Colossus 1980

 

Filme de ficção científica de 1970 que funciona e trabalha em dois níveis: a dicotomia entre "criador" e "criatura" (lembrando a obra de Mary Shelley, Frankenstein) e a ameaça da inteligência artificial para a humanidade (na esteira do sucesso de 2001, uma odisseia no espaço).

O doutor Forbin é o criador de Colossus, um computador imenso que passa a controlar o arsenal nuclear dos Estados Unidos. A União Soviética, porém, também lança um projeto semelhante, o Guardian.

O suspense se instala quando os dois computadores inadvertidamente estabelecem uma conexão perigosa. Quando o ser humano súbito se torna refém da máquina, o terror substitui o suspense, em um filme que tem lá seu charme.

Uma das curiosidades do roteiro é o estratagema bolado pelo Dr. Forbin para trocar informações com a equipe sem ser vigiado por Colossus. 

Diuturnamente controlado por câmeras instaladas em todos os cômodos e salas, Forbin convence Colossus que precisa de "privacidade" algumas noites por semana para encontros sexuais com sua amante.

O diretor Joseph Sargent é um especialista em cumprir a deadline, um sujeito que trabalhou de 1966 a 2008 ininterruptamente fazendo mais de 40 filmes, sem ganhar notoriedade ou reconhecimento.

O "grande" Roger Ebert (que, como todo bom crítico de cinema, cospe na trajetória da pessoa e se agarra apenas "no que acabou de ver") o classificou de incompetente.

A maior honraria que Sargent recebeu na carreira foi uma indicação à Framboesa de Pior Diretor pelo filme Tubarão 4, a vingança.

E a maior qualidade de Sargent é fazer o que gosta, ser um "pau-pra-toda-obra" da indústria cinematográfica, mostrar a sua resiliência e sua capacidade de continuar, apesar das críticas muitas vezes superficiais e ridículas. 

Em tempo: O sequestro de metrô 123, filme de 1974, foi o auge de sua carreira no cinema, dirigindo Walther Mattau, Robert Shaw, Martin Balsam e Héctor Elizondo.

Duelo de titãs

 Remember the Titans (2000) conta a história de como um treinador de futebol americano de etnia afro levou um time de jogadores brancos e negros da cidade de Alexandria, Virgínia, à conquista do campeonato estadual.

O roteirista Gregory Allen Howard conta nos extras que teve o lampejo para buscar a história enquanto cortava o cabelo numa barbearia, e ouviu uma conversa sobre um time que ninguém esqueceu na cidade, um time que foi campeão estadual em 1971 e, de quebra, mudou o ponto de vista dos habitantes sobre a integração racial nas escolas.

Coprodução da Disney e Jerry Bruckheimer, Duelo de titãs tem no elenco o seu trunfo. Encabeçado por Denzel Washington no papel de Herman Boone, tem como coadjuvante Will Patton como Bill Yoast, o técnico branco que é destituído do cargo para a entrada de Boone. Em vez de sair ele resolve ficar como auxiliar e técnico da defesa. 

Os próprios Herman Boone e Bill Yoast colaboraram nas filmagens como consultores e mostram nos extras que sua amizade perdurou no tempo. Um time de atores jovens colabora para o sucesso do filme: Wood Harris, Ryan Hurst e, é claro, Ryan Gosling, cuja carreira decolou na sequência, embora o seu papel neste filme não tenha tanto destaque. Este é o segundo longa-metragem do astro de Drive, Blade Runner 2049, La La Land e O primeiro homem, entre outros sucessos. A sua estreia foi em 1996 no filme Frankenstein: o sonho não acabou.

Abordando temas importantes como as tensões raciais que infelizmente também ainda perduram nos EUA, o combate ao racismo, o convite à integração racial verdadeira, sem preconceitos, o efeito transformador da liderança e do esporte, Duelo de titãs é um filme que marcou época e pode ser assistido ainda hoje pela atualidade de seus temas. 

The Young Vagabond

Quis mostrar ao meu filho de 8 anos o quanto um filme de kung-fu pode ser divertido.

Fiz uma busca na Netflix com a expressão 

"Kung-fu" 

e apareceram vários filmes de Hong Kong de décadas passadas.

Pândego como ele é, um título logo despertou a sua curiosidade:

The Young Vagabond.

Em suma, foi ele quem escolheu o filme.

Começamos a assistir e foi uma risada após a outra.

Decididamente uma comédia, e das boas!

Mas eis que o filme dá uma súbita guinada para o macabro.

A impressão que se tem é que os roteiristas também se deixaram levar pelo vinho,

bebida preferida do personagem principal.

Não tentei (nem teria conseguido) explicar para o meu filho porque um filme que começou como comédia terminou de modo tão violento.

Em geral, a vingança é um dos leitmotivs desse tipo de filme,

e The Young Vagabond, 

que tem cenas engraçadíssimas de 

futebol,

salas de aula,

lutas à toa,

tem também as indefectíveis sequências de 

"mestre e aluno",

mortes por engano, 

perfídia, traição, conspiração,

e, é claro,

vingança a qualquer custo.

A sessão foi bastante didática no sentido de que nesse "gênero" não existem "subgêneros" definidos.

O espectador que assista por sua conta e risco e esteja preparado para guinadas ao longo do percurso.

Quando o tom cômico deu lugar ao tom mais sombrio, perguntei ao meu filho se ele gostaria de parar de ver.

Ele ficou ofendido e disse que claro que não.

 

Sem conexão

Apesar do título e de na superfície ser um mero slasher despretensioso, paradoxalmente, este é um belo filme sobre conexões.

A conexão do ser humano com a natureza.

A conexão humana com o insólito e com o inexplicado.

A conexão entre pessoas da mesma família.

A conexão entre almas gêmeas que se encontram na jornada.

A conexão que se busca e nunca se alcança.

A conexão do cinema trash com o cinema europeu, um belo filme de horror com pitadas filosóficas.

Conexões tateantes num mundo desconexo, distópico e diabólico...

O cinema polonês tem uma arraigada tradição nessas conexões.

Wajda, Kiéslowski, Agnieszka, Zulawski, Majewski, para citar apenas 5.

É muita tradição, é tradição que não acaba mais.

Por isso que se espera muito de filmes poloneses.

Sem conexão não decepciona os fãs do gore e não desonra a tradição polaca.

Bartosz M. Kowalski está construindo uma filmografia no mínimo digna de nota.

A propósito, o trailer de seu primeiro filme é

O farol

De tempos em tempos, escolho um diretor para cultuar.

Escolher talvez não seja o termo certo, já que esse processo não é algo 100% racional.

Um vínculo se cria quando a temática e a estética de um filme me surpreendem, instigam e emocionam.

Da conjunção desses 3 fatores brota uma admiração que me leva a buscar outros filmes do mesmo diretor e, filme após filme, a admiração se transforma em culto.

Vou dar três filmes como exemplo: Coração selvagem, Sociedade dos poetas mortos e Réquiem para um sonho.

David Lynch, Peter Weir e Darren Aronofsky. 

Nada mal para uma tríade, hein?

Com O farol de Robert Eggers essa conjunção de fatores bateu na trave.

Devo estar muito mais exigente e prevenido, com o tempo.

Eggers consegue unir muitas influências  para criar uma obra contundente e poderosa.

Estamos diante de um filme que desafia a estética usual, e o tema abordado dá muito pano pra manga.

Eu mesmo já escrevi um artigo comparando Diário do farol de Ubaldo com Os faroleiros de Lobato.

Por que Eggers não entrou de imediato na minha lista de diretores cult?

O farol surpreende, instiga, mas não emociona...

É uma relação apenas intelectual que se desdobra, pelo menos foi o que aconteceu comigo.

Por enquanto, o diretor entrou no meu radar, e aconselho a todos que gostam

de filmes diferentes e "cults" que procurem assistir a este filme.

Se Eggers não entrou ainda na minha lista de diretores cult, um efeito colateral está se processando, porém.

Quero muito assistir a seu primeiro filme, The Witch.

OS 10 MELHORES STAND-UPS DA NETFLIX

10. MAURÍCIO MEIRELLES: LEVANDO O CAOS

9.  ILZA SHLESINGER: ELDER MILLENIAL

 

                                                  8. ALI WONG: BABY COBRA

                                                7. AFONSO PADILHA: ALMA DE POBRE

  6. EDDIE MURPHY: DELÍRIO

5. JEFF DUNHAM: BESIDE HIMSELF

4. JACK WHITEHALL: CHRISTMAS WITH MY FATHER

3. JOHN LEGUIZAMO: AMÉRICA LATINA PARA IMBECIS

2. ADAM SANDLER: 100% FRESH

1. RICHARD PRYOR: LIVE IN CONCERT

Rebecca, a mulher inesquecível

Lily James vive a personagem sem nome eternizada por Joan Fontaine no clássico Rebecca, Oscar de Melhor Filme em 1940, filme que marcou o início da trajetória hitchcockiana em Hollywood.

Aliás, é quase impossível falar do filme de Ben Wheatley sem falar no de Hitchcock.

Tudo nos leva a comparar ou tecer intertextos entre o filme de 1940 e o de 2020.

80 anos separam os dois filmes. Hitchcock viveu 80 anos bem-vividos.

Aos 40 fez Rebecca...

Os dois filmes se inspiram na obra Rebecca, da britânica Daphne Du Maurier, sobre a qual recai uma forte suspeita de plágio do livro A sucessora, da brasileira Carolina Nabuco.

O mérito do primeiro filme era justamente conseguir criar uma atmosfera de mistério sobre uma pessoa que nunca entra em cena, nem em flashbacks ou recursos quejandos. Apenas uma presença que mais está na cabeça da nova sra. de Winter do que por meio de alguma ocorrência fantasmagórica ou algo do tipo.

 

Para Ben Wheatley deve ter sido um desafio revisitar Hitchcock, mas, para a delicada sra. de Winter (Joan Fontaine ou Lily James), é um fardo quase insuportável tentar competir com uma personalidade tão forte quanto Rebecca de Winter, a primeira mulher de Maxim, sobre cuja existência paira uma aura de mistério.

É sobre essa aura que se desenvolve o plot, sempre pelo ponto de vista da bonitinha, mas quase vazia nova sra. de Winter.

Falando em Maxim, uma nova e inevitável comparação: Armie Hammer tenta igualar a classe de Laurence Olivier por meio de uma característica bastante física: do alto de seus 1,96 m, o ator mostra o seu talento na célebre cena em que a nova e ingênua sra. de Winter irrompe no salão para o baile à fantasia.

A governanta sra. Danny Danvers é um caso à parte.

Talvez este seja o trunfo de Rebecca 2020.

É o único caso em que o remake supera o original em termos de atuação.

Kristin Scott-Thomas entrega uma performance à altura da de Judith Anderson.

Personagem das mais conturbadas e complexas, a sra. Danvers tem uma conexão sinistra com a personagem paradoxalmente mais interessante da história, a falecida e inesquecível patroa.

No frigir dos ovos, Rebecca versão 2020 é uma boa introdução ao assunto, mas se você quiser conhecer o tópico a fundo, e conhecer a história sob outros prismas, com mais verossimilhança e suspense, assista ao filme de Hitchcock.

 

 

 

 

 

 

O prisioneiro do rock

 

 

Terceiro, e até então, melhor filme de Elvis Presley.

(Diga-se de passagem, o segundo tinha sido melhor que o primeiro.)

E tudo em O prisioneiro do rock (Jailhouse Rock, 1957) é melhor que os dois primeiros.

A intuitiva e convincente atuação de Elvis.

A música visceral.

O roteiro espirituoso.

A direção cirúrgica e sem firulas de Richard Thorpe.

 

A primeira sequência filmada foi o "videoclipe" para Jailhouse Rock, de Jerry Leiber/Mike Stoller, compositores de outras três canções do filme. Quais sejam:"I Want to Be Free", "Treat Me Nice" e "(You're So Square) Baby, I Don't Care". Eles compuseram as 4 faixas em 4 horas, praticamente "trancados" no quarto de um hotel por um dos produtores.

 

Leiber e Stoller (também compositores da clássica "Hound Dog") desdenhavam Elvis mas aprenderam a respeitá-lo depois que o conheceram durante as gravações.

Por sua vez, o coreógrafo Alex Romero foi inteligente o bastante para adaptar uma coreografia aos movimentos aos quais Elvis já estava acostumado.

Russ Tamblyn, um novo amigo, um ator que entendia de dança, deu também umas dicas.

O resultado é que esta cena realmente rouba o filme e hoje em dia se tornou um show à parte.

Uma curiosidade é que Elvis durante a gravação desta cena em que canta Jailhouse Rock tem que descer pelo poste de escorregar, aquele do tipo que os bombeiros usam.

Numa das tomadas ele engoliu a jaqueta dentária de porcelana do dente da frente!

 A princípio ninguém acreditou mas depois todos ouviram o chiado no peito dele.

Foi levado a um hospital por onde passou por uma broncoscopia, talvez a mais bem-sucedida e importante de todos os tempos, porque teve de passar por entre cordas vocais muito valiosas.

O roteiro conta a história de Vince Everett, que é preso e na cadeia tem como companheiro de cela Hunk (Mickey Shaughnessey), um musicista de country. Na cadeia Vince faz trabalho braçal carregando carvão com uma pá.

Um dia se envolve numa confusão no refeitório e é punido com chibatadas.

Alguns prisioneiros músicos participam de um show que é transmitido pela tevê, e Vince se apresenta cantando a balada "Young and Beautiful". O resultado: muitas fãs escrevem à penitenciária, mas as cartas nunca chegam a Vince.

Ele sai da cadeia (não sem antes ser induzido pelo esperto companheiro de cela a assinar um contrato de parceria) e conhece Peggy (Judy Tyler, que morreu logo após o término das filmagens em decorrência de um acidente automobilístico). 

 

 

Com a nova amiga é levado ao estrelato da indústria fonográfica, não sem antes ter que superar muitas "puxadas de tapete" e outros contratempos.

Há algo no roteiro que evita que o filme descambe para o lugar-comum, algumas tiradas, algumas ironias, e a própria relação dele com Peggy se desenvolve com uma certa sensação de amor não consumado. 

 

Bill Black, D. J. Fontana e Scotty Moore aparecem em várias cenas, acredito que este é o filme em que eles aparecem mais vezes. Primeiro, na cena do bar que Elvis, digo, Vince, quebra o violão. Segundo, nas cenas do estúdio gravando "Treat Me Nice". No show no gazebo à beira da piscina. E na sequência final ouvindo Elvis, digo, Vince, testando a voz após ter uma lesão na faringe.

 

 

  Em tempo:

O dvd que eu tive a honra de assistir pertence ao rico acervo da E o vídeo levou e tem um curta-metragem nos extras, intitulado

"The Scene That Stole Jailhouse Rock", com depoimentos de gente importante em se tratando de Elvis Presley, como Peter Guralnick, o autor de Last Train to Memphis (ainda inédito no Brasil); George Klein, amigo e autor, etc. Esse "extra" está disponível no YouTube:

 

 

Para quem gosta de assistir ao filme com comentários, Steve Pond, autor de Elvis in Hollywood, é o companheiro dessa jornada.

 

A mulher que eu amo

Talvez não seja exagero dizer que não existe nada no mundo a que o adjetivo "meteórica" possa ser conferido tão apropriadamente quanto a carreira de Elvis Presley.

De motorista de caminhão a astro do cinema em pouco mais de dois anos.

Em julho de 1954 ele gravou o primeiro disco com Scotty Moore na guitarra e Bill Black no contrabaixo acústico. No lado A trazia That's All Right, Mama, e no lado B, Blue Moon of Kentucky.

Com a genialidade (ou simplicidade?) de Sam Phillips na mesa de gravação da Sun Records, a sonoridade desse trio mudou a história da música.

Elvis Presley amalgamava um cadinho de influências jamais visto (misto de gospel, blues, quartetos vocais e country) e involucrava tudo isso numa voz jamais ouvida, e numa polêmica postura no palco.

Dos shows lotados à televisão, da televisão ao cinema. 

Com a carreira guiada por uma raposa do entretenimento ("Coronel" Parker), Elvis protagonizou nada menos que 31 filmes.

Loving You é apenas o segundo da lista.

(Love Me Tender, ou "Ama-me com ternura", marcou a sua estreia nas telonas, em novembro de 1956.)

O diretor e roteirista do filme acompanhou alguns shows de Elvis enquanto fazia o roteiro. E em essência o filme é a própria história de Elvis.

A mulher que eu amo (Loving You, lançado nos cinemas em julho de 1957) conta a história de um trabalhador que se transforma num fenômeno da música com o empurrãozinho de uma boa empresária.

Algumas confusões acontecem por conta da perseguição das fãs e do preconceito das pessoas quanto à arte do novo cantor (vicissitudes que Elvis também sentiu na pele).

Uma curiosidade é que o "par romântico" de Elvis, Dolores Hart, após completar 10 filmes em Hollywood, largou o show business e se tornou uma freira beneditina.

Ela também contracenou com Elvis no quarto filme de Elvis, Balada sangrenta (King Creole).

Outra curiosidade: na cena do show final, a mãe e o pai do cantor, Gladys e Vernon, estão corujosamente na plateia aplaudindo Deke Rivers, ninguém menos que o rebento deles nascido em 8 de janeiro de 1935 em East Tupelo.

Scotty Moore e Bill Black, o guitarrista e o baixista de Elvis, também aparecem no filme.

Elvis Presley mostra em A mulher que eu amo que é um artista completo, que domina várias artes, mas que ainda está evoluindo como cantor e como ator.

 

Love Me Tender

  

 

Originalmente este filme chamar-se-ia "The Reno Brothers". Por uma jogada de marketing costurada pelo "Coronel" Tom Parker, a canção tema foi alçada à condição de "canção-título".
A estreia de Elvis Presley em Hollywood pode ser analisada sob vários prismas.
A realização de um sonho de um jovem cantor que sempre se imaginou atuando. 

A esperteza de produtores ávidos por aproveitar o séquito de fãs de um fenômeno da música pop.
E um exemplo típico de que "os fins justificam os meios" e o público tem sempre a razão.
Revoltado com a morte do personagem de seu ídolo, o público exigiu uma mudança.
 Na última hora a equipe foi convocada para filmar uma cena extra, de Elvis entoando Love Me Tender, e abrindo um sorriso de esperança no final. A cena foi sobreposta ao funeral de Clinton Reno (Elvis Presley), sequência anticlímax que arremata o filme. 
Onde em Love Me Tender há espaço para coisas como visceralidade, amor à arte, estofo, coisas que perduram além dos mesquinhos interesses financeiros?
Eis a questão.

 

 

O roteiro é uma mixórdia tipo drama mexicano: três irmãos lutam pelo Sul na Guerra da Secessão. A guerra acaba, mas eles e seu pelotão, sem saberem disso, executam uma derradeira e violenta operação para desviar uma grande soma de dinheiro dos ianques.
De posse da grana, os irmãos descobrem que a guerra terminou e voltam para a cidade natal. Richard Egan é Vance Reno, que deixou a noiva há cinco anos.
Ao reencontrá-la a beija na boca, mas depois descobre que ela havia se casado com Clint, o irmão caçula, interpretado por Elvis Presley.
O filme se desenvolve com base nessas duas linhas narrativas: o drama familiar e amoroso, a questão ética-jurídica-policial do dinheiro roubado-saqueado-despojado.
Mas o que é que Love Me Tender tem de mais visceral e artístico, o que dá ao filme um certo conteúdo e recheio?

 

 

 

Justamente este furacão nascido em Tupelo, cidadezinha perto de Memphis.
A atuação de Elvis compensa os problemas do filme, é de um frescor, uma autenticidade surpreendentes.
Em sua estreia no cinema, Elvis mostrou todas as qualidades que mostrou como cantor: integridade, devoção, respeito...

A carreira de Elvis no cinema continuaria em ritmo forte e ascendente em termos de qualidade. 

 

A mulher que eu amo, o segundo filme, é uma espécie de paródia da meteórica trajetória do cantor. 

 

O prisioneiro do rock, o terceiro, tem cenas antológicas como a coreografia de Elvis cantando numa prisão estilizada.

Twin Peaks 3ª Temporada

 

O bom filho à casa torna.

Tudo tem seu tempo.

E nada melhor, nesses dias sombrios que vivemos, dedicar algumas horas por semana, ao longo de algumas semanas, para fazer algo que eu já devia ter feito há muito tempo.

Assistir aos 18 episódios da 3ª temporada de Twin Peaks, criação de David Lynch e Mark Frost.

O que distingue esta série desde as 2 primeiras temporadas é a imprevisibilidade do rumo que a coisa vai tomar.

Só uma coisa é certa em se tratando de Twin Peaks: a pessoa vai assistir a um episódio e já sabe de antemão que será surpreendido com as imagens que verá. Em 2017, quando foi lançado o revival, um artigo no The New York Times comentou que na 2ª temporada Lynch se afastou um pouco da série e agora, na 3ª, o espírito original foi recuperado. O título do artigo poderia ser traduzido assim: "Como Twin Peaks se perdeu, e como se reencontrou".




Desta vez Lynch dedicou-se à direção de todos os episódios, e não apenas alguns salteados; de quebra, encarna Gordon Cole, o agente do FBI com problemas de audição.

Lufadas de inspiração, é o que tive durante esse período de imersão na mente lynchniana.

Tudo na obra dele me atrai, Lynch não menospreza o espectador nunca, está sempre o desafiando a pensar, a analisar, a supor, a montar o quebra-cabeça, a ligar os pontos, a inventar hipóteses, a se identificar com a situação angustiante das personagens, como a do catatônico Dale Cooper.

Atuações estupendas, cenas inusitadas, episódios sensuais, episódios oníricos, episódios violentos.

Onde a ternura e o romantismo encontram o escarro e o bizarro.

Essa é a equação infalível (para mim) de David Lynch.

A maioria dos episódios termina com uma apresentação no palco do Bang Bang Bar, num festival de bandas alternativas legais, como The Chromatics e Au revoir Simone.

Uma jornada e tanto, 18 horas de David Lynch! Um mergulho num tipo de arte que flerta com várias correntes, entre as quais alguém poderia citar o surrealismo.

Símbolos, fios soltos que não precisam necessariamente ser amarrados. Esse é o segredo da obra de Lynch, não é um cineasta para quem gosta de uma "explicação".

Quer tudo mastigadinho, linearidade, pés no chão?

Fique longe de Twin Peaks e David Lynch.  

Gosta de ironia, ousadia e originalidade? 

Embarque nessa divertida jornada.

ISENÇÃO DE RESPONSABILIDADE
DISCLAIMER OF LIABILITY

Uma vez tentei incentivar um amigo a assistir ao piloto da série, ele viu e ficou muito indignado comigo. Achou sem pé nem cabeça.


Não estou indicando para ninguém, ok?

Ah, mas se eu soubesse de outra pessoa que se divertiu, se emocionou e se questionou tanto quanto eu ao ver aos 18 episódios de Twin Peaks 2017!

Gostaria de conhecer esta pessoa.

Será que ela existe?

O sabiá e os pássaros de fogo

Acaba de ser lançado o e-book “O sabiá e os pássaros de fogo”, de autoria dos irmãos Allenspach e ilustrações de Charles Paixão.

O protagonista da obra é um sabiá-poca que vive na área urbana. 

Ainda no ninho, espanta-se com a curiosidade de dois humanos que ficam olhando para cima. Assustado, conta para a mãe, que fala para ele sossegar. Aqueles meninos são gente boa, só querem tirar fotos e observar os passarinhos.

Sabiá perde o medo e resolve também aparecer e posar para uns clicks.

Lá embaixo, os irmãos Elisa e Fernando, moradores de Bragança Paulista, ficam muito faceiros.

Sabiá cresce e seu destino voltará a se encontrar com os pequenos irmãos apreciadores da natureza para uma questão relevante.

Desta vez, Sabiá vai ter que descobrir um mistério.

Quais são esses sinais de que a coruja está falando? Quem são esses perigosos “pássaros de fogo” de que o inquieto beija-flor-tesoura anda alertando? Que mal podem causar para os pássaros urbanos?

Com muitas aventuras e personagens divertidos, O sabiá e os pássaros de fogo é uma obra educativa e lúdica, que vale a pena ser lida e comentada com os pequenos. A propósito, o meu filho Antônio, de 8 anos, apreciou muito a obra, e elegeu o beija-flor-tesoura como personagem mais interessante.

Primeiro volume do projeto “Aves de minha cidade”, a obra está disponível para ser baixada gratuitamente nesta página do site A Passarinhóloga.