Comer rezar amar

Dirigido por Ryan Murphy (que assinou o drama mal-recebido pela crítica Running with scissors, 2006), Comer rezar amar é a adaptação fílmica do romance de autoajuda homônimo, de autoria de Elizabeth Gilbert. Não vou entrar nem em detalhes nem no mérito da questão envolvendo os motivos do divórcio de Liz. Tipo, já é louvável que o homem não é pintado como o crápula da história. O fato é que ela se divorcia e tem que reconstruir a vida. Nisso reside talvez o sucesso do livro/filme: são tantas as pessoas que enfrentam essa situação que sempre acaba sendo catártica para essas pessoas a experiência de ler/ver alguém procurando soluções a esse intricado problema. A solução apresentada por Liz é bem didática: comer, rezar e amar são ações que ajudam a cicatrizar quaisquer feridas, por mais profundas.
Na Itália, comer. Na Índia, rezar. Em Bali, amar.

Esse é o roteiro do road movie de Murphy, e, como todo e qualquer road movie, a personagem que faz a jornada conhece gente legal e passa por situações reconfortantes mas que não diminuem suas incertezas. A fase mais divertida, colorida e saborosa sem dúvida se passa na Itália. Na Índia é a fase mais introspectiva e meditativa. Por fim, que tal conhecer um brasileiro sedutor em Bali? Voando, pedalando e navegando, Liz procura suas respostas. Julia Roberts? Muitas atrizes já receberam Oscar por bem menos.

Tropa de elite 2

Diferentemente do primeiro filme, onde pairava no ar uma dúvida sobre qual o "lado" defendido pelos realizadores (por conta de uma equilibrada exposição de pontos de vista opostos), em Tropa de elite 2 a máscara cai e o que vemos é um filme maniqueísta, quase beirando o simplório. Em termos cinematográficos, também, a nova película é inferior, com a narração em off substituindo a ação trepidante. A obsessão dos produtores em evitar pirataria parece ter sido o foco, em vez da manutenção dos padrões artísticos. Não que eu não tenha apreciado cada segundo de Tropa de elite 2. Não que o filme não tenha momentos aterradores, engraçados, sarcásticos, irônicos, viscerais e emocionantes.

E alguém poderia com certa razão indagar: o que querer mais de um filme do que momentos aterradores, engraçados, sarcásticos, irônicos, viscerais e emocionantes? Pois Tropa de elite 2 é a prova que um filme pode ter tudo isso e ainda assim decepcionar o espectador. A crítica ao "sistema" acaba soando uma saída fácil demais. Mesmo recheando o filme com momentos que atingem o espectador, parece que na hora de definir "o alvo" o roteiro perdeu o rumo e decidiu "colocar a culpa" em políticos e policiais corruptos.

Fico pensando se talvez eu não tenha dado a este texto um tom mais "crítico" por méritos desses mesmos produtores, roteiristas e cineastas, que conquistaram o público em 2007 e alavancaram os patamares de exigência (e senso crítico) desse mesmo público.

15 anos e meio

15 anos e meio (15 ans et demi, 2008) - dirigido e roteirizado pela dupla François Desagnat e Thomas Sorriaux - baseia-se no livro homônimo de Vincent Ravalec. O enredo trata de Philippe Le Tallec (o impagável Daniel Auteuil), o mais americano dos cientistas franceses, que há quinze anos deixou a França para fazer suas pesquisas em Boston.

Agraciado com prêmios de excelência no campo profissional, Philippe tem deixado a desejar no relacionamento com a filha Eglantine (Juliette Lamboley). Afinal, nesta década e meia de ausência, pouco tem convivido com ela; apenas se encontram em viagens esporádicas.

Mas nunca é tarde para uma reaproximação, e a mãe de Eglantine pede a Philippe que venha à França cuidar da menina-moça por três meses. E a primeira coisa que ele faz é preparar para ela um típico desjejum norte-americano, desdenhado pela filha. Durante o período que vai ficar cuidando da filha, Philippe é convidado por um amigo a chefiar uma equipe de cientistas para inventar um tônico capilar. Entretanto, mais difícil que fazer crescer cabelo numa linda moça careca é saber lidar com uma filha de quinze anos e meio.

Para conseguir o intento de estabelecer uma relação de amor e respeito com a filha, Philippe contará com as dicas de duas pessoas. A primeira é um amigo imaginário: ninguém menos que Albert Einstein, com quem Philippe troca ideias quase sempre em momentos insólitos. O segundo conselheiro é Jean Maxence (François Damiens II), autor de livros de autoajuda para pais com filhos rebeldes. Mas a tarefa não será nada fácil. Afinal de contas, Eglantine anda às voltas com pretendentes, paixões platônicas, festas, shows, amigas que escrevem blogs sensuais, enfim, toda a cornucópia de emoções, descobertas e dúvidas de uma adolescente. Na última categoria, é claro, não podia faltar a dúvida entre o descolado Vincent e o tímido Gaspard. O primeiro desperta o interesse dela, enquanto o segundo faz mais o estilo amigão (mas que no fundo nutre por ela 'algo mais').

O que se esperar de um filme com essas características? Não muito, é claro. Mas não vai errar por muito quem esperar bom humor temperado com pitadas de ternura.

Todo mundo está mudando (Keane)

Todo mundo está mudando

Você diz que vagueia nas terras de sua propriedade

Mas quando penso no assunto não sei como isso pode ser verdade

Você sofre em seu seio, você se quebra ao meio

E posso ver a dor no seu olhar

Dizendo: todo mundo está mudando

E não sei explicar.

Tão pouco tempo

Tente entender: eu tento

Fazer um movimento

Para manter o jogo ferrenho

Tento permanecer desperto

E lembrar do nome que tenho

Pois todo mundo está mudando

E eu não sou mais o mesmo.

Você se foi daqui

Em breve vai sumir

Junto à bela luz do entardecer

Pois todo mundo está mudando

E não me sinto certo.

Título do original: Everybody's Changing

Rice-Oxley/Chaplin/Hughes

(do álbum Hopes and Fears)

Tradução: Henrique Guerra.

Nolan, Tarantino e Tirard

O God! can I not save
One from the pitiless wave?
Is all that we see or seem
But a dream within a dream?

Nos versos de Edgar Allan Poe (1809-1849), a ideia de um sonho dentro de um sonho já havia sido magistralmente explorada. Quase duzentos anos depois, Christopher Nolan retoma a premissa. Pena que em vez de um sublime poema de 24 versos agora o produto é um pedante e pseudointelectual filme de duas horas e meia. Na primeira camada onírica, o diretor Christopher Nolan (o cara responsável primeiro por Amnésia e depois por Insônia) sonhou que tinha cacife e talento para transformar um roteiro delirante num blockbuster. Na segunda camada, concluiu que Hollywood era um deserto de ideias ávido pela incrível originalidade oriunda de suas pequenas células cinzentas. Na terceira, entrou numas que podia conseguir os melhores efeitos, o melhor elenco, a melhor direção de arte, enfim, tudo que a indústria tem de melhor para transformar seu sonho delirante em realidade. E o mais incrível é que tanto a primeira quanto a terceira camadas estavam rigorosamente exatas. Quanto à segunda, bem, fica por conta da opinião pessoal de cada um. A sensação que tive ao assistir A origem foi a de ser engolfado por um ruidoso (e impiedoso) tsunami de supostas genialidades. Mescla perfeita de histeria e pretensão.

Qual o antídoto ideal para uma película intelectualoide? À prova de morte, o trash assinado por Quentin Tarantino, cineasta defensor da violência como modo de entrar em sintonia com a plateia. E violência em doses generosas é o ingrediente principal deste filme realizado no projeto Grindhouse, que imita as matinés da década de 70, em que os cinemas passavam dois ou mais filmes encordoados pelo preço de um só ingresso. No caso o filme que faria a dobradinha com a película tarantinesca é Planeta Terror, de Robert Rodriguez (ver texto neste blog). O modelo, no entanto, não vingou no circuito comercial, e os filmes foram lançados em separado, com metragem extra. Diferentemente de Planeta Terror, À prova de morte não é protagonizado por zumbis e matadores de zumbis, e sim por um dublê psicopata (Kurt Russel) e uma dublê nem tão psicopata, mas não menos maluca (a neozelandesa Zoe Bell, interpretando a si mesma). O resultado são diálogos impagáveis e cenas de carro que nos remetem às clássicas cenas de Bullit (1968). Como se vê, À prova de morte não rende homenagem apenas aos filmes "B".


Para completar a trinca de boas pedidas cinematográficas em cartaz nos cines de Porto Alegre, a comédia O pequeno Nicolau, baseada na obra de René Goscinny e dirigida por Laurent Tirard (de As aventuras de Molière). O universo de Nicolau envolve o pai ansioso por ser promovido na empresa e a mãe frustrada por não saber dirigir. Na escola, colegas dos mais variados tipos: o puxa-saco, o glutão, o lerdo e o riquinho, entre outros estereótipos. A exemplo de Tarantino, Tirard não quer tirar coelhos da cartola para fazer um bom filme. O pequeno Nicolau é a antítese completa de A origem. Enquanto o filme de Nolan pomposamente procura ser surpreendente e original, o que torna O pequeno Nicolau agradável é justamente a discreta maneira de mostrar o humor por trás das situações prosaicas.

Só dez por cento é mentira

Em cartaz no CineBancários documentário sobre a obra e a vida do pantanense Manoel de Barros. Assina a descinebiografia Pedro Cezar, e a linguagem escolhida para abordar o tema foi adequada. Intercala tomadas em que o próprio poeta responde algumas perguntas propostas pelo cineasta com depoimentos de pessoas que o conhecem ou são envolvidos de um modo ou outro com a sua obra. Para essa parte, Pedro Cezar selecionou alguns personagens essenciais para a trajetória desse "poeta em tempo integral", como definiu Abílio, o irmão caçula de Manoel, bem como pessoas para quem a obra de Manoel é essencial.

Além de Abílio, os depoentes incluem desde pessoas do meio artístico-jornalístico-dramatúrgico-literário, como Fausto Wolff, Adriana Falcão, Bianca Ramoneda, Jaime Leibovicht, Danilinho, Viviane Mosé, Elisa Lucinda e Salim Ramos Hassan, até familiares como a esposa Stella Barros e os filhos Martha e João de Barros, passando por pessoas do meio rural, como o espontâneo e engraçado Palmiro. Não depõe mas é lembrado outra personagem da fazenda de Manoel: o silencioso Bernardo, em cujos ombros os passarinhos pousavam a um mero aceno e em cujas mãos os peixes brincavam no rio. Para costurar todos esses elementos, nada melhor que versos manoelenses pinçados a dedo para elucidar os diversos tópicos. Poemetos visuais também colaboram para dar corpo à obra, que ao final se parece com um poema de Manoel: curto, lírico e musical.

How to train your dragon

Soluço é um menino que desonra a tradição de seu povo. Não tem vocação nenhuma para matar dragões - a razão de ser dos vikings. Considerado um caso perdido pelo seu exigente e incompreensivo pai, participa assim mesmo junto com uma turma de crianças de um treinamento para combater dragões numa arena (tipo um Coliseu viking). Triste e sentindo-se pressionado pelo stablishment, um belo dia o garoto encontra um dragão manietado na clareira de uma floresta. Em vez de matá-lo, Soluço corta as cordas que prendem a fera - uma das espécies mais raras e desconhecidas, o Fúria da Noite. É o começo de uma amizade que vai render muitas surpresas e aventuras. Soluço descobre o lago onde o dragão mora e o conquista com peixes frescos. Estabelece-se uma relação de mútua vantagem: Soluço instala um estabilizador no rabo do dragão (que perdera um dos lados da barbatana), possibilitando assim que ele pudesse voltar a voar. Banguela (assim batizado por Soluço pois o dragão consegue recolher os dentes) permite que Soluço o conduza nos voos. Com referências literárias (a mais óbvia sendo Beowulf, a obra seminal da literatura inglesa) e cenas planejadas especialmente para otimizar os efeitos 3-D, Como treinar o seu dragão é melhor entretenimento que muitos "filmes-cabeça" por aí.

Conta outra

Hoje está na moda chamar poetisas de poetas, mas teve uma época em que se ensinava na escola que o feminino de poeta é (era) poetisa. Feministas acreditam que poetisa é um termo sexista, talvez por isso a atual popularidade de poeta comum de dois. Só queria dizer uma coisa. Poetisa é uma palavra bonita. Mais bonita até do que poeta. E mais feminina e delicada.

Pois este post tem a intenção de comentar o lançamento do livro da poet(is)a Márcia Knop.

[by the way: poet (is) a Poe tis' a poetiza

poetisa!]

Como ia dizendo, essa moça baiana e cosmopolita morou em Porto Alegre (entre outros e variados lugares) e hoje mora em Washington, D. C., digo, Brasília. A tradução literária nos uniu colegas em duas memoráveis oficinas. Eis que o talento da menina não se limitava à sociologia e a voos tradutórios: por baixo, mansa e subterraneamente, corria um regato que aflorou em água de cristalina poesia: Conta outra, da Editora Livronovo (http://www.livronovo.com.br/).
Finura nos dois sentidos: de um fino moderno (ou seja, à la Manoel de Barros) e de uma finèsse irretocável, uma sensibilidade refinada. Do tipo que fica melhor a cada releitura. Abaixo duas amostras pinçadas dos 38 poemas:

Alta-costura
o meu vestido
indefectível
foi feito à mão
é um romance
de mistério
a trama do tecido
é elaborada
a textura,
sem emenda,
provoca
uma sensação
visual e outra tátil
segredos
somente desvendados
pela alta-costura
abrir seus botões
é um risco

Microplaneta
projeta-se para frente,
mês a mês,
esférica
ao vê-la,
a associação é imediata
globo terrestre
um hábitat
completo,
por longas
40 semanas

(Knop, Márcia. Conta outra. São Paulo: Livronovo, 2009)

Um olhar do paraíso

Quando Kate Winslet ganhou o Oscar de Melhor Atriz em 2009, Peter Jackson deve ter murmurado: "Eu já sabia". Lançada por ele no cult movie Heavenly creatures (Almas gêmeas) em 1994, Kate iniciou com o pé direito a sua meteórica carreira. Ninguém, portanto, venha a se surpreender se daqui a quinze anos Saoirse Ronan, a cativante Susan Salmon de Um olhar do paraíso, estiver seguindo os passos de Kate. Peter Jackson tem faro. Autor dos clássicos do terrir Náusea total (Trash, 1987) e Fome animal (Braindead, 1992), mais tarde Jackson realizaria Os espíritos (1996), a trilogia O Senhor dos Anéis (2001-02-03) e King Kong (2005). E como sói acontecer quando o cara atinge o topo, começa a ser espinafrado pela crítica.

Resenhistas do calibre de Roger Ebert, entre outros, esculacharam o novo filme de Peter Jackson, sob a alegação que tem efeitos demais e embeleza um ato horrível. Acho que essas pessoas não viram o mesmo filme que eu vi, ou talvez eu tenha visto o filme com os olhos de um fã que se tornou pai há não muito tempo. Mas a verdade é que Um olhar do paraíso me emocionou bastante. Afinal, nada mais é que a história de uma família. A família Salmon e a menina dos olhos da família, a primogênita Susan. Dona de uma beleza exótica e de olhos azuis transparentes, a menina-moça de 14 anos conquista todos que a conhecem, principalmente o colega de escola Ray (Reece Ritchie). Numa das cenas que mostram a personalidade da protagonista, o irmãozinho dela, Buckley (Christian Ashdale) engole um graveto e para de respirar. Os pais não estão em casa. Incontinenti, Susan pega o carro, coloca o irmão no banco e o leva ao hospital. É por ser assim tão decidida que Susan acaba atraindo outros tipos de olhares, inclusive o de um solitário homem que vem morar na vizinhança, George Harvey (Stanley Tucci, irreconhecível). Ele será o algoz de Susan. Isso não é spoiler porque o trailer do filme conta quem é o assassino e nos primeiros dez minutos a narradora (Susan, do in-between, da região intermediária entre os vivos e os mortos) já nos conta quem foi a pessoa que a assassinou.

Depois que o brutal crime acontece, Susan é dada como desaparecida (o corpo nunca aparece, apenas o gorro e bastante sangue), e a família Salmon se desestrutura. Inconformados, o pai Jack (Mark Wahlberg), contador e nas horas vagas modelista-de-barcos-em-garrafas, e a mãe Abigail (Rachel Weisz) passam a se desentender; cada um reage de forma diferente para tentar se relacionar com a dor da perda. A irmã Lindsey (Rose MacIver) e a vó Lynn (Susan Sarandon) mesmo sem demonstrar muito têm que absorver a revolta e a saudade.

Susan Salmon, por sua vez, não consegue se libertar da vida e ir para o céu. O modo violento com que lhe foi ceifado o mais precioso bem a deixam numa dimensão intermediária, em meio a cenários surrealistas e amizades como Holly (Nikki SooHoo). Com a ajuda de Holly, Susan procura aos poucos aceitar o que aconteceu e deixar que a sua família também siga adiante.

Amor sem escalas

Ryan Bingham trabalha numa empresa de reengenharia de pessoal, especializada em enxugar o quadro de funcionários de empresas pelos Estados Unidos afora, proporcionando aos novos desempregados oportunidades de recolocação no mercado de trabalho. Assim, Ryan atravessa as nuvens do país de oeste a leste e norte a sul para pessoalmente transmitir as informações aos escolhidos para serem exonerados. Implacável e eficiente em seu metiê, Ryan cultiva pouca ou nenhuma vida "pessoal". Passa mais tempo viajando de avião e se hospedando em sofisticados hotéis do que em seu apart-hotel na cidade-base. Esse é o perfil do protagonista de Up in the air (Amor sem escalas), do diretor Jason Reitman (que alcançou notoriedade pela realização de June). Interpretado por George Clooney, é um emblema da tão falada e alardeada "crise" do capitalismo, na qual as firmas precisaram reestruturar orçamentos e cortar gastos. O filme se desenvolve explorando a curiosa personalidade de Ryan, cujo sonho é alcançar a inimaginável marca de dez milhões de milhas de voo. Embora encontrar uma companheira não seja uma prioridade, ele acaba conhecendo a intrigante Alex Goran (Vera Farmiga, que com sua cena de nudez talvez abiscoite o Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante). Outra mulher que perturba a rotina da vida de Ryan é Natalie Keener (Anna Kendrick, outra concorrente ao Oscar de Atriz Coadjuvante), ambiciosa executiva que pretende revolucionar a empresa em que Ryan trabalha, cortando a necessidade de tantas viagens.

É um filme que se constrói com base em diálogos e relações interpessoais, a exemplo de June. Reitman meio que tenta definir um estilo e sedimentar a carreira com filmes mais intimistas, em contraposição ao cinema de blockbusters. Até quando ele vai conseguir permanecer sem vender a alma?

Nine

Por que será que as "novas gerações" "não gostam de musicais"? Esse parece ser um consenso, ou um lugar-comum, ou um fato inegável, como queiram. A minha resposta é que não se fazem mais musicais como antigamente. Um filme não é bom ou ruim por ser "musical" ou não. Apesar do elenco fenomenal e da superprodução, Nine deixa a desejar. As músicas não empolgam e a história em si é um arremedo de 8 1/2 (1963). O problema é que Rob Marshall está longe de ser Fellini, embora talvez ele não considere isso.

O "plot" pode ser resumido assim: 'A film director, suffering from a lack of creative inspiration, retreats into a world of fantasies and remembrances of the women in his past and present.'

Pois esse é o resumo do site Yahoo Movies para 8 1/2 de Fellini.

A homenagem explícita aos estúdios e diretores italianos é, vamos dizer, o ponto forte deste filme, que se pretende uma análise sobre o fazer do cinema. Pergunto-me se Rob Marshall leu o livro Fazer um filme de Fellini, e se é que leu, se ele entendeu direito. Em resumo, Rob Marshall continua a fazer musicais que não convencem e a contribuir para a atual má fama dos musicais.

O fabuloso elenco inclui Daniel Day-Lewis (Guido Contini), Marion Cotillard (Louisa, a esposa de Guido), Penelope Cruz (Carla, a amante de Guido), Nicole Kidman (Claudia, a musa de Guido), Judi Dench (Liliane, a figurinista de Guido), Kate Hudson (a repórter tiete de Guido), Sophia Loren (a mãe de Guido) e Stacy Ferguson (a musa de Guido menino).

Tommy & Tuppence: sempre aventureiros

O universo de Tommy e Tuppence envolve espionagem, contraespionagem, mensagens cifradas, segredos de Estado, fugas, perseguições, reviravoltas, tiros, socos e até cabeçadas. Tommy, sempre com os pés no chão; Tuppence, intuição pura. Um casal que se ama e se alfineta com intensidade. Ao criar a dupla, Agatha Christie surpreendeu a Bodley Head (editora do livro de estreia da autora, O misterioso caso de Styles), que esperava novo whodunnit. Em vez disso, Agatha entregou um thriller insuperável.

O inimigo secreto (The secret adversary, 1922), primeiro livro com Tommy e Tuppence e segundo de Agatha, tem como dedicatória: “A todos os que levam uma vida monótona, com votos de que experimentem em segunda mão os encantos e os perigos da aventura”. Ao cabo da Primeira Guerra, Tommy e Tuppence precisam encontrar Jane Finn, que antes de escapar de um naufrágio recebe importantes documentos de um agente secreto.

Sócios no crime (Partners in crime,1929) é uma coletânea de contos que se interconectam. A segunda aventura dos Beresford inicia com Tuppence ansiosa por peripécias. Então Tommy recebe a missão oficial de cuidar de uma agência de detetives. Detalhe: em cada caso deslindado, Agatha homenageia (ou satiriza) um detetive da ficção policial (entre eles, o Padre Brown e Sherlock Holmes). Inclusive, numa das histórias, Tommy e Tuppence encarnam Poirot e Hastings para enfrentar ninguém menos que o Número 16 – brincadeira alusiva ao Número 4, vilão de Os Quatro Grandes.

Em M ou N? (N or M?, 1941), sua terceira aventura, T & T voltam à ativa em plena Segunda Guerra, quando agentes infiltrados (os “quinta-colunas”) no seio da comunidade britânica auxiliam os nazistas a realizar seus intentos. A ação se passa na pensão Sans Souci, pacato estabelecimento no litoral, onde podem estar hospedados M ou N, agentes nazistas da confiança de Hitler. A única informação de que os Beresford dispõem é que M é mulher e N é homem. Mistura perfeita de adrenalina e suspense.

By the pricking of my thumbs (1968), é uma citação da peça Macbeth (da fala de uma bruxa). No Brasil, ganhou o título Um pressentimento funesto. Em sua quarta aventura, Tommy e Tuppence vão visitar a tia Ada, que mora num asilo. Tuppence conversa com a sra. Lancaster, que olha para a lareira e comenta: “A coitadinha era sua filha?”. A sra. Lancaster é retirada do asilo de modo tempestuoso, deixando como única pista o quadro de uma bucólica residência. Tuppence decide investigar o paradeiro da sra. Lancaster e o sinistro mistério por trás da “criança morta na lareira”.

Publicada em 1973, a quinta aventura dos Beresford, Portal do destino (Postern of fate), é a derradeira obra composta por Agatha. Depois ainda lançou dois romances escritos na década de 1940: Cai o Pano e Um crime adormecido (o último caso de Poirot e de Miss Marple). Portal do destino narra o mergulho no passado feito pelos Beresford ao encontrarem nas páginas de um livro no sótão da nova casa a mensagem: “Mary Jordan não morreu de morte natural”. Ladeados pelo cãozinho Hannibal, os Beresford voltam à ativa para desvendar o mistério. Uma curiosidade: Tuppence encontra na casa itens citados na autobiografia de Agatha (KK, Matilde e Truelove). Como em outras obras do fim de carreira de Agatha, Portal do destino foi gravado no ditafone e depois transcrito.

Em todas as cinco aventuras, o casal conta com a fiel colaboração do escudeiro Albert. Diálogos espirituosos, gosto pelo perigo e inesgotável juventude garantem aos Beresford lugar especial na galeria de personagens de Agatha Christie. Que teve um pressentimento nada funesto ao escrever em 1922 numa carta para sua mãe: “Não se preocupe com dinheiro. Algo me diz que a dupla Tommy e Tuppence será um sucesso."

The Hurt Locker (Guerra ao terror)

Acompanho a carreira da cineasta Kathryn Bigelow desde o acachapante Near Dark (Quando chega a escuridão, 1987), crônica de um grupo de vampiros modernos, em que o sumido Bill Paxton sobe no balcão de um bar e corta a jugular do bartender com a espora. A filmografia de Bigelow abarca filmes estranhos de títulos enigmáticos, invariavelmente pensados em detalhe e filmados com apuro técnico e olho clínico. Inclui Jogo perverso (Blue Steel, 1990), Caçadores de emoção (Point Break, 1991) e Estranhos prazeres (Strange Days, 1995). Antes de The Hurt Locker (2009) filmara K-9- The Widowmaker em 2002.

A expressão "hurt locker" significa uma situação de dor excruciante e inescapável. Essa é a condição em que se encontram alguns militares de elite no 'front' do Iraque, os que precisam ir às ruas atender as ocorrências diárias. Mais particularmente, a unidade de desarmamento de bombas, composta por dois sargentos e um soldado especialista. Um dos sargentos, o líder da unidade, às vezes precisa trajar um uniforme especial e se aproximar do local. O outro sargento e o soldado especialista cuidam da segurança do líder. As situações retratadas no filme representam uma amostra das experiências do ex-jornalista da Playboy Mark Boal, que acompanhou o trabalho dos soldados norte-americanos no Iraque.

O filme não tem na realidade uma "história": é mais uma colcha de retalhos de vários episódios relevantes, retratados como se tivessem acontecidos com as mesmas pessoas. A personagem mais em foco é o sargento William James (Jeremy Renner), destemido sargento que sabe na ponta da língua quantas bombas já desarmou e guarda pedaços dos sistemas de detonação delas embaixo da cama. Obcecado por desempenhar com eficiência suas missões, ignora o medo e transforma situações de perigo numa espécie de vício doentio. Completam a unidade o sargento J. T. Sanborn (Anthony Mackie) e o especialista Owen Eldridge (Brian Geraghty).

The Hurt Locker é um filme que vale a pena ser visto, independente da mancada dos distribuidores no Brasil terem lançado o filme em dvd antes de no cinema e independente de ter recebido várias indicações ao Oscar. Vale a pena porque os trabalhos de Bigelow em geral são intrigantes e plenos de suspense, e The Hurt Locker não é uma exceção em sua filmografia.

The Cranberries em Porto Alegre

O show dos Cranberries em Forno Alegre, realizado no Pepsi on Furnace na quarta-feira dia 03/02, teve alta temperatura em todas as possíveis e imagináveis acepções do termo.

O ambiente (uma fábrica antiga com efeito estufa) fumegava com um bafo fervente depois de um tórrido dia de um sol senegalês de 40º C. No ambiente opressivo e estorricante os fãs suavam parados à espera do início do show. A banda Garota Verde esforçava-se para provocar alguns tímidos aplausos, mas o público só sentia mesmo era o suor escorrendo e a vontade de ver o Cranberries subir ao palco.



E às dez em ponto os primeiros acordes irlandeses soaram e as sublimes cordas vocais de Dolores O’Riordan entraram em ação. O público delirou desde o começo do show e se entregou numa troca de energia fascinante. Contagiado pelo bem dosado setlist, que intercalava rocks na veia e baladas oníricas, o público sublimou o calor infernal e se concentrou no prazer de estar ali a despeito de toda a displicência dos "organizadores" com o conforto térmico do público e da banda.
A própria Dolores comentou que aquele era o lugar mais abafado que já havia tocado em toda a sua vida e elogiou a resistência e fidelidade do público: “You’re an AMAZING audience!”

Movido por um elogio desses e embriagado por uma performance irretocável, bem além do apenas profissional, o público retribuiu à altura, entoando as letras a plenos pulmões. O setlist incluiu canções dos álbuns solo de Dolores, como as ótimas Ordinary Day e The Journey.

Durante todo o tempo o público se perguntava: quando ela vai tirar aquele casaquinho branco? Pois ela cantou praticamente todo o show com ele, só o retirando antes de Zombie, um dos pontos mais ferventes do show. Foi a última antes do bis.

The Cranberries mostraram que têm o verdadeiro espírito rock’n’roll nas veias, cumprindo o mesmo setlist dos shows do centro do país e no final Dolores jogou o balde de gelo derretido em cima do público e derramou água nos cabelos curtos e morenos.

De todas as coisas inesquecíveis deste show memorável, sobressai-se a contradição fisiológica e a esquisita experiência sensorial imposta pelos Cranberries: mesmo na fornalha do Pepsi on Furnace, canções como Linger, When you’re gone e Ode to my family tiveram o poder de deixar o público arrepiado de emoção.














Setlist:

How
Animal Instinct
Linger
Ordinary Day
Wanted
You & Me
Dreaming My Dreams
When You're Gone
Daffodil Lament
I Can't Be With You
Pretty
Ode to My Family
Free to Decide
Waltzing Back
Switch Off the Moment
Salvation
Ridiculous Thoughts
Zombie
BIS:
Empty
The Journey
Promises
Dreams

Crédito das fotos:
Pepsi on stage==> sem crédito.
Show ==> Leandro Cabral (centro e esquerda), Tadeu Vilani (direita).

Sherlock Holmes

Guy Ritchie realiza a mais fiel adaptação cinematográfica de Conan Doyle de todos os tempos. Agora sabemos o que ele fez enquanto esteve casado com a Madonna. Leu Conan Doyle de cabo a rabo. Claro, não levem o 'fiel' aqui ao pé da letra. Fiel no sentido de fazer jus à qualidade do original. Ritchie tirou o melhor das páginas e acrescentou a agilidade de seu peculiar estilo cinematográfico. O resultado é um filme de primeira qualidade.

Uma das ideias geniais de Ritchie foi dar ao estupidificado Watson das páginas capacidade de raciocínio e ação. O antes mero e opaco coadjuvante agora é, além de leal, inteligente. A complexa relação dele com Holmes inclui admiração, amizade e até um pouco de ciúmes (principalmente de Holmes em relação a Watson, que está noivo da sem sal Mary Morstan, encarnada por Kelly Reilly). Já Watson parece não se importar com a morena presença de Irene Adler (Rachel McAdams). Talvez porque ela seja mais apaixonada por Holmes do que Holmes por ela.

O plot envolve os atos insanos e inexplicáveis de um maligno praticante de magia negra (Lorde Blackwood, interpretado por Mark Strong), confrarias secretas, conspirações, descobertas científicas, tudo mesclado e costurado numa velocidade alucinante pelos diálogos mínimos e truques de roteiro e edição de Guy Ritchie (nascido em 10 de setembro de 1968), aprimorados desde Jogos, trapaças e dois canos fumegantes (1998) e Snatch, porcos e diamantes (2000). Talvez numa análise um pouco menos superficial o enredo tente lidar com a dicotomia razão x imaginação; ciência x sobrenatural; adivinhação x poder dedutivo. Enfim, nada disso é lá muito importante, porque o ritmo das bem-engendradas sequências não permite espaço nem tempo para análises.

Há tempos não se via uma dupla protagonistas tão afiada. Robert Downey Jr. (04.04.1965) como Holmes e Jude Law (29.12.1972) como Watson em seus figurinos impecáveis e charmosos são a própria imagem da fleugma britânica. A fotografia e direção de arte também merecem menção e colaboram para a atmosfera dark e catastrófica do filme.

Avatar

James Cameron retorna às telas em grande estilo. Depois de Titanic (1997), o realizador que estreou com o trash Piranhas Voadoras II (1982) ficou exatos doze anos no limbo para simplesmente lançar um filme revolucionário. Che Guevara ficaria orgulhoso de Jake Sully.

O roteiro de Avatar tem todos os ingredientes que fizeram o sucesso dos outros filmes de Cameron. Senão, vejamos:

* a ação de O exterminador do futuro (1984);
* o trabalho em equipe de Aliens (1986) e a capacidade de criar frases que entraram para a história do cinema (vide Get away from her, you bitch);
* a concepção de seres estranhos de O abismo (1989);
* as lutas de O exterminador do futuro 2 (1991);
* o humor de True Lies (1994);
* o romance de Titanic (1997).

Cameron colocou todos esses ingredientes em seu caldeirão de ficção científica e surgiu Pandora, um mundo fantástico para onde os humanos vão com o objetivo de colonizar o local e obter grandes quantidades de um valioso minério. Mas em Pandora vive uma espécie de seres inteligentes, os Na'vi. Para melhor conhecer os hábitos desse povo, os cientistas, com a ajuda da engenharia genética, criam em laboratório híbridos cuja consciência é comandada pelo cérebro de um humano que, ao entrar numa cápsula, adormece e acorda no corpo do Avatar (a denominação dos híbridos). É assim que Jake Sully (Sam Worthington), soldado que ficou paraplégico e é selecionado para trabalhar no programa, pela primeira vez abre os olhos e tem todas as informações sensoriais de um Na'vi. Essa cena, embora muito emocionante, é apenas uma pálida demonstração das sensações que Cameron nos reserva.

Para se relacionar com os Na'vi, Jake Sully recebe os conselhos de dois 'gurus': Grace (Sigourney Weaver, a eterna Ripley da série Alien), a cientista-chefe, e o coronel Miles Quaritch (Stephen Lang), o comandante das operações militares, duas personagens contraditórias e difíceis de lidar. O elenco conta também com Giovanni Ribisi, no papel do asqueroso e ganancioso Parker Selfridge, o gerente de operações da colônia humana em Pandora, e Michelle Rodriguez, que encarna a confiável Trudy Chacon, amiga de Jake Sully e piloto de uma das aeronaves de combate.
Do lado dos Na'vi temos Wes Studi como o chefe Eytukan, Laz Alonso como Tsu'tey e a ótima Zoe Saldana (ver foto abaixo tirada na première de Avatar em L. A.) como a esquisita e misteriosa Neytiri.
Qualquer coisa que se comente sobre Avatar será inócua e sem sentido se a pessoa não ver o filme num cinema 3-D. A experiência é inigualável e inesquecível e impossível de não querer repeti-la.

Abraços partidos

A primeira cena de Abraços partidos (Los abrazos rotos, 2009), do diretor espanhol Pedro Almodóvar, é plena de sensualidade. Uma bela moça pede a um homem qual parte do jornal ele deseja ouvir. O homem diz que não está interessado no jornal, mas sim nela. Pede que ela se descreva. Ela então diz que é "ruvia de pelo largo" e tem olhos verdes, meio azulados no verão. Ele toca de leve o cabelo dela e desce os dedos, passando por pálbebras, rosto e seios. Os dois se beijam.

Assim o espectador é apresentado ao protagonista (que, como Almodóvar, é diretor de cinema e roteirista). E vai saber como ele chegou a essa situação por meio de um roteiro tipo vaivém, indo e voltando no tempo. Colcha de retalhos costurada sem pressa, quebra-cabeça montado devagar. Na verdade, o foco não é na dinâmica do contar e sim no que é contado, nas personagens desnudadas (algumas literalmente) ao longo da película.

Personagem importante na vida de Harry Caine é a produtora Judit (Blanca Portillo), que cuida de tudo na vida de Harry, desde problemas domésticos até os detalhes da produção.

Numa das idas e vindas do roteiro, ficamos conhecendo uma atriz que vai acabar se tornando uma grande paixão de Harry: a sensual Madalena (Penélope Cruz), mulher de um rico empresário. Mas antes novo rewind para apresentar todo o contexto no qual Lena se envolve com o possessivo Ernesto Martel (Jose Luis Gomez). O fato é que Lena faz um teste para participar de uma película de Harry, que se perturba com a presença dela e resolve contratá-la. O marido para não perder a ingerência sobre a amada resolve patrocinar o filme e manda o filho gravar o making-of. E uma das grandes ideias de Almódovar: o enciumado marido contrata uma leitora de lábios para, a partir das cenas do making-of, ler o que o o diretor conversa com sua atriz principal.

Outra personagem no mínimo interessante: o projeto de diretor de cinema Ray X (Ruben Ochandiano), enigmática figura que aparece em cenas estranhas. Ele também é retratado em duas épocas, e, quando adolescente, sua postura é caricatural, pendendo ao cômico.
Uma das cenas mais bonitas do filme é a cena de pura paixão entre Lena e Mateo/Harry à beira-mar, ao som de Werewolf da banda Cat
Power. O bom dos filmes de Almodóvar é que sempre se fica com vontade de revê-los e mesmo antes de rever fazemos novas releituras mentais das cenas e chegamos a conclusões diferentes sobre as atitudes tanto das personagens quanto do realizador. Só um cinema rico de ideias e imagens significativas permite esse tipo trabalho mental do surpreso e grato espectador.

500 dias com ela

Narrativa não linear de um não romance entre um não casal. Tom é um cara que curte bandas dos 80 como Smiths e Joy Division, e Pixies dos 90. Lê Alain de Botton e Salinger. É arquiteto, mas trabalha como criador de cartões de dia dos namorados. Devido a uma leitura errada do filme A primeira noite de um homem, e ao contato com músicas dos 80, tornou-se um introvertido ultraromântico. Acredita em amor à primeira vista, em destino e coisas assim. Tom conhece Summer (Zooey Deschanel), morena de olhos azuis que vai trabalhar na mesma empresa que ele, e se apaixona. Não exatamente à primeira vista, mas à medida que vai descobrindo que ela gosta das mesmas coisas bizarras que ele. Por exemplo, uma cena em que os dois estão sozinhos no elevador, ele escutando Smiths no fone de ouvidos e ela canta um trecho da música There's a light that never goes out.
É assim, aos pouquinhos, que Tom forma a certeza de que Summer é "the one". Summer, por sua vez, apenas acha Tom um carinha interessante, talvez uma nova conquista. Mas desde o começo deixa bem claro a ele que não quer se apaixonar e sim apenas um relacionamento "casual".

Invertem-se os papéis: a posição masculina de defesa é adotada justamente por Summer, e a posição feminina de morrer de amores é encarnada por Tom. Quando eles têm a primeira noite de amor (para ele) e de sexo (para ela), na manhã seguinte Tom acorda sentindo-se o melhor dos homens, e as pessoas que passam por ele contagiam-se com sua felicidade.

Que, como sói acontecer, is a warm gun...

Este filme de boa bilheteria nos EUA é o segundo trabalho dos roteiristas Scott Neustadter e Michael H. Weber (o outro foi Pantera Cor de Rosa 2) e a estreia do diretor Marc Webb. Vale conferir pelas inúmeras referências, pela trilha sonora e pela (clichê!) química mesmo não estequiométrica da dupla de protagonistas.

Código de conduta

Law Abiding Citizen (algo como "cidadão cumpridor das leis")* virou Código de conduta no título brasileiro. Desta vez, o ubíquo e onipresente Gerard Butler encarna Clyde Shelton, que assiste a família (mulher e filha pequena) ser assassinada de modo brutal em plena casa invadida por dois assaltantes. Um deles, ao esfaquear Clyde, fala "you can't fight fate" (é inútil lutar contra o destino). Mas é exatamente isso que Clyde vai fazer durante toda a sua saga de busca de vingança. Que, como costuma acontecer, é um prato que se come frio. 
       O promotor de justiça Nick Rice (o oscarizado Jamie Foxx, em atuação burocrática) faz um acordo com o advogado do assassino mais violento: ele entrega o comparsa (que na verdade foi cúmplice do roubo mas não esfaqueou as vítimas) e ganha uma pena branda (cinco anos).

       Depois dessa breve introdução, logo o filme se transporta para dez anos depois, quando um dos bandidos vai ser executado (enquanto o mais violento já está solto). Não vou contar mais nada do 'plot', basta dizer que Clyde, guardadas as proporções, lembra um pouco o D-Fens de Michael Douglas em Falling Down de Joel Schumacher (Um dia de fúria, 1993). 
      No filme de Schumacher, um cidadão indignado com a mediocridade, a violência e a estupidez das pessoas reage com mediocridade, violência e estupidez. No filme de F. Gary Gray, um cidadão cumpridor das leis resolve desafiar o sistema judiciário, que, segundo ele, está "broken" (falido) (na legenda saiu como 'imperfeito', boa solução tradutória). O clichê de sempre: "o roteiro tem boas sacadas que valem o ingresso; o filme entretém ao mesmo tempo em que provoca certas discussões interessantes." Mas não deixa de ser verdade. Não recomendado para pessoas sensíveis (algumas cenas insinuam situações ultraviolentas).

Filmografia resumida do eficiente F. Gary Gray, que em 2019 assinou o novo filme da franquia Men in Black:

2011 = The Brazilian Job (que acabou sendo cancelado!)

2009 = Law Abiding Citizen (Código de conduta)

2005= Be Cool (O outro nome do jogo)
2003 = A Man Apart (O vingador)

2003 = The Italian Job (Uma saída de mestre)

1998 = The Negotiator (O negociador)

1996 = Set it Off (Até as últimas consequências)

1995 = Friday (Sexta-feira em apuros)

* (To abide é conformar-se, tolerar, suportar, cumprir; a expressão 'law abiding' está adjetivando o 'citizen', então 'law abiding citizen'=~ "cidadão cumpridor das leis")

Bastardos inglórios

Com exceção de uma sequência (a protagonizada por Mike Myers), Bastardos inglórios é impecável. A cena de Myers não convence porque fica indecisa entre o esculacho e a verossimilhança interna. Tipo de cena que destoa e pode ser sacada com ganhos.
No mais, os capítulos do novo filme de Quentin Tarantino são repletos de suspense e humor na medida certa. O charmoso e ao mesmo tempo tenebroso cenário é a França controlada pelos nazistas, retratados no capítulo 1 como manipuladores, asquerosos, racistas e antissemitas. O coronel Hans Landa (Christoph Waltz), um dos personagens mais nojentos da história do cinema, visita a residência de um produtor de leite à procura da família Dreyfus, que estaria refugiada na propriedade. A sequência toda é um primor e já vale o filme, com uma cena homenageando o filme Rastros de ódio (The searchers), de John Ford. O capítulo 1 introduz além de Landa outra personagem essencial da história: a selvagem Shosanna Dreyfus (Mélanie Laurent, na foto).

Para contrabalançar a violência nazista, a América envia um micropelotão comandado pelo tenente Aldo Raine (Brad Pitt) com o único objetivo de instalar o terror nas hostes alemãs por conta de barbáries como tirar o escalpo dos inimigos mortos e marcar a suástica na testa dos vivos. Logo a fama dos "Inglourious basterds" se espalha e alguns de seus integrantes ganham alcunhas sugestivas como o sargento Donnie Donowitz (Eli Roth), que passa a ser conhecido como o "Urso Judeu" e o tenente Aldo como "Apache". O sargento Donnie ganha fama por destroçar prisioneiros indefesos com um taco de beisebol em espetáculos dantescos.

Os desdobramentos e episódios seguem a estrutura tarantiniana de diálogos cortantes e inusitados com suspense crescente que acabam em múltiplos ápices banhados de sangue, suor e lágrimas. A selvageria dos dois lados é enfatizada sem firulas. Não há mocinhos nem bandidos, apenas pessoas sem moral ou vingativas. Vingança fenomenal é a planejada por Shosanna, agora morando em Paris e proprietária de um cinema. Com a ajuda do amante Marcel (Jacky Ido) ela vai provar que a vingança é um prato que se come frio.

Ser impecável não significa ser ótimo ou genial, mas fato inegável é a rapidez com que os 210 minutos frenéticos se escoam. As duas horas e meia passam num piscar de olhos, e isso é sinal de que o filme é pelo menos bom. É bem verdade, Tarantino não usa o cinema para denunciar nem para provocar profundas meditações. Realiza uma espécie de entretenimento com conteúdo estético e texto apurado. Num século em que o cinema e a literatura se banalizaram, um diretor como Tarantino se destaca por sua originalidade, ironia e capacidade de desconcertar.