não menos hilária), um produtor gigolô de velhotas, com o intuito original de realizar o maior fracasso da história da Broadway. Três etapas precisam ser preenchidas: escolher o pior roteiro, contratar o pior diretor e descobrir o pior elenco. A dupla de picaretas, dentre as pilhas de roteiros disponíveis, escolhe o que parece ter o maior potencial de desastre. Trata-se do curioso “Uma primavera para Hitler”, de autoria de um criador de pombos-correio nazista. Para a direção, os ‘produtores’ assinam com um afetado diretor que tem no currículo bombas que não duram mais de uma semana depois da estréia. Por fim, como atriz principal, ‘selecionam’ Ulla (Uma Thurman), escultural secretária sueca sem experiência nenhuma de palco e que pouco fala inglês. O papel de Hitler acaba nas mãos do columbicultor fascista.
O filme da cineasta e coreógrafa Susan Stroman (You’ve got mail) revisita, de forma inteligente mas um tanto prolongada, o gênero comédia musical.

King Kong

A carreira de Peter Jackson tem raízes na ficção e no horror. Vide Fome animal – um clássico escatológico. O cerne da ‘fase neozelandesa’ é o lisérgico Almas gêmeas (Heavenly Creatures) – que chamou a atenção pela delicadeza e coragem com que tratou o lesbianismo. A ‘fase americana’ começou com o suspense The Frighteners e culminou com a trilogia O Senhor dos Anéis, com Oscar de Melhor Diretor conquistado em 2004. King Kong é seu novo filme.
Conhecer a evolução da carreira do neozelandês Peter Jackson ajuda a entender as decisões por ele tomadas em King Kong. Seria talvez um clichê, mas de forma alguma uma inverdade, afirmar que ele tinha em mente, além de reverenciar e dar roupagem nova ao clássico da década de 30, refilmado na década de 70, revisitado em 2017, realizar a versão ‘definitiva’ da história. Para isso, contou-a com todos os detalhes imagináveis. O problema é que, para entrar nas minúcias, é preciso tempo e película. Felizmente, Peter Jackson tem cacife para evitar cortes e fazer o filme que quer, na metragem que escolher.
Um diretor visionário (Jack Black) alicia uma aspirante a atriz (Naomi Watts) e um autor de peças de teatro (Adrien Brody) a embarcarem num precário navio a fim de rodar um filme numa misteriosa ilha que não está no mapa. O que eles vão encontrar lá? Só posso dizer que Jackson ‘se puxou’ e, para dar verossimilhança interna a esta versão da ‘bela e a fera’, não poupou situações das mais variadas, entre o inacreditável-risível – a corrida de brontossauros no desfiladeiro – ao grotesco-asqueroso – a carnificina perpetrada por sanguessugas, lacraias e gafanhotos gigantes na tripulação do barco Venture.
O nome do navio que leva a troupe à ilha, por sinal, resume o que é King Kong para Peter Jackson: um grande risco. Ao se aventurar numa refilmagem, corre o risco de perder público, pois muitas pessoas não se animam a ir ao cinema para ver uma sessão da tarde de roupagem nova. Ao empreender um filme de três horas de duração, arrisca-se a ser acusado de prolixo e ‘overlong’. Ao não cortar o filme no estúdio, arrisca-se a alguém inventar um intervalo e recomeçar a projeção cortando uma seqüência. Ao escalar atores como Jack Black e Adrien Brody e Naomi Watts, nenhum de ‘grande apelo de bilheteria’, aposta as fichas de seu empreendimento nele, o principal astro – King Kong.
E cá pra nós, Kong é o tipo do herói com carisma suficiente para ‘roubar’ todas cenas em que aparece. O modo com que King Kong se comunica com o objeto de sua paixão é expressivo. O relacionamento entre Kong e atriz passa por todas fases – da predatória à admirativa, do receio à confiança, da dúvida à certeza, do desentendimento à compreensão. Mas – como todo relacionamento em que uma parte ama e a outra sente apenas amizade – uma das partes sairá mais ferida que a outra.
Falando em compreensão e ferimentos, teria muito mais a dizer sobre King Kong, porém, o leitor há de compreender, a última coisa que quero ser acusado é de ferir suscetibilidades e cometer ‘spoiler’. Então só digo mais isso: é crime cortar um minuto sequer de King Kong – não é, seu responsável pela projeção do Cine Bella Citá de Passo Fundo?

De tanto bater, meu coração parou

De Battre Mon Coeur S'Est Arrêté.

Tom (Romain Duris, de Arsène Lupin) não tem escrúpulos, nem exercendo de forma ilícita sua atividade profissional, que envolve ‘administração’ de imóveis, nem servindo de álibi para as traições conjugais do amigo. Está sempre com cara de poucos amigos, aliás: tem poucos amigos. Seus dois colegas de rolos imobiliários, seu pai que está de namoradinha nova, e seus fones de ouvido, por onde sai sempre música eletrônica.

Quem olha de fora e vê Tom, vê apenas isso: um cara frio e calculista, uma pessoa bruta, violenta até, um franco atirador, um solteiro convicto de 28 anos, um young urban professional (yuppie) versão French underground, um cara que não gosta de ninguém além de si mesmo. Mas para compreender Tom, é preciso ver além das aparências.

Um convite para fazer um teste é a oportunidade inesperada de seguir a profissão da falecida mãe – pianista. Empolgado com a esperança de resgatar o talento inato, porém não cultivado, passa a ter aulas particulares com uma pianista chinesa. O diretor-roteirista é Jacques Audiard, do elogiado “Read my Lips” (2002).

As Crônicas de Nárnia - O Leão, A Feiticeira e o Guarda-Roupa

Quatro irmãos londrinos cujo pai está na guerra são enviados pela mãe para longe dos bombardeios. De um dia para o outro, Pedro, o primogênito, Suzana, Edmundo e Lúcia, a caçula, se vêem morando na enorme casa de um professor. Eles recebem ordem expressa da governanta de não importunarem o dono da casa. Os quatro tentam se adaptar à situação porque sabem que é a melhor alternativa. Lúcia, porém, reclama dos lençóis, que não são tão macios como os de casa.
Um dia, entediados com Suzana, que fica lendo uma enciclopédia e fazendo perguntas para testar o conhecimento dos irmãos, os quatro resolvem brincar de hide & seek. A brincadeira de esconde-esconde é o fato desencadeador: Lúcia se esconde dentro do único móvel de um dos quartos do segundo andar - um imponente guarda-roupa que estava coberto por um lençol. Dentro do guarda-roupa, Lúcia roça em muitos cabides com casacos de pele, tentando chegar ao fundo, mas ele não chega. Em vez disso, começa a sentir as folhas de uma árvore no rosto e quando se dá conta, está com os pés sobre a neve. Entre um misto de frio, deslumbramento e espanto, em vez de voltar ao portal que lhe dera acesso a este mundo desconhecido, prossegue seus passos na neve, espicaçada pela curiosidade. Pouco à frente, encontra um poste de luz – que será um ponto de referência ao longo do filme.
Lúcia não demora encontra um habitante desta outra dimensão; homem da cintura para cima, bode da cintura para baixo: um fauno, como ele se denomina. A pequenina humana e o fauno fazem amizade instantânea e ele a convida para um chá. Hesitante, a menina concorda e passa umas horas aprazíveis na casa do novo amigo. Então ela volta e conta para os irmãos, que não acreditam em uma palavra do que ela diz.
É evidente que não vou continuar a contar tudo com tanto detalhe. Na verdade, não vou contar mais nada. Apenas que a história envolve uma profecia; uma rainha malvada; luta pela liberdade de Nárnia; leão, castores, cavalos, lobos e raposas falantes (o leão, por sinal, com a fala inconfundível de Liam Neeson); faunos, minotauros, centauros, outros seres mitológicos e, é claro, uma batalha.
Marketing exagerado e furos no roteiro à parte, As Crônicas de Nárnia tem coisas boas, principalmente quando se concentra na construção e inter-relacionamento dos personagens.