Era uma vez na Anatólia

Certas sessões se tornam emblemáticas para um cinéfilo por uma conjunção de fatores. Sem dúvida, entre minhas experiências cinematográficas de 2015, o filme do turco Nuri Bilge Ceylan se insere nessa categoria. E quais fatores seriam esses?

1. Sessão do Clube de Cinema

Ando meio afastado da capital e só de vez em quando tenho a oportunidade de marcar presença. Temos a tendência de valorizar mais tudo aquilo que obtemos com um pouco mais de dificuldade. As sessões do clube sempre têm uma aura especial, são cinéfilos até o tutano dos ossos reunidos num horário diferenciado, com o objetivo único de mostrar seu amor pelo cinema, em suas distintas manifestações. Apesar da relativa distância, sempre que posso, compareço, e tenho tido a sorte de comparecer justamente em fins de semana com sessões bastante significativas.

2. A volta do Cine Capitólio
O reencontro com uma sala charmosa, anos após ter sido fechada para o público, traz, por si só, um fator emocional forte para quem gosta de cinema. O apuro com que tudo foi restaurado, a mescla de novo com o antigo, o cheiro da madeira das poltronas, tudo isso cria uma atmosfera de reverência à sétima arte (por que tem gente que não gosta desse termo?), um clima propício a degustar um filme estranhíssimo.

3. Um diretor que vale a pena conhecer

Sempre que vou assistir a um filme de um diretor que não conheço, também é um momento relevante. Em geral, é no primeiro contato que a gente decide se vai apreciar ou torcer o nariz para a filmografia da pessoa. A primeira impressão é a que fica. Eu não havia me informado muito sobre Nuri Bilge Ceylan, mas na breve preleção antes da sessão ficamos sabendo que ele é o cara, ou seja, ganhou nada menos que uma Palma de Ouro em Cannes com o filme Sono de inverno. E quando começa Era uma vez na Anatólia, o espectador logo percebe que se trata de um diretor inusitado, com suas ideias bem próprias sobre tomadas, cadência, edição. Em outras palavras, um diretor cuja marca registrada é a falta de pressa em tudo o que ele faz. Um diretor que cita entre as principais influências Ingmar Bergman (http://olharcinefilo.blogspot.com.br/2007/07/colhendo-morangos-silvestres.html), Robert Bresson, Michelangelo Antonioni, Andrei Tarkovsky e Yasujiro Ozu (confira a intertextualidade no post http://olharcinefilo.blogspot.com.br/2012/12/era-uma-vez-em-toquio.html). Um diretor antítese da medíocre ânsia pela vertiginosidade que grassa em nossas telonas ultimamente.

4. Uma história difícil de definir

Na verdade é um daqueles filmes "em tempo real". A câmera acompanha meticulosamente uma comitiva de veículos em sua peregrinação no interior da Turquia para localizar um corpo. A trupe multidisciplinar é formada por policiais, médico-legista, promotor, coveiros, e, é claro, os suspeitos do crime, no caso, dois irmãos. As motivações e as circunstâncias do crime tinham sido apenas sugeridas no prólogo. A partir daí, cada palavra, cada suspiro e cada gesto vão entretecendo um emaranhado de situações, umas prosaicas, outras insólitas. Uma sequência digna de nota é quando todos resolvem fazer uma parada numa aldeia das imediações e acontece um blecaute. A filha do anfitrião, dona de uma beleza hipnotizante, vem oferecer bebida a todos, inclusive aos suspeitos de homicídio. A troca de olhares silenciosos desta perturbadora cena é desses instantes que ficam incrustados na retina do cinéfilo para sempre.

Isoladamente, qualquer um desses fatores já seria suficiente para tornar uma sessão "emblemática". Quando todos esses fatores se unem, então, temos a sessão mais emblemática do ano!

Corações de ferro

Baita filme. Pouco mais tenho a acrescentar. O diretor David Ayer conta a história de cinco americanos que tripulam um carro de combate, mais especificamente, o tanque Sherman, em 1945, na Alemanha. O filme tem tudo que um bom filme de guerra necessita, sem desperdiçar tempo com firulas. Algumas das cenas de combate mais bem filmadas dos últimos tempos, entre elas algumas originais, cenas jamais filmadas (pelo menos, até onde vai o meu conhecimento), ou, no mínimo, jamais filmadas com tanto realismo e técnica, como, por exemplo, o trepidante combate entre três tanques Sherman (aliados) contra um Tiger (alemão). Algumas cenas intimistas também, como o inusitado dueto entoado por Emma (Alicia von Rittberg), uma bonita aldeã germânica, e o recruta Machine (Logan Lerman) ao piano.

Afiadíssimo, o elenco é liderado por Brad Pitt, que encarna o sargento Wardaddy, e conta também com Shia LaBeouf (o artilheiro Bible), Michael Peña (Gordo) e Jon Bernthal (Coon-Ass). De um modo singelo, entremeados em grandes sequências de combate, medo, heroísmo, insegurança, bravura, covardia, todos os sentimentos inerentes a uma guerra são expostos em Corações de ferro. Baita filme. Desde O resgate do soldado Ryan não se via um filme de guerra com tanto sangue, tripas e fibras. E a situação em que o tanque Fury é colocado na sequência final é de arrepiar. Os cinco atores se tornaram muito unidos durante o treinamento militar recebido durante a preparação para o filme. Outro cuidado que o diretor teve foi convidar ex-tripulantes do Sherman, senhores lúcidos de seus mais de 90 anos, para contar suas experiências em pessoa para o quinteto principal do elenco. Todo esse apuro é perceptível no resultado final. David Ayer, nascido em 1968, antes de se aventurar na direção já havia realizado bons trabalhos como roteirista, por exemplo, U-571, de Jonathan Mostow, e Dia de treinamento, de Antoine Fuqua. Na direção, assinou Os reis da rua, com Keanu Reeves, até realizar Corações de ferro. Nunca é demais repetir: baita filme!

Alien de Ridley Scott

Na matiné dum sábado qualquer, nas poltronas de um cinema simples de uma cidadezinha pacata, dois irmãos sentiram o medo de mergulhar no claustrofóbico universo da Nostromo. A experiência foi muito forte, e o menino mais novo teve de sair do cinema antes mesmo de John Hurt estrebuchar na mesa do refeitório, numa das cenas mais chocantes da história do cinema.

Em retrospectiva, é fácil de entender porque o filme de Ridley Scott foi alçado à condição de clássico, dando início a uma franquia das mais criativas: direção de primeira categoria, elenco de peso, produção requintada. Vamos esmiuçar cada um desses itens.

Direção de primeira categoria: Ridley já havia realizado Os duelistas, uma estreia mais do que promissora. Um filme de época com pinta de cult. Depois de mostrar seu cartão de visita, em Alien, seu segundo longa, Scott definitivamente confirmou as expectativas: caprichou em todos os detalhes para construir uma tensão pulsante e crescente. O começo do filme é cadenciado, não tem nada de vertiginoso. Existem poucas cenas de violência explícita. A sensação de terror e sufocamento é moldada pelo desconhecido, pelo que não é mostrado, apenas sugerido. Paulatinamente, a história se desenrola, funcionando como espécie de conto fantástico digno de um Lovecraft, uma tripulação mínima envolvida num pesadelo por conta de uma macabra trama de interesses gananciosos da Companhia, a empresa dona da nave. É um dos orgulhos de minha vida de cinéfilo ter me tornado fã desse diretor, que entra fácil na minha lista de top ten diretores vivos (e bem vivos, pois acaba de lançar Perdido em Marte). Sua filmografia mantém um padrão admirável, de Blade Runner (1982) a Gladiador (2000), de Thelma e Louise (1992) a Um bom ano (2006), de Falcão Negro em perigo (2001) a Prometheus (2012).

Elenco de peso: além do olhar ortodoxo e ao mesmo tempo inovador de Scott, o cast de Alien não podia ser melhor. A tripulação conta com Tom Skerritt, Sigourney Weaver, Veronica Cartwright, Harry Dean Stanton, John Hurt, Ian Holm e Yaphet Kotto. Respectivamente, o capitão Dallas, a subtenente Ripley, a navegadora Lambert, o engenheiro auxiliar Brett, o imediato Kane, o oficial de ciências Ash e o engenheiro chefe Parker. Não vamos esquecer, é claro, do gatinho Jones. De antemão, todos sabiam que participariam numa espécie de Então não sobrou nenhum versão espacial. Uma hórrida narrativa numa nave mórbida na qual, um por um, quase todos os tripulantes seriam sacrificados. Com a diferença que os atores que encarnavam as vítimas já eram atores consumados, com carreiras ricas e prolíficas. À exceção, talvez, de Sigourney, que tinha experiência de teatro, mas praticamente estreava no cinema. Ela entrou justo no papel de Ripley, inicialmente pensado para Veronica Cartwright, que teve de se contentar com a Lambert. Outra substituição de última hora foi a entrada de John Hurt na vaga de Jon Finch, que adoeceu no primeiro dia das filmagens.

Produção requintada: dos storyboards de Ridley Scott, cujas naves e roupas espaciais remetiam a 2001: uma odisseia no espaço e já apresentavam influência de Star Wars, até a criatura e os cenários criados pelo artista H. R. Giger, tudo contribuiu para tornar verossímil um roteiro que havia sido exaustivamente trabalhado. Méritos a quem os merece: além de Dan O'Bannon e Donald Shusett, outras três pessoas acrescentaram muitas ideias ao roteiro, inclusive todo o lance que envolve o personagem Ash, e o fato de o filme ter uma heroína. Os nomes definitivos dos personagens foram criados por esse trio. Eles são: Walter Hill, David Giler e Gordon Carroll. Foram eles também que escolheram Ridley Scott para encabeçar o projeto. Por sua vez, O'Bannon convidou artistas de dois outros projetos em que ele estivera  envolvido (o filme Dark Star de John Carpenter e Dune, projeto abortado de Alejandro Jodorowsky) para colaborar no processo criativo. Todo esse esforço colaborativo e esse cuidado com os detalhes resultou numa legião de fãs e na conquista de várias gerações de cinéfilos.

        Recentemente, a Editora Aleph publicou uma nova tradução da novelização, escrita por Alan Dean Foster.

 

Para quem quiser saber mais sobre o assunto, com uma espécie de resenha da obra, em meu outro blog sobre minhas traduções e revisões.

Chappie

Casado com a roteirista canadense Terri Tatchell (coautora do roteiro de Chappie), o sul-africano Neill Blomkamp chega com Chappie ao terceiro longa-metragem da carreira (após ter realizado Distrito 9, em 2009, e Elysium, em 2013). Apadrinhado por Peter Jackson, Blomkamp tem uma forte queda por ficção científica, direcionada em Chappie para uma abordagem da inteligência artificial. Uma breve sinopse do roteiro do casal Tatchell-Blomkamp seria: a indústria robótica Tetravaal, comandada por Michelle Bradley (Sigourney Weaver) (por sinal, comentam à boca pequena que ela e Blomkamp já fecharam negócio para filmar o Alien 5), tem uma rivalidade latente entre os dois engenheiros Deon (Dev Patel) e Vincent (Hugh Jackman). É do primeiro o projeto que está em alta, a produção dos scouts (escoltas, na dublagem brasileira), um exército de robôs policiais que ajuda no policiamento ostensivo de Joanesburgo (cidade natal do diretor, e, na vida real, uma das cidades mais violentas do mundo, com alta taxa anual de homicídios). Isso deixa Vincent enciumado, pois vê o seu projeto, o robô gigante Moose (Touro, na dublagem brasileira), relegado a segundo plano. Numa cena chave do filme, chefes da polícia local assistem a uma demonstração do Moose e dizem que os escoltas dão conta do recado e que só precisariam de algo assim se a situação da segurança piorasse, e muito. Nesse meio-tempo, Deon tenta avançar seus experimentos com IA, mas acaba sendo raptado pelos esquisitos facínoras Ninja e Yolandi (interpretados por Ninja e Yolandi, membros da esquisita banda sul-africana Die Antwoord) que o obrigam a criar um escolta para ajudá-los num assalto. Dessa situação nasce Chappie, um bebê em forma de robô.

O vínculo criado entre Chappie e Yolandi, que adota o robô como se fosse mãe dele, beira a inverossimilhança, mas é um exemplo da ternura bizarra que permeia alguns trechos do filme.
A parte mais legal de Chappie é justamente a "criação" dele, com Deon ensinando-o a pintar e a dar asas à imaginação, Ninja ensinando-o a ser malandro e a usar armas de fogo e Yolandi lendo para ele, antes de dormir, um livro infantil sobre ovelhas negras. Interessante análise de como o meio pode afetar alguém intrinsecamente bom.
Nesse processo de aprendizado, Chappie é submetido a algumas situações extremas, em algumas das cenas mais tristes dos últimos tempos. Mas o cinema (e a literatura, como na obra O pessoal de July, de Nadine Gordiman) da África do Sul é pródigo nesse tipo de angústia exasperante, de um mundo em que a ingenuidade e a pureza são implodidos pela impactante realidade. Tanto isso é verdade que Chappie me lembrou de outro filme angustiante, também sul-africano: Dirkie (Perdido no deserto), de Jamie Uyis, inspirado na história real de um menino de 8 anos e seu cãozinho numa jornada de sobrevivência. Como Dirkie no deserto de Kalahari, Chappie tenta sobreviver no deserto de harmonia que é o caos de Joanesburgo. O blu-ray de Chappie traz um final alternativo no mínimo digno de nota. Como bônus deste post, um pôster para relembrar um filme assistido há um bom tempo no hoje finado Cinema Brasília de Carazinho:

Mad Max: Fury Road

Dystopia: imaginary place or state in which everything is extremely bad or unpleasant.
O sucesso de Mad Max: a estrada da fúria confirma uma tendência atual: a avidez por ficção distópica, de adolescentes a adultos. A escritora Alex Campbell levantou a seguinte tese num artigo sobre a crescente popularidade da ficção distópica:
"Será possível uma correlação com a ascensão da ficção distópica e as redes sociais? Enquanto ostentamos nossa felicidade unidimensional em sorridentes perfis no Facebook e fotos no Instagram que colocam tudo num prisma agradável, será que sentimos uma necessidade crescente de satisfazer as áreas mais sombrias da condição humana por meio das páginas que lemos?".

Ou, completaria eu, dos filmes a que assistimos?


É uma tese interessante.
Mas é preciso lembrar que, geração após geração, esse tipo de literatura e de cinema sempre teve um público cativo, para dizer o mínimo. E assim como atrai certas pessoas, também espanta quem é mais pé no chão, pessoas que não gostam de fantasia.

Noutro artigo, a jornalista Francisca Goldsmith listou as principais características da ficção distópica: um mundo ou sociedade futurista; habitantes controlados com mão de ferro; a conformidade é boa, a individualidade é indesejável; falta de consciência da maioria das pessoas; um protagonista frustrado pelos controles que age sem considerá-los; a percepção de um problema no mundo real por meio do exagero no universo ficcional. Desnecessário dizer que todas essas características pulsam no universo de Mad Max.
 Goldsmith entrevistou adolescentes leitores e indagou por que eles gostavam desse tipo de ficção. Algumas das respostas foram: "acho interessante e reconfortador ao mesmo tempo"; "gosto da complexidade!" e "me ajuda a pensar que nosso mundo ou sociedade pode mudar, que eu posso ajudar a mudá-lo". Ela conclui que os motivos pelos quais os adolescentes gostam desse tipo de ficção não são sombrios.

Essa introdução é apenas para dizer que, trinta anos depois, Mad Max está de volta. De 1979 a 1985, o médico George Miller, nos intervalos de seus plantões na sala de emergência, realizou os seus primeiros três longa-metragens: Mad Max (1979), Mad Max 2: Road Warrior (1981, Mad Max 2: a caçada continua) e Mad Max: Beyond Thunderdome (Mad Max além da cúpula do trovão). Por que o diretor australiano demorou exatos 30 anos para revisitar o personagem da trilogia cujo ápice foi o segundo filme não chega a ser um pleno mistério. Natural que o criador, um tanto saturado com sua criação, se afastasse um pouco. Mas quando a tecnologia e a certeza de que ele poderia voltar àquele universo para insuflar mais sangue e mais vida se cristalizaram, havia chegado a hora inexorável de ceder à necessidade latente.
Um problema: encontrar o substituto de Mel Gibson. O preferido do diretor seria Heath Ledger. A escolha então recaiu no londrino Tom Hardy, ator com uma carreira consolidada em minisséries como O morro dos ventos uivantes (2009), em que interpretou Heathcliff, e blockbusters como Batman, o cavaleiro das trevas ressurge (2012), em que interpretou o líder terrorista Bane. Bem diferente da aposta Mel Gibson, que no primeiro Mad Max realizava o segundo filme apenas. Mas para a maioria do público, Hardy ainda é um rosto relativamente novo.

Bullit na areia. O filme de Peter Yates é considerado o supremo filme de perseguição no asfalto. Mad Max: Fury Road é o derradeiro filme envolvendo fugas sobre rodas na areia. Motores e veículos dos mais estapafúrdios (que remetem ao desenho animado Corrida maluca) em cenas trepidantes de incrível habilidade dos dublês e da equipe (que em alguns momentos lembram as performances dos melhores artistas circenses).
O 3-D acaba sendo a tecnologia ideal para maximizar (sem trocadilho) os efeitos artísticos e catárticos do novo pesadelo (sonho para os fãs) de George Miller.

A parceria de Hardy com Charlize Theron, que interpreta Furiosa (talvez a personagem feminina mais enigmática, ambígua e forte do cinema contemporâneo, algo similar ao que Sigourney Weaver fez com a Ripley), é um dos trunfos do filme. Os dois encontram um equilíbrio delicado entre o protagonizar e o coadjuvar (verbinho feio mas existe) e alçam o novo Mad Max a um patamar além da cúpula dos melhores filmes de ação.

Não confunda alhos com bugalhos: os dois George Miller

Os dois nasceram na década de 1940 e começaram a carreira no final dos anos 1970. Os dois têm sangue australiano nas veias, embora um deles não tenha nascido na Austrália, e sim na Escócia. Os dois acabaram abraçando a mesma profissão, são talentosos e construíram ao longo de quatro décadas um currículo eclético e variado. Para confundir ainda mais o cérebro dos cinéfilos, os dois gostam de variar bastante de estilo, os dois fazem filmes para adultos e para crianças, os dois fazem a maioria de seus filmes "down under" (sim, na boa e exótica terra australiana) e os dois assinam seus filmes como George Miller.

O George Miller mais famoso, digamos assim, é médico e estreou na direção de filmes com o acachapante Mad Max em 1979. Ele nasceu em  1945 em Brisbane, a capital de Queensland e terceira maior cidade da Austrália. Tornou-se septuagenário no ano em que lançou o quarto filme da franquia, Mad Max: Fury Road, que mal posso esperar para ver daqui a pouco. Ele tem na estante um Oscar por Happy Feet, melhor filme de animação em 2007. Além do Happy Feet 1 e 2 e da franquia Mad Max, seu abrangente portfólio inclui também: The Twilight Zone: Além da imaginação (1983, episódio 4, Pesadelo a 20 mil pés, com John Lithgow), As bruxas de Eastwick (1987), O óleo de Lorenzo (1992) e Babe, o porquinho atrapalhado (1995).

O outro George Miller (que às vezes assina como George T. Miller, T. de Trumbull), também é de origem australiana, mas nasceu na Escócia em 1943 e estreou como diretor de cinema em 1982, obtendo o prêmio de filme mais popular no festival de Montreal com o faroeste The Man from Snowy River (título brasileiro: Herança de um valente, uma raridade nas locadoras), com Kirk Douglas. O filme se passa nas pradarias australianas e se baseia no poema homônimo de Banjo Paterson, composto no fim do século XIX.
Outros filmes de sua autoria incluem:
O aviador (1985, com Christopher Reeve), A história sem fim 2 (1990), Um amor no fim do mundo (1992), André, uma foca em minha casa (1994, excelente filme para ver com a criançada), Zeus e Roxanne, quase feitos um para o outro (1997), Robinson Crusoé (1999, com Pierce Brosnan), Supercão (2003), O ataque do dente-de-sabre (2005) e o horror sobrenatural Prey (2009).

Dois xarás, dois belos e bizarros currículos, um pouco difíceis de distinguir, mas não de admirar.

Arsène Lupin

Para quem tem dois filhos pequenos, é quase impossível querer assistir a um filme "adulto", até mesmo de vez em quando. A menos que o casal possa deixar os filhos com os avós, o que não é o meu caso na maior parte do tempo, a solução é assistir o filme em partes. Este filme de 2 horas e 10 minutos levei a semana inteira para ver, em flashes de 15, 20 minutos. Então, para mim, pareceu mais uma minissérie ou um seriado. E na verdade o roteiro tenta condensar muita coisa, para ser sincero.
Começando pelo começo: aluguei o filme num sábado (e aluguei-o pelo simples fato de que costumava ler os romances de Maurice Leblanc que eu pegava na biblioteca municipal) numa locadora de minha cidade, um dvd com a caixinha já quebrada na ponta, e como não era mais lançamento, e o dono da locadora é camarada, ele fez uma "diária estendida". Isso permitiu colocar em ação o meu plano de assistir o filme nas brechas. Durante o fim de semana nem pude dar muita atenção a ele, afinal o pequeno teve surtos de febre de 39 graus, e estivemos às voltas com pediatras, laboratórios de análises e o diabo a quatro, tudo para descobrir que não passava de uma virose benigna autolimitada.

Voltando à vaca fria, e com a temperatura do filho já em ordem, pude terminar a saga de ver este Arsène Lupin, com direção de Jean-Paul Salomé, protagonizado pelo ator Romain Duris, do cult De tanto bater, meu coração parou.
Esse Maurice Leblanc viaja mesmo, e se tudo que tem no filme tiver no livro, é de se tirar o chapéu para ele, e também para os roteiristas que conseguiram adaptar de modo razoável coisas que nas páginas são contadas com elegância e precisão. O elenco, como de costume em filmes franceses, já vale o filme. Este em especial conta com duas belas e hipnóticas atrizes: Eva Green, a priminha apaixonada por Arsène, e Kristin Scott Thomas, a enigmática, às vezes sedutora, às vezes pérfida, Josephine, a condessa de Cagliostro, personagem redondíssima (aquela que segundo a teoria literária se comporta de modo imprevisível e tem várias facetas, ou seja, personagem totalmente anticlichê) e leitmotiv do filme. Com um ritmo alucinante que lembra outro filme francês da mesma época (Pacto dos lobos), Arsène Lupin, o filme de 2004, serve para introduzir as novas gerações ao charmoso personagem. Sendo um apaixonado por essa interface literatura-cinema, aproveito a deixa para publicar as capas de algumas edições do livro que serviu de inspiração ao filme.

Uma viagem extraordinária

T. S. Spivet (Kyle Catlett) mora com os pais, o irmão gêmeo Layton que usa armas de fogo e a irmã mais velha que sonha em participar de um concurso de beleza num rancho de Montana que se situa numa região divisora de águas. A água que chove a Leste corre ao Oceano Atlântico, a que chove a Oeste corre ao Pacífico. Águas correm para lados opostos, e opostas são as qualidades desse menino filho de um casal bastante heterogêneo. O pai de poucas palavras é um prático criador de cabras. A mãe articulada é uma teórica que cataloga insetos. T. S. nasceu com esses dois talentos e enquanto cada pessoa e animal do rancho toca a sua vida aparentemente pacata, o menino de 10 anos faz desenhos, escreve artigos e projeta protótipos. Mas ninguém parece dar muita bola para seus talentos, nem o professor de ciências da escola, nem o seu pai, a quem T. S. apresenta uma maquete para solucionar um problema de captação de água do rancho. Quando a família se depara com a fatalidade, cada membro reage à sua maneira. T. S. precisa superar a perda e resolve fazer uma longa jornada por conta própria, para receber um prêmio científico pela invenção de um mecanismo de movimento perpétuo.

O diretor Jean-Pierre Jeunet (de filmes aparentemente tão díspares quanto O fabuloso destino de Amélie Poulain e Alien, a ressurreição) adapta em 3-D o romance de estreia de Reif Larsen, The Selected Works of T. S. Spivet  (por sinal, o escritor nascido em Cambridge, Massachusetts, em 1980, acaba de lançar o segundo livro, chamado I am Radar). O resultado é similar aos demais itens da não prolífica filmografia desse diretor: bizarro, exótico, estranho, esquisito, excêntrico... A qualidade do 3-D é excelente, pois o filme foi realizado com equipamento para essa tecnologia, e não adaptado em "pós-produção" para caçar níqueis. Mais uma prova cabal de que o 3-D pode enriquecer outros "gêneros" além de ficção, aventura e animação. Para quem torce o nariz para o 3-D ou fica tonto (como acontece com minha irmã, por exemplo), o blu-ray tem a versão 2D, mas é uma pena perder a sutileza com que Jeunet usa a tecnologia em prol de contar a terna história de um menino em busca de ser reconhecido e... amado.

Uma noite no museu 3 - o segredo da tumba

A franquia assinada pelo diretor Shawn Levy chega ao terceiro e, aparentemente, último filme. Se bem que a sequência final dá uma pequena esperança aos que já imaginavam impossível uma nova continuação. Enfim, quem viver, verá.

Espinafrado por apaixonados por obras profundas, nem por isso Uma noite no museu 3 - o segredo da tumba deixou de agradar os fãs de Ben Stiller e de comédias nada pretensiosas. Só posso testemunhar que levei a família ao cinema e presenciei ao vivo as gargalhadas de muitos espectadores. E quem dá gargalhadas nesse tipo de filme? Alguém que paga ingresso para ir ao cinema e que não se infiltra na sala de cinema com o único objetivo de comparar um filme com outros que considera "cinco estrelas"; alguém que talvez até conheça a obra de Eisenstein, Kurosawa, Lynch, Bergman, Fellini e quejandos, mas sabe apreciar o cinema em suas diferentes manifestações, sem precisar "desligar o cérebro". Tanto melhor que Shawn Levy não se importa muito com isso. Prefere agradar as massas, embora talvez entenda e aceite o trabalho de pessoas que já entram na sala de cinema determinadas a serem rigorosas. Mas sua filmografia confirma que o diretor canadense não se deixa abalar muito fácil: Recém-casados, Doze é demais, A pantera cor-de-rosa, além da trilogia Uma noite no museu. Todos filmes com mais sucesso de "público" do que de "crítica".

Minha ligação com este filme vai além de cinéfilo curioso: fui contratado pela Novo Século Editora para traduzir a novelização da obra, antes mesmo de o filme ser lançado nos cinemas brasileiros. Ou seja, pude conhecer a trama e alguns diálogos em primeira mão e participar um pouco da criação desses diálogos em nossa língua materna. Mais detalhes sobre essa minha faceta tradutória
no blog:
http://oliveiraguerra.blogspot.com.br/.

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12 anos de escravidão

Os incautos devem pensar que a Academia "mudou o perfil" e, de uns anos para cá (leia-se, a partir de Crash) tem premiado filmes de produtoras menores, mais "artísticos" e menos "comerciais". Essa é a percepção de quem não tem conhecimento da história do Oscar, o mais importante prêmio do cinema mundial. Afinal, SEMPRE a Academia premiou filmes independentemente de seu orçamento, SEMPRE a Academia chamou a atenção para filmes que valem a pena serem vistos, SEMPRE a Academia serviu ao público de baliza do melhor que se faz do cinema num ano, numa década. E 12 anos de escravidão só confirma a tradição da Academia em acertar em cheio. O filme de Steve Mcqueen abiscoitou três Oscars: Melhor Filme, Melhor Roteiro Adaptado e Melhor Atriz Coadjuvante. O roteiro bem alinhavado de John Ridley baseia-se no livro 12 years a slave, narrativa verídica publicada em 1853, e conta a assustadora situação de Solomon Northrup (Chiwetel Ejiofor), violinista nova-iorquino que é raptado e vendido para trabalhar como escravo nas fazendas de algodão, no sul dos EUA. De fazenda em fazenda, Solomon vivencia vários dramas e conhece a realidade de outros escravos, como a tímida Patsey (Lupita Nyong'o), assediada pelo fazendeiro Edwin Epps (Michael Fassbender, indicado para o Oscar de coadjuvante). A saga de Solomon é contada com um supremo cuidado com todos os detalhes, desde o figurino até a maquiagem, e, é claro, a fotografia e a direção. Com um elenco de apoio bastante expressivo (Paul Dano, Sarah Paulson, Paul Giamatti, Benedict Cumberbatch e Brad Pitt, entre outros), 12 anos de escravidão mostra com uma fotografia deslumbrante a contundente beleza das paisagens sulistas, contrastando ainda mais com os horrores humanos que ali aconteceram. Nos extras, o diretor Steve Mcqueen explica como concebeu e foi realizada a cena do açoite de Patsey, uma das mais impactantes do filme. E também o ator Chiwetel Ejiofor lê trechos do livro, permeados com cenas e depoimentos dos atores e profissionais que participaram da produção.

Olho nu

O grupo Secos e molhados fez um sucesso meteórico na década de 1970 no Brasil, musicando poemas e teatralizando nas apresentações. Foi um dos momentos mais significativos da carreira do cantor Ney Matogrosso, camaleônico intérprete da MPB. Essa fase e outras tantas aparecem no documentário Olho nu, de Joel Pizzini. A película mostra o background do cantor, sua relação conturbada com o pai militar (mas que no fim aceita o fato de o filho ser artista), sua dificuldade em se resignar com as imposições do "mercado fonográfico", sua versatilidade de repertório, suas muitas e férteis parcerias com outros cantores e compositores. Prato cheio para quem deseja conhecer mais sobre a história não só de um importante cantor nacional, mas de nossa música.

Oslo, 31 de agosto

Com direção de Joachim Trier, Oslo, 31 de agosto é um filme que nos desperta sensações ambíguas. Ou melhor, nada a ver usar plural majestático num blog de cinema. E sobre suas próprias sensações, aliás, cada um deve tentar identificar e saber reconhecer. Portanto, vou falar das minhas. Ora, quem é que vai numa sala de cinema alternativa em plena manhã dominical para assistir a um filme norueguês cuja resenha já indica que é do tipo “de cortar os pulsos”? No mínimo, nenhum desavisado. No mínimo, alguém que já sabe que o filme remete a Trinta anos esta noite, realizado por Louis Malle em 1963, adaptação do livro Fogo fátuo, de Pierre Drieu La Rochelle, inspirado na vida do poeta francês Jacques Rigaut. Mesmo assim, não consigo negar que o filme me provocou, a princípio, uma profunda irritação. Mais um filme tedioso composto sob a égide do dogma 95, mais uma película sobre vazio existencial, sucessão de diálogos cotidianos e enfadonhos cujo interlocutor sempre é o mesmo e enfadonho protagonista. Pausa. Respire fundo. Tente ir além. Observe o rigor formal. A arte que involucra a história. A música que não toca, exceto quando há música de verdade, A-ha tocando no rádio do táxi, um piano melancólico tocado em uma casa prestes a ser vendida. Cena após cena, a irritação começa a dar espaço à admiração. Em especial, a cena em que Anders senta sozinho num café e passa a prestar atenção quase involuntariamente nas conversas das mesas ao redor. Identifiquei-me com esta cena. Anders (Anders Danielsen Lie) é meio assim, parece que mesmo sem querer, nada lhe escapa, tem uma audição panorâmica e um radar até meio paranoico, tipo, que nota quando alguém lhe observa ou comenta algo sobre ele. Começo a tentar entender Anders e a me identificar com ele, e não é difícil para ninguém se identificar com um perdedor com QI alto habitante de um país nórdico. Ah, a bela sonoridade das línguas escandinavas! Para desfrutar de Oslo, 31 de agosto, basta isso: baixar a guarda. Entregar-se ao filme e à arte cinematográfica como um suicida imola a alma.

Getúlio

O livro Passado imperfeito: a história no cinema (Record, 1997), organizado por Mark C. Carnes, traz uma série de artigos em que historiadores analisam o vínculo entre produções cinematográficas e o registro histórico. Nesse sentido, seria no mínimo interessante reunir uma mesa-redonda de biógrafos de Getulio Vargas para debater o que, no filme Getúlio, existe de idealização, confirmação e deturpação dos fatos. Quanto ao filme em si, poderia ser chamado de Beco sem saída ou Crônica de um suicídio anunciado. Enfocando os últimos dias da vida do presidente brasileiro, o filme de João Jardim (especialista em documentários como Pro dia nascer feliz) dá uma ideia da atmosfera sufocante respirada por Vargas naquele difícil período e dos motivos que o levaram a tomar a extrema medida. Sem entrar no mérito da questão histórica, que, como ressaltei, exigiria a opinião de quem estudou profundamente a matéria, Getúlio destaca-se pelas soberbas atuações de Toni Ramos, Alexandre Borges (no papel de Carlos Lacerda) e, principalmente, de Drica Moraes, que encarna a discreta Alzira Vargas, filha do presidente, dessas personagens que, à primeira vista, “não fedem, nem cheiram”, mas que exercem seu poder silencioso de modo sutil e eficaz.

Trem noturno para Lisboa

 Certos filmes ficam na cabeça da gente.
 Por duas semanas a fio, ruminei as belas e pausadas cenas do filme de Bille August. 


O cineasta dinamarquês venceu o Oscar de Melhor Filme Estrangeiro e a Palma de Ouro em Cannes com Pelle, o conquistador, em 1988. Em 1992, levou de novo a Palma de Ouro com As melhores intenções. 

Ruminei as belas e pausadas cenas na tentativa de descobrir o tema principal da obra, adaptada do livro homônimo de Pascal Mercier. Após muito meditar, cheguei à conclusão: o encontro de almas gêmeas.



 Em Trem noturno para Lisboa, um professor suíço, Raimond Gregorius, impede o suicídio de uma misteriosa moça prestes a se jogar de uma ponte, em Berna. Transtornada, a moça o acompanha até o colégio onde o professor leciona e é convidada a assistir à aula. O professor pendura o trench coat vermelho da moça no cabideiro. Súbito ela se retira da sala, deixando para trás o trench coat, e, no bolso, o livreto de um autor português: Amadeo Garcia. Intrigado, o professor leva o pequeno volume a um livreiro amigo seu. Ele conta que vendeu um livro a uma moça que vestia um casaco vermelho. Ao folhear o livro, uma passagem noturna para Lisboa cai do meio das páginas. Esse é apenas o começo de uma saga que levará o ensimesmado professor a abandonar sua rotina de décadas e partir em uma incessante busca para desvendar o mistério por trás da moça quase suicida e do autor português. Com um olhar sobre o período da história portuguesa que antecedeu a Revolução dos Cravos, alguém poderia ressaltar que Trem noturno para Lisboa na verdade é um filme sobre tortura, repressão, resistência e política. 



Por outro lado, as personagens vão formando vínculos invisíveis, mas intensos, que explicam suas às vezes desesperadas atitudes. O vínculo intelectual do professor com as palavras escritas por Amadeo Garcia. O vínculo obsessivo entre irmã e irmão. O vínculo entre dois amigos do peito. O vínculo entre uma mulher atraente e o melhor amigo do namorado. Por fim, o vínculo entre um professor divorciado e uma oftalmologista. Com brilhantes atuações do inglês Jeremy Irons, na pele do professor; da alemã Martina Gedeck (como Mariana, a oftalmologista); da eterna musa britânica Charlotte Rampling (como a irmã de Amadeo); de Christopher Lee, como o padre; da sueca Lena Olin, como a Stefânia madura; e de um bom elenco de jovens atores inclusive portugueses, Trem noturno para Lisboa é um filme delicado sobre o encontro de almas – às vezes, inusitadamente - gêmeas.

Argo

Argo recria, com elogiável distanciamento, um importante episódio histórico: a invasão da Embaixada dos EUA no Irã por uma feroz facção de manifestantes que fez 52 reféns, a fuga de fininho de seis funcionários, o refúgio clandestino na residência do embaixador canadense e, por fim, a exfiltração de Teerã forjando a produção falsa de um filme de ficção fake (aff, quanto "f" nesta frase, não é Ben Affleck?). A operação no mínimo ousada e corajosa foi levada a cabo pelo agente da CIA Tony Mendez. Claro que o roteiro embeleza um pouquinho e acrescenta e omite. Mas o maior mérito de Argo é não ser maniqueísta. Chama a atenção para o jogo político, para como as decisões de Relações Exteriores afetam o país e como a pressão da mídia afeta as decisões das cúpulas. Dirigido por Ben Affleck, que também interpreta o protagonista, Argo revela uma incomensurável paixão pelo cinema, mas essa paixão não ofusca nem cega: pelo contrário, serve como ponto de partida e como fonte de comentários ácidos e irônicos sobre a indústria cinematográfica. O filme vencedor do Oscar não tem nada de extraordinário, mas é um filme honesto, bem realizado e cuidadoso com os detalhes.  

Minhocas

Com apoio tecnológico da UFSC, os realizadores Paolo Conti e Arthur Nunes retrabalharam as ideias do premiado curta-metragem homônimo, e o resultado é o primeiro longa-metragem de stop-motion tupiniquim. O tratamento técnico é esmerado, mas o trunfo de Minhocas é a ponderada construção dos personagens: o inseguro Júnior, o nerd Nico e a bad girl Linda, trio que vai combater um lunático tatu-bola e sua gangue e descobrir a importância da amizade, da perseverança e do trabalho em equipe. Famosos emprestam suas vozes a coadjuvantes: Rita Lee é Marta, a mãe de Júnior, Daniel Boaventura é Big Wig (o tatu-bola vilão) e Mister Jumping (super-herói mascarado nos dois sentidos) e Anderson Silva é Cabelo, um dos capangas de Big Wig. Com custo de 10 milhões de reais, Minhocas é stop-motion made in Brazil com áudio em inglês, prontinho para o mercado global (o roteiro tem a colaboração do canadense Thomas LaPierre, da série O mundo encantado de Richard Scarry).

O reino gelado

Clássico da literatura universal recontado com a mais avançada tecnologia cinematográfica, O reino gelado nada mais é que a mais recente adaptação russa do conto de Hans Christian Andersen, A rainha da neve. Lançado no circuito internacional de cinema, The Snow Queen (Снежная королевa, 2012), com direção de Vladlen Barbe e Maxim Sveshnikov, é um encantador filme em 3-D.

Consegue unir a tradição com o moderno, ou seja, recontar, com a melhor tecnologia, uma obra imortal de modo respeitoso, mas sem medo de acrescentar aqui e ali novos e enriquecedores elementos. Entre as novidades, a presença de um arminho como bicho de estimação de Gerda, e a principal "mudança": Gerda e Kai são irmãos nessa adaptação do século XXI. 

Para quem pensa que os russos "não têm tradição em animação": a produção Снежная королева (não por acaso, também uma adaptação de A rainha da neve), do diretor Lev Atamanov, abiscoitou em 1957 nada mais nada menos que a Palma de Ouro em Cannes na categoria melhor animação. Quem quiser se deleitar com esse clássico da animação, pode conferir em cópia legendada em inglês no YouTube: http://www.youtube.com/watch?v=39PH16vpyXE.

Bolts & Blip: dois rôbos pirados

James Cameron afirmou em recente entrevista que o número de pessoas treinadas em utilizar a tecnologia 3-D na realização de filmes está aumentando de forma quase logarítmica. A julgar pela inundação de títulos muitas vezes obscuros que chegam às locadoras, essa afirmação deve ter algum fundo de verdade. Com o domínio da tecnologia, porém, nem sempre há um correspondente domínio do principal elemento de um filme: o roteiro. Muitos realizadores de filmes 3-D deveriam se preocupar mais com esse fundamento e menos com truques de imagem. A animação canadense/sul-coreana Bolts e Blip: dois robôs pirados procura requentar um misto de referências num roteiro um tanto caótico e com poucos elementos de surpresa. Os personagens são os mesmos da bem-sucedida série passada no canal Teletoon da tevê canadense e também nos EUA. Em tempo: meu filho de cinco anos deu nota 100 para o filme e ainda fez um comentário intertextual sobre a presença dos "schleprechauns", criaturas que remetem aos leprechauns do Gato Félix.

As aventuras de Sammy

Sammy, tartaruga-verde de 50 anos de idade, conta em flashback suas peripécias para dar a volta ao mundo, na companhia, entre encontros e desencontros, do amigo Ray e da amiga - e talvez algo mais - Shelly. As aventuras incluem a travessia pelo canal do Panamá e uma visitinha à Antártica, sempre enfrentando a poluição e a falta de consciência ecológica dos humanos, e, esporadicamente, contando com a ajuda deles. Importante nome no desenvolvimento dos filmes 3-D, o diretor belga Ben Stassen fundou em 1994 a nWave Pictures, inovadora produtora de filmes em formato IMAX. Em 2004 realizou Wild Safari, pioneiro documentário sobre vida selvagem para as gigantescas telas de IMAX. Com Os mosconautas no mundo da lua (2008), Stassen conta a história de três moscas astronautas, no primeiro filme planejado, criado e lançado apenas em 3-D. Crítico da massificação do 3-D, classifica muitos lançamentos estadunidenses como filmes "2,5-D" – quando os realizadores não se esforçam para utilizar o 3D como uma linguagem nova. No making of de As aventuras de Sammy, Ben Stasser define sua visão dos revolucionários recursos do 3-D: "Abordo o cinema 3-D como uma nova linguagem. Crio o filme de modo totalmente diferente de um filme 2-D. A experiência de assistir a um filme 3-D é bem diferente da do filme 2-D. Reagimos ao filme 2-D intelectual e emocionalmente. Com o 3-D, temos também um componente bem físico, a sensação de estar lá, o que aumenta a natureza imersiva da experiência de assistir. E para mim essa é a essência do cinema 3-D."

Imortais

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O cineasta indiano Tarsem Singh tem poucos filmes no currículo. Bem-sucedido realizador de videoclipes (entre os quais o premiado vídeo de Losing My Religion, do R.E.M.), estreou no cinema com a ficção científica A cela (2000), voltou a dar o ar de sua graça apenas em 2006, com Dublê de anjo. Dois longas elogiados pela bizarrice dos roteiros e pela plasticidade das imagens. Imortais (2011), o terceiro filme, talvez seja o ápice de sua "marca registrada": um cinema visualmente estarrecedor, com fotografia que lembra as telas de Turner e um apuro formal que beira o exagero. Com roteiro dos irmãos Parlapanides (greco-americanos com raízes em Nova Jersey), Imortais tem o mérito (?) de ousar, ou seja, mandar a mitologia para as cucuias, usá-la como "inspiração" ou "ponto de partida" para construir um universo ficcional paralelo. Os mais puristas torcerão o nariz para as liberdades tomadas pela dupla Charles e Vlas, mas eles parecem não dar bola às críticas. Concentraram o foco em Teseu (Henry Cavill), que assiste ao Rei Hipérion (Mickey Rourke) degolar a sua mãe. Discriminado e escravizado, com a ajuda de Zeus (Luke Evans) e de outros deuses do Monte Olimpo, e o amor da pitonisa Fedra (Freida Pinto), Teseu busca a vingança e a redenção. Nas palavras dos irmãos Parlapanides, o filme é sobre "um ateu que se torna mártir" (vide http://www.alexandrosmaragos.com/2011/09/parlapanides-brothers-interview.html). Estranha estética a serviço de um texto estranho: o resultado só poderia ser estranho, mas quem disse que "estranho" é uma qualidade indesejada? Desde já, Tarsem Singh faz também uma das cenas imortais dos efeitos 3-D: a em que Teseu lança quatro flechas quase simultâneas com o mágico arco de Épiro.

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Pequenos espiões 4

Não é sempre que os pais de espectadores mirins têm à disposição o incrível e inconstante talento de um diretor incrível e inconstante. Não é sempre que um diretor estreia com um clássico instantâneo como El Mariachi e constrói um currículo que inclui filmes imperdíveis como From Dusk Till Dawn e Sin City, mas que também se dá ao luxo de filmar meros caprichos como Machete. Não é sempre que um diretor texano de origem mexicana tem tanto conhecimento de causa para fazer filmes para o público kidult, afinal teve cinco filhos (Rocket, Racer, Rebel, Rogue e Rhiannon) com a mesma esposa, Elizabeth Avellan, de quem se separou nas filmagens de Planeta Terror, ao conhecer a atriz Rose McGowan. Não é sempre que um roteiro de filme infantojuvenil trata de um assunto tão relevante quanto dedicar o tempo à família e passar mais tempo com quem realmente amamos. Não é sempre que um roteiro tem a ousadia de mostrar que ter filhos a priori não impede pais e mães de correrem atrás de seus sonhos, muito antes pelo contrário. Não é sempre que uma família tem a oportunidade de usar bem o importante quesito tempo e assistir a um filme família legal como Pequenos espiões 4 (Spy Kids 4D - All the Time in the World), com Jennifer Alba liderando o elenco que conta com as participações de Alexa Vega e Daryl Sabara, os "pequenos espiões" originais, agora jovens adultos. Por fim, não é sempre que um filme é lançado em "4D Aromascope", modalidade de 3D acrescida de aromas e odores, raspando e cheirando cartões em determinadas partes do filme. Em casa, o negócio é colocar os óculos e curtir o aroma da... pipoca!

Outros mundos

O Cirque du Soleil continua sua surpreendente trajetória nos palcos e nas telas com Outros mundos (Worlds Away, 2012), com produção requintada de James Cameron e direção esmerada de Andrew Adamson (diretor dos dois primeiros filmes de duas bem-sucedidas franquias, Shrek - pela qual ganhou o Oscar - e Crônicas de Nárnia). Feito para o cinema, Outros mundos talvez só peque um pouco pela longa duração, em torno de 90 minutos. Uma tímida e linda espectadora (Erica Linz) se apaixona por um trapezista (Igor Zaripov) que desaparece ao cair no picadeiro e a acaba tragando junto e a levando a uma jornada onírica a outros mundos. A busca da garota pelo moço serve de delicado fio condutor com o objetivo primordial de visitar diversas e coloridas tendas onde se desenvolvem intrigantes coreografias. O filme serve de veículo para dar uma "palhinha" de nada menos que sete dos shows em cartaz em 2011 em Los Angeles: O, Mystère, Kà, Love, Zumanity, Viva Elvis e Criss Angel Believe. Ideal para se ver em casa, sem pressa, não necessariamente de uma sentada só. Para os fãs dos Beatles, é a chance de sentir o gostinho do aclamado espetáculo Love, que mescla a mágica do Cirque du Soleil com as inesquecíveis canções da banda de Liverpool.

Todo mundo quase morto

 

 Todo mundo quase morto é uma divertidíssima "comédia romântica" que conta a saga de Shaun (Simon Pegg, corroteirista do filme), jovem cujo relacionamento com Liz está a perigo por um singelo motivo: o pub Winchester. Explico. O mancebo só leva a garota sempre ao mesmo lugar na noite londrina, na companhia do amigo loser, que mais parece um morto-vivo. Ela sente falta de jantar fora. Ele promete mudar. Essa história é contada até os trinta minutos, enquanto no background coisas bizarras acontecem na capital inglesa. O espectador percebe que algo muito, muito estranho se desenrola, embora, aparentemente, Shaun e seu amigo não percebam. O único líquido vermelho que surge nessa espirituosa fase introdutória é a tinta que vaza no bolso de Shaun, que trabalha como vendedor em uma loja, ocasião em que recebe a visita do padrasto, cobrando de Shaun uma visita à mãe no aniversário dela. 
 
A partir dos 30 minutos, porém, o inicial déficit sanguinolento será sobejamente compensado, afinal de contas, essa comédia romântica tem como cenário uma Londres não apenas metaforicamente dominada por humanos vazios e catatônicos – e sedentos de sangue. Tanto que o recorrente bordão “You’ve got red on you” acaba se tornando uma piada interna – e uma das frases cultuadas do filme de Edgar Wright (também roteirista de As aventuras de Tintim junto com Joe Cornish, o diretor de Ataque ao prédio). Britanicamente a dupla de amigos combate os retornados sem armas de fogo: Shaun usa um taco de críquete para abater os cambaleantes mortos-vivos. O poder de fogo só aumenta na sequência final (quando ironicamente um grupo de humanos não infectados se refugia justamente no pub Winchester) e justamente uma winchester é utilizada contra os zumbis. Tem muita coisa nesse filme a ser debatida num pub entre pessoas que curtem gore e cultuam os filmes de George Romero e quejandos. Uma delas é o constante encontro de Shaun com Yvonne, moça que o espectador supõe ter uma queda por ele, e que serviria como “prêmio de consolação”, caso Liz realmente der o fora nele. Quem vai ficar com Shaun? Descubra você mesmo.