Arsène Lupin

Para quem tem dois filhos pequenos, é quase impossível querer assistir a um filme "adulto", até mesmo de vez em quando. A menos que o casal possa deixar os filhos com os avós, o que não é o meu caso na maior parte do tempo, a solução é assistir o filme em partes. Este filme de 2 horas e 10 minutos levei a semana inteira para ver, em flashes de 15, 20 minutos. Então, para mim, pareceu mais uma minissérie ou um seriado. E na verdade o roteiro tenta condensar muita coisa, para ser sincero.
Começando pelo começo: aluguei o filme num sábado (e aluguei-o pelo simples fato de que costumava ler os romances de Maurice Leblanc que eu pegava na biblioteca municipal) numa locadora de minha cidade, um dvd com a caixinha já quebrada na ponta, e como não era mais lançamento, e o dono da locadora é camarada, ele fez uma "diária estendida". Isso permitiu colocar em ação o meu plano de assistir o filme nas brechas. Durante o fim de semana nem pude dar muita atenção a ele, afinal o pequeno teve surtos de febre de 39 graus, e estivemos às voltas com pediatras, laboratórios de análises e o diabo a quatro, tudo para descobrir que não passava de uma virose benigna autolimitada.

Voltando à vaca fria, e com a temperatura do filho já em ordem, pude terminar a saga de ver este Arsène Lupin, com direção de Jean-Paul Salomé, protagonizado pelo ator Romain Duris, do cult De tanto bater, meu coração parou.
Esse Maurice Leblanc viaja mesmo, e se tudo que tem no filme tiver no livro, é de se tirar o chapéu para ele, e também para os roteiristas que conseguiram adaptar de modo razoável coisas que nas páginas são contadas com elegância e precisão. O elenco, como de costume em filmes franceses, já vale o filme. Este em especial conta com duas belas e hipnóticas atrizes: Eva Green, a priminha apaixonada por Arsène, e Kristin Scott Thomas, a enigmática, às vezes sedutora, às vezes pérfida, Josephine, a condessa de Cagliostro, personagem redondíssima (aquela que segundo a teoria literária se comporta de modo imprevisível e tem várias facetas, ou seja, personagem totalmente anticlichê) e leitmotiv do filme. Com um ritmo alucinante que lembra outro filme francês da mesma época (Pacto dos lobos), Arsène Lupin, o filme de 2004, serve para introduzir as novas gerações ao charmoso personagem. Sendo um apaixonado por essa interface literatura-cinema, aproveito a deixa para publicar as capas de algumas edições do livro que serviu de inspiração ao filme.

Uma viagem extraordinária

T. S. Spivet (Kyle Catlett) mora com os pais, o irmão gêmeo Layton que usa armas de fogo e a irmã mais velha que sonha em participar de um concurso de beleza num rancho de Montana que se situa numa região divisora de águas. A água que chove a Leste corre ao Oceano Atlântico, a que chove a Oeste corre ao Pacífico. Águas correm para lados opostos, e opostas são as qualidades desse menino filho de um casal bastante heterogêneo. O pai de poucas palavras é um prático criador de cabras. A mãe articulada é uma teórica que cataloga insetos. T. S. nasceu com esses dois talentos e enquanto cada pessoa e animal do rancho toca a sua vida aparentemente pacata, o menino de 10 anos faz desenhos, escreve artigos e projeta protótipos. Mas ninguém parece dar muita bola para seus talentos, nem o professor de ciências da escola, nem o seu pai, a quem T. S. apresenta uma maquete para solucionar um problema de captação de água do rancho. Quando a família se depara com a fatalidade, cada membro reage à sua maneira. T. S. precisa superar a perda e resolve fazer uma longa jornada por conta própria, para receber um prêmio científico pela invenção de um mecanismo de movimento perpétuo.

O diretor Jean-Pierre Jeunet (de filmes aparentemente tão díspares quanto O fabuloso destino de Amélie Poulain e Alien, a ressurreição) adapta em 3-D o romance de estreia de Reif Larsen, The Selected Works of T. S. Spivet  (por sinal, o escritor nascido em Cambridge, Massachusetts, em 1980, acaba de lançar o segundo livro, chamado I am Radar). O resultado é similar aos demais itens da não prolífica filmografia desse diretor: bizarro, exótico, estranho, esquisito, excêntrico... A qualidade do 3-D é excelente, pois o filme foi realizado com equipamento para essa tecnologia, e não adaptado em "pós-produção" para caçar níqueis. Mais uma prova cabal de que o 3-D pode enriquecer outros "gêneros" além de ficção, aventura e animação. Para quem torce o nariz para o 3-D ou fica tonto (como acontece com minha irmã, por exemplo), o blu-ray tem a versão 2D, mas é uma pena perder a sutileza com que Jeunet usa a tecnologia em prol de contar a terna história de um menino em busca de ser reconhecido e... amado.

Uma noite no museu 3 - o segredo da tumba

A franquia assinada pelo diretor Shawn Levy chega ao terceiro e, aparentemente, último filme. Se bem que a sequência final dá uma pequena esperança aos que já imaginavam impossível uma nova continuação. Enfim, quem viver, verá.

Espinafrado por apaixonados por obras profundas, nem por isso Uma noite no museu 3 - o segredo da tumba deixou de agradar os fãs de Ben Stiller e de comédias nada pretensiosas. Só posso testemunhar que levei a família ao cinema e presenciei ao vivo as gargalhadas de muitos espectadores. E quem dá gargalhadas nesse tipo de filme? Alguém que paga ingresso para ir ao cinema e que não se infiltra na sala de cinema com o único objetivo de comparar um filme com outros que considera "cinco estrelas"; alguém que talvez até conheça a obra de Eisenstein, Kurosawa, Lynch, Bergman, Fellini e quejandos, mas sabe apreciar o cinema em suas diferentes manifestações, sem precisar "desligar o cérebro". Tanto melhor que Shawn Levy não se importa muito com isso. Prefere agradar as massas, embora talvez entenda e aceite o trabalho de pessoas que já entram na sala de cinema determinadas a serem rigorosas. Mas sua filmografia confirma que o diretor canadense não se deixa abalar muito fácil: Recém-casados, Doze é demais, A pantera cor-de-rosa, além da trilogia Uma noite no museu. Todos filmes com mais sucesso de "público" do que de "crítica".

Minha ligação com este filme vai além de cinéfilo curioso: fui contratado pela Novo Século Editora para traduzir a novelização da obra, antes mesmo de o filme ser lançado nos cinemas brasileiros. Ou seja, pude conhecer a trama e alguns diálogos em primeira mão e participar um pouco da criação desses diálogos em nossa língua materna. Mais detalhes sobre essa minha faceta tradutória
no blog:
http://oliveiraguerra.blogspot.com.br/.

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12 anos de escravidão

Os incautos devem pensar que a Academia "mudou o perfil" e, de uns anos para cá (leia-se, a partir de Crash) tem premiado filmes de produtoras menores, mais "artísticos" e menos "comerciais". Essa é a percepção de quem não tem conhecimento da história do Oscar, o mais importante prêmio do cinema mundial. Afinal, SEMPRE a Academia premiou filmes independentemente de seu orçamento, SEMPRE a Academia chamou a atenção para filmes que valem a pena serem vistos, SEMPRE a Academia serviu ao público de baliza do melhor que se faz do cinema num ano, numa década. E 12 anos de escravidão só confirma a tradição da Academia em acertar em cheio. O filme de Steve Mcqueen abiscoitou três Oscars: Melhor Filme, Melhor Roteiro Adaptado e Melhor Atriz Coadjuvante. O roteiro bem alinhavado de John Ridley baseia-se no livro 12 years a slave, narrativa verídica publicada em 1853, e conta a assustadora situação de Solomon Northrup (Chiwetel Ejiofor), violinista nova-iorquino que é raptado e vendido para trabalhar como escravo nas fazendas de algodão, no sul dos EUA. De fazenda em fazenda, Solomon vivencia vários dramas e conhece a realidade de outros escravos, como a tímida Patsey (Lupita Nyong'o), assediada pelo fazendeiro Edwin Epps (Michael Fassbender, indicado para o Oscar de coadjuvante). A saga de Solomon é contada com um supremo cuidado com todos os detalhes, desde o figurino até a maquiagem, e, é claro, a fotografia e a direção. Com um elenco de apoio bastante expressivo (Paul Dano, Sarah Paulson, Paul Giamatti, Benedict Cumberbatch e Brad Pitt, entre outros), 12 anos de escravidão mostra com uma fotografia deslumbrante a contundente beleza das paisagens sulistas, contrastando ainda mais com os horrores humanos que ali aconteceram. Nos extras, o diretor Steve Mcqueen explica como concebeu e foi realizada a cena do açoite de Patsey, uma das mais impactantes do filme. E também o ator Chiwetel Ejiofor lê trechos do livro, permeados com cenas e depoimentos dos atores e profissionais que participaram da produção.

Olho nu

O grupo Secos e molhados fez um sucesso meteórico na década de 1970 no Brasil, musicando poemas e teatralizando nas apresentações. Foi um dos momentos mais significativos da carreira do cantor Ney Matogrosso, camaleônico intérprete da MPB. Essa fase e outras tantas aparecem no documentário Olho nu, de Joel Pizzini. A película mostra o background do cantor, sua relação conturbada com o pai militar (mas que no fim aceita o fato de o filho ser artista), sua dificuldade em se resignar com as imposições do "mercado fonográfico", sua versatilidade de repertório, suas muitas e férteis parcerias com outros cantores e compositores. Prato cheio para quem deseja conhecer mais sobre a história não só de um importante cantor nacional, mas de nossa música.

Oslo, 31 de agosto

Com direção de Joachim Trier, Oslo, 31 de agosto é um filme que nos desperta sensações ambíguas. Ou melhor, nada a ver usar plural majestático num blog de cinema. E sobre suas próprias sensações, aliás, cada um deve tentar identificar e saber reconhecer. Portanto, vou falar das minhas. Ora, quem é que vai numa sala de cinema alternativa em plena manhã dominical para assistir a um filme norueguês cuja resenha já indica que é do tipo “de cortar os pulsos”? No mínimo, nenhum desavisado. No mínimo, alguém que já sabe que o filme remete a Trinta anos esta noite, realizado por Louis Malle em 1963, adaptação do livro Fogo fátuo, de Pierre Drieu La Rochelle, inspirado na vida do poeta francês Jacques Rigaut. Mesmo assim, não consigo negar que o filme me provocou, a princípio, uma profunda irritação. Mais um filme tedioso composto sob a égide do dogma 95, mais uma película sobre vazio existencial, sucessão de diálogos cotidianos e enfadonhos cujo interlocutor sempre é o mesmo e enfadonho protagonista. Pausa. Respire fundo. Tente ir além. Observe o rigor formal. A arte que involucra a história. A música que não toca, exceto quando há música de verdade, A-ha tocando no rádio do táxi, um piano melancólico tocado em uma casa prestes a ser vendida. Cena após cena, a irritação começa a dar espaço à admiração. Em especial, a cena em que Anders senta sozinho num café e passa a prestar atenção quase involuntariamente nas conversas das mesas ao redor. Identifiquei-me com esta cena. Anders (Anders Danielsen Lie) é meio assim, parece que mesmo sem querer, nada lhe escapa, tem uma audição panorâmica e um radar até meio paranoico, tipo, que nota quando alguém lhe observa ou comenta algo sobre ele. Começo a tentar entender Anders e a me identificar com ele, e não é difícil para ninguém se identificar com um perdedor com QI alto habitante de um país nórdico. Ah, a bela sonoridade das línguas escandinavas! Para desfrutar de Oslo, 31 de agosto, basta isso: baixar a guarda. Entregar-se ao filme e à arte cinematográfica como um suicida imola a alma.

Getúlio

O livro Passado imperfeito: a história no cinema (Record, 1997), organizado por Mark C. Carnes, traz uma série de artigos em que historiadores analisam o vínculo entre produções cinematográficas e o registro histórico. Nesse sentido, seria no mínimo interessante reunir uma mesa-redonda de biógrafos de Getulio Vargas para debater o que, no filme Getúlio, existe de idealização, confirmação e deturpação dos fatos. Quanto ao filme em si, poderia ser chamado de Beco sem saída ou Crônica de um suicídio anunciado. Enfocando os últimos dias da vida do presidente brasileiro, o filme de João Jardim (especialista em documentários como Pro dia nascer feliz) dá uma ideia da atmosfera sufocante respirada por Vargas naquele difícil período e dos motivos que o levaram a tomar a extrema medida. Sem entrar no mérito da questão histórica, que, como ressaltei, exigiria a opinião de quem estudou profundamente a matéria, Getúlio destaca-se pelas soberbas atuações de Toni Ramos, Alexandre Borges (no papel de Carlos Lacerda) e, principalmente, de Drica Moraes, que encarna a discreta Alzira Vargas, filha do presidente, dessas personagens que, à primeira vista, “não fedem, nem cheiram”, mas que exercem seu poder silencioso de modo sutil e eficaz.

Trem noturno para Lisboa

 Certos filmes ficam na cabeça da gente.
 Por duas semanas a fio, ruminei as belas e pausadas cenas do filme de Bille August. 


O cineasta dinamarquês venceu o Oscar de Melhor Filme Estrangeiro e a Palma de Ouro em Cannes com Pelle, o conquistador, em 1988. Em 1992, levou de novo a Palma de Ouro com As melhores intenções. 

Ruminei as belas e pausadas cenas na tentativa de descobrir o tema principal da obra, adaptada do livro homônimo de Pascal Mercier. Após muito meditar, cheguei à conclusão: o encontro de almas gêmeas.



 Em Trem noturno para Lisboa, um professor suíço, Raimond Gregorius, impede o suicídio de uma misteriosa moça prestes a se jogar de uma ponte, em Berna. Transtornada, a moça o acompanha até o colégio onde o professor leciona e é convidada a assistir à aula. O professor pendura o trench coat vermelho da moça no cabideiro. Súbito ela se retira da sala, deixando para trás o trench coat, e, no bolso, o livreto de um autor português: Amadeo Garcia. Intrigado, o professor leva o pequeno volume a um livreiro amigo seu. Ele conta que vendeu um livro a uma moça que vestia um casaco vermelho. Ao folhear o livro, uma passagem noturna para Lisboa cai do meio das páginas. Esse é apenas o começo de uma saga que levará o ensimesmado professor a abandonar sua rotina de décadas e partir em uma incessante busca para desvendar o mistério por trás da moça quase suicida e do autor português. Com um olhar sobre o período da história portuguesa que antecedeu a Revolução dos Cravos, alguém poderia ressaltar que Trem noturno para Lisboa na verdade é um filme sobre tortura, repressão, resistência e política. 



Por outro lado, as personagens vão formando vínculos invisíveis, mas intensos, que explicam suas às vezes desesperadas atitudes. O vínculo intelectual do professor com as palavras escritas por Amadeo Garcia. O vínculo obsessivo entre irmã e irmão. O vínculo entre dois amigos do peito. O vínculo entre uma mulher atraente e o melhor amigo do namorado. Por fim, o vínculo entre um professor divorciado e uma oftalmologista. Com brilhantes atuações do inglês Jeremy Irons, na pele do professor; da alemã Martina Gedeck (como Mariana, a oftalmologista); da eterna musa britânica Charlotte Rampling (como a irmã de Amadeo); de Christopher Lee, como o padre; da sueca Lena Olin, como a Stefânia madura; e de um bom elenco de jovens atores inclusive portugueses, Trem noturno para Lisboa é um filme delicado sobre o encontro de almas – às vezes, inusitadamente - gêmeas.

Argo

Argo recria, com elogiável distanciamento, um importante episódio histórico: a invasão da Embaixada dos EUA no Irã por uma feroz facção de manifestantes que fez 52 reféns, a fuga de fininho de seis funcionários, o refúgio clandestino na residência do embaixador canadense e, por fim, a exfiltração de Teerã forjando a produção falsa de um filme de ficção fake (aff, quanto "f" nesta frase, não é Ben Affleck?). A operação no mínimo ousada e corajosa foi levada a cabo pelo agente da CIA Tony Mendez. Claro que o roteiro embeleza um pouquinho e acrescenta e omite. Mas o maior mérito de Argo é não ser maniqueísta. Chama a atenção para o jogo político, para como as decisões de Relações Exteriores afetam o país e como a pressão da mídia afeta as decisões das cúpulas. Dirigido por Ben Affleck, que também interpreta o protagonista, Argo revela uma incomensurável paixão pelo cinema, mas essa paixão não ofusca nem cega: pelo contrário, serve como ponto de partida e como fonte de comentários ácidos e irônicos sobre a indústria cinematográfica. O filme vencedor do Oscar não tem nada de extraordinário, mas é um filme honesto, bem realizado e cuidadoso com os detalhes.  

Minhocas

Com apoio tecnológico da UFSC, os realizadores Paolo Conti e Arthur Nunes retrabalharam as ideias do premiado curta-metragem homônimo, e o resultado é o primeiro longa-metragem de stop-motion tupiniquim. O tratamento técnico é esmerado, mas o trunfo de Minhocas é a ponderada construção dos personagens: o inseguro Júnior, o nerd Nico e a bad girl Linda, trio que vai combater um lunático tatu-bola e sua gangue e descobrir a importância da amizade, da perseverança e do trabalho em equipe. Famosos emprestam suas vozes a coadjuvantes: Rita Lee é Marta, a mãe de Júnior, Daniel Boaventura é Big Wig (o tatu-bola vilão) e Mister Jumping (super-herói mascarado nos dois sentidos) e Anderson Silva é Cabelo, um dos capangas de Big Wig. Com custo de 10 milhões de reais, Minhocas é stop-motion made in Brazil com áudio em inglês, prontinho para o mercado global (o roteiro tem a colaboração do canadense Thomas LaPierre, da série O mundo encantado de Richard Scarry).

O reino gelado

Clássico da literatura universal recontado com a mais avançada tecnologia cinematográfica, O reino gelado nada mais é que a mais recente adaptação russa do conto de Hans Christian Andersen, A rainha da neve. Lançado no circuito internacional de cinema, The Snow Queen (Снежная королевa, 2012), com direção de Vladlen Barbe e Maxim Sveshnikov, é um encantador filme em 3-D.

Consegue unir a tradição com o moderno, ou seja, recontar, com a melhor tecnologia, uma obra imortal de modo respeitoso, mas sem medo de acrescentar aqui e ali novos e enriquecedores elementos. Entre as novidades, a presença de um arminho como bicho de estimação de Gerda, e a principal "mudança": Gerda e Kai são irmãos nessa adaptação do século XXI. 

Para quem pensa que os russos "não têm tradição em animação": a produção Снежная королева (não por acaso, também uma adaptação de A rainha da neve), do diretor Lev Atamanov, abiscoitou em 1957 nada mais nada menos que a Palma de Ouro em Cannes na categoria melhor animação. Quem quiser se deleitar com esse clássico da animação, pode conferir em cópia legendada em inglês no YouTube: http://www.youtube.com/watch?v=39PH16vpyXE.

Bolts & Blip: dois rôbos pirados

James Cameron afirmou em recente entrevista que o número de pessoas treinadas em utilizar a tecnologia 3-D na realização de filmes está aumentando de forma quase logarítmica. A julgar pela inundação de títulos muitas vezes obscuros que chegam às locadoras, essa afirmação deve ter algum fundo de verdade. Com o domínio da tecnologia, porém, nem sempre há um correspondente domínio do principal elemento de um filme: o roteiro. Muitos realizadores de filmes 3-D deveriam se preocupar mais com esse fundamento e menos com truques de imagem. A animação canadense/sul-coreana Bolts e Blip: dois robôs pirados procura requentar um misto de referências num roteiro um tanto caótico e com poucos elementos de surpresa. Os personagens são os mesmos da bem-sucedida série passada no canal Teletoon da tevê canadense e também nos EUA. Em tempo: meu filho de cinco anos deu nota 100 para o filme e ainda fez um comentário intertextual sobre a presença dos "schleprechauns", criaturas que remetem aos leprechauns do Gato Félix.

As aventuras de Sammy

Sammy, tartaruga-verde de 50 anos de idade, conta em flashback suas peripécias para dar a volta ao mundo, na companhia, entre encontros e desencontros, do amigo Ray e da amiga - e talvez algo mais - Shelly. As aventuras incluem a travessia pelo canal do Panamá e uma visitinha à Antártica, sempre enfrentando a poluição e a falta de consciência ecológica dos humanos, e, esporadicamente, contando com a ajuda deles. Importante nome no desenvolvimento dos filmes 3-D, o diretor belga Ben Stassen fundou em 1994 a nWave Pictures, inovadora produtora de filmes em formato IMAX. Em 2004 realizou Wild Safari, pioneiro documentário sobre vida selvagem para as gigantescas telas de IMAX. Com Os mosconautas no mundo da lua (2008), Stassen conta a história de três moscas astronautas, no primeiro filme planejado, criado e lançado apenas em 3-D. Crítico da massificação do 3-D, classifica muitos lançamentos estadunidenses como filmes "2,5-D" – quando os realizadores não se esforçam para utilizar o 3D como uma linguagem nova. No making of de As aventuras de Sammy, Ben Stasser define sua visão dos revolucionários recursos do 3-D: "Abordo o cinema 3-D como uma nova linguagem. Crio o filme de modo totalmente diferente de um filme 2-D. A experiência de assistir a um filme 3-D é bem diferente da do filme 2-D. Reagimos ao filme 2-D intelectual e emocionalmente. Com o 3-D, temos também um componente bem físico, a sensação de estar lá, o que aumenta a natureza imersiva da experiência de assistir. E para mim essa é a essência do cinema 3-D."

Imortais

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O cineasta indiano Tarsem Singh tem poucos filmes no currículo. Bem-sucedido realizador de videoclipes (entre os quais o premiado vídeo de Losing My Religion, do R.E.M.), estreou no cinema com a ficção científica A cela (2000), voltou a dar o ar de sua graça apenas em 2006, com Dublê de anjo. Dois longas elogiados pela bizarrice dos roteiros e pela plasticidade das imagens. Imortais (2011), o terceiro filme, talvez seja o ápice de sua "marca registrada": um cinema visualmente estarrecedor, com fotografia que lembra as telas de Turner e um apuro formal que beira o exagero. Com roteiro dos irmãos Parlapanides (greco-americanos com raízes em Nova Jersey), Imortais tem o mérito (?) de ousar, ou seja, mandar a mitologia para as cucuias, usá-la como "inspiração" ou "ponto de partida" para construir um universo ficcional paralelo. Os mais puristas torcerão o nariz para as liberdades tomadas pela dupla Charles e Vlas, mas eles parecem não dar bola às críticas. Concentraram o foco em Teseu (Henry Cavill), que assiste ao Rei Hipérion (Mickey Rourke) degolar a sua mãe. Discriminado e escravizado, com a ajuda de Zeus (Luke Evans) e de outros deuses do Monte Olimpo, e o amor da pitonisa Fedra (Freida Pinto), Teseu busca a vingança e a redenção. Nas palavras dos irmãos Parlapanides, o filme é sobre "um ateu que se torna mártir" (vide http://www.alexandrosmaragos.com/2011/09/parlapanides-brothers-interview.html). Estranha estética a serviço de um texto estranho: o resultado só poderia ser estranho, mas quem disse que "estranho" é uma qualidade indesejada? Desde já, Tarsem Singh faz também uma das cenas imortais dos efeitos 3-D: a em que Teseu lança quatro flechas quase simultâneas com o mágico arco de Épiro.

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Pequenos espiões 4

Não é sempre que os pais de espectadores mirins têm à disposição o incrível e inconstante talento de um diretor incrível e inconstante. Não é sempre que um diretor estreia com um clássico instantâneo como El Mariachi e constrói um currículo que inclui filmes imperdíveis como From Dusk Till Dawn e Sin City, mas que também se dá ao luxo de filmar meros caprichos como Machete. Não é sempre que um diretor texano de origem mexicana tem tanto conhecimento de causa para fazer filmes para o público kidult, afinal teve cinco filhos (Rocket, Racer, Rebel, Rogue e Rhiannon) com a mesma esposa, Elizabeth Avellan, de quem se separou nas filmagens de Planeta Terror, ao conhecer a atriz Rose McGowan. Não é sempre que um roteiro de filme infantojuvenil trata de um assunto tão relevante quanto dedicar o tempo à família e passar mais tempo com quem realmente amamos. Não é sempre que um roteiro tem a ousadia de mostrar que ter filhos a priori não impede pais e mães de correrem atrás de seus sonhos, muito antes pelo contrário. Não é sempre que uma família tem a oportunidade de usar bem o importante quesito tempo e assistir a um filme família legal como Pequenos espiões 4 (Spy Kids 4D - All the Time in the World), com Jennifer Alba liderando o elenco que conta com as participações de Alexa Vega e Daryl Sabara, os "pequenos espiões" originais, agora jovens adultos. Por fim, não é sempre que um filme é lançado em "4D Aromascope", modalidade de 3D acrescida de aromas e odores, raspando e cheirando cartões em determinadas partes do filme. Em casa, o negócio é colocar os óculos e curtir o aroma da... pipoca!

Outros mundos

O Cirque du Soleil continua sua surpreendente trajetória nos palcos e nas telas com Outros mundos (Worlds Away, 2012), com produção requintada de James Cameron e direção esmerada de Andrew Adamson (diretor dos dois primeiros filmes de duas bem-sucedidas franquias, Shrek - pela qual ganhou o Oscar - e Crônicas de Nárnia). Feito para o cinema, Outros mundos talvez só peque um pouco pela longa duração, em torno de 90 minutos. Uma tímida e linda espectadora (Erica Linz) se apaixona por um trapezista (Igor Zaripov) que desaparece ao cair no picadeiro e a acaba tragando junto e a levando a uma jornada onírica a outros mundos. A busca da garota pelo moço serve de delicado fio condutor com o objetivo primordial de visitar diversas e coloridas tendas onde se desenvolvem intrigantes coreografias. O filme serve de veículo para dar uma "palhinha" de nada menos que sete dos shows em cartaz em 2011 em Los Angeles: O, Mystère, Kà, Love, Zumanity, Viva Elvis e Criss Angel Believe. Ideal para se ver em casa, sem pressa, não necessariamente de uma sentada só. Para os fãs dos Beatles, é a chance de sentir o gostinho do aclamado espetáculo Love, que mescla a mágica do Cirque du Soleil com as inesquecíveis canções da banda de Liverpool.

Todo mundo quase morto

 

 Todo mundo quase morto é uma divertidíssima "comédia romântica" que conta a saga de Shaun (Simon Pegg, corroteirista do filme), jovem cujo relacionamento com Liz está a perigo por um singelo motivo: o pub Winchester. Explico. O mancebo só leva a garota sempre ao mesmo lugar na noite londrina, na companhia do amigo loser, que mais parece um morto-vivo. Ela sente falta de jantar fora. Ele promete mudar. Essa história é contada até os trinta minutos, enquanto no background coisas bizarras acontecem na capital inglesa. O espectador percebe que algo muito, muito estranho se desenrola, embora, aparentemente, Shaun e seu amigo não percebam. O único líquido vermelho que surge nessa espirituosa fase introdutória é a tinta que vaza no bolso de Shaun, que trabalha como vendedor em uma loja, ocasião em que recebe a visita do padrasto, cobrando de Shaun uma visita à mãe no aniversário dela. 
 
A partir dos 30 minutos, porém, o inicial déficit sanguinolento será sobejamente compensado, afinal de contas, essa comédia romântica tem como cenário uma Londres não apenas metaforicamente dominada por humanos vazios e catatônicos – e sedentos de sangue. Tanto que o recorrente bordão “You’ve got red on you” acaba se tornando uma piada interna – e uma das frases cultuadas do filme de Edgar Wright (também roteirista de As aventuras de Tintim junto com Joe Cornish, o diretor de Ataque ao prédio). Britanicamente a dupla de amigos combate os retornados sem armas de fogo: Shaun usa um taco de críquete para abater os cambaleantes mortos-vivos. O poder de fogo só aumenta na sequência final (quando ironicamente um grupo de humanos não infectados se refugia justamente no pub Winchester) e justamente uma winchester é utilizada contra os zumbis. Tem muita coisa nesse filme a ser debatida num pub entre pessoas que curtem gore e cultuam os filmes de George Romero e quejandos. Uma delas é o constante encontro de Shaun com Yvonne, moça que o espectador supõe ter uma queda por ele, e que serviria como “prêmio de consolação”, caso Liz realmente der o fora nele. Quem vai ficar com Shaun? Descubra você mesmo.

O Besouro Verde

Depois de uma vitoriosa carreira na direção de videoclipes e comerciais de televisão, Michel Gondry fez sua triunfal estreia como diretor de cinema com Brilho eterno de uma mente sem lembranças (2004). Continuou sua trajetória autoral em Sonhando acordado (2006). Depois de cinco anos com projetos menores, volta ao mainstream como o olhar por trás das câmeras de O Besouro Verde (The Green Hornet, 2011). Desde já, Michel Gondry entra para a seleta lista de diretores com cenas clássicas em 3-D. Refiro-me à singela cena em que Kato (Jay Chou) abre duas long necks com um golpe de karatê. A cena funciona às mil maravilhas no 3-D doméstico e dá a tônica do filme: muita diversão com uma direção eficaz, que sabe aproveitar a mágica do 3-D. Alguém poderá criticar as caras e bocas de Seth Rogen na pele de Britt Reid, herdeiro de um império das comunicações que resolve, com a ajuda do engenhoso Kato, criar um anti-herói, misto de contraventor e benfeitor, e ordena o staff do jornal estampar sempre na primeira página suas ambíguas ações noturnas. Mas o fato é que Seth Rogen, a exemplo de Jim Carrey, é o tipo de ator com raízes na comédia mas versátil. A propósito, um dos pontos fortes de O Besouro Verde é justamente o elenco: desde o genial (e eterno coadjuvante) Christoph Waltz na pele do hilário vilão Chudnofsky; Tom Wilkinson como o rigoroso pai de Britt; o já mencionado Jay Chou encarnando o inventivo Kato; e, last but definitely not least, a sempre musa Cameron Diaz como a competente e seriíssima secretária Lenore Case. No frigir dos ovos, O Besouro Verde surpreende positivamente - e a precisão cirúrgica do diretor Michel Gondry contribui muito para isso.

Meus amigos dinossauros

O fato de Dino Time (Meus amigos dinossauros, 2012) não ter sido lançado nos cinemas mundiais demonstra o atual patamar da animação, em termos de quantidade e qualidade. Nesse cenário de acirrada competição, mesmo um filme com as vozes dos irmãos Baldwin, Jane Lynch e Melanie Griffith (que dubla Tyra, a mamãe tiranossaura que adota filhotes humanos) acabou relegado a segundo plano.  Não entrou nos cinemas no circuito internacional e teve de se contentar com uma carreira “apenas” nas locadoras. “Apenas” entre aspas porque quem sai ganhando com essa fartura de opções é o público do 3-D doméstico. Mas, diga-se de passagem, a fartura também exige pais mais informados, para uma escolha não impulsiva. Aí vai a informação útil: Meus amigos dinossauros vale a locação, sem dúvida. Roteiro bem amarrado que brinca com conceitos explorados por H. G. Wells em A máquina do tempo. As crianças Ernie, Max e Julia acidentalmente acionam a máquina do tempo fabricada pelo Dr. Santiago (pai de Max), que, com a ajuda de Sue (mãe de Ernie e Julia), tenta resgatar o trio viajante no tempo das garras (e dentes) dos ferozes sarcossauros. Como em outras produções de menor orçamento, esta coprodução da Coreia do Sul e dos EUA, dirigida por Yoon-Suk Choi e John Kafka, apresenta um discreto uso do 3-D, agindo mais em termos de profundidade do que saltando para fora da tela (como no menu do filme).