DAVID LEAN'S BRITISH LITERATURE

DAVID LEAN’S

BRITISH LITERATURE

A PAPER BY HENRIQUE GUERRA*

INTRODUCTION   The purpose of this paper is to present an overview of the literary in David Lean’s movies. Literature – especially British – becomes motion pictures in practically every one of the 16 movies of his meaningful career as a director. It is my intention to analyze the literary liaisons that helped to make Lean’s filmography one of the richest in the history of cinema. From In Which We Serve (1942) to A Passage to India (1984), the epic moviemaker – who died in 1991 before shooting Conrad’s Nostromo – either adapted the work of or collaborated with great British writers and playwrights, such as Noel Coward, Charles Dickens, Terence Ratting, Robert Bolt, and E. M. Forster. He also turned into film a book called Seven Pillars of Wisdom, by T. E. Lawrence, a compelling account of the Arab Revolt. It is no wonder that a director obsessed with telling good stories and exploring human emotions would use novels and plays as sources, but is my intention to prove that David Lean, maybe without planning to do so, built a solid portrait of what British literature is capable of.

In Which We Serve (Nosso barco, nossa alma, 1942) The very first Lean’s movie as director was written and starred by Noel Coward, a popular playwright whose literary importance, although somewhat controversial, is nowadays more and more recognized. According to John Smart, “Noel Coward depicted and embodied the moneyed and escapist world of the 1920s and 1930s.” The most notorious qualities of In Which We Serve – a well written script, a nice cutting and an economical direction – would become Lean’s trademark along his not so prolific career. Lean directed only sixteen movies throughout five decades, and only one of these movies (Madeleine, the true story of an enigmatic Scottish woman) was not either based on a literary source or written by a playwright (see Table). In Which We Serve tells in flashbacks the story of British ship HMS Torrin and its crew. One of the sailors is played by Richard Attenborough, in his screen debut. Lean manages to accomplish a war movie whose focus is not the thrill of the battles, but the human drama.

This Happy Breed (Esta nobre raça, 1944) This adaptation of the homonymous Noel Coward play depicts the life of a working class family after the First World War and across the 1920s. The title comes from Shakespeare’s Richard III: This happy breed of men, this little world/ This precious stone set in the silver sea/ (…)/Against the envy of less happier lands/ This blessed plot, this earth, this realm, this England.

Sources and screenwriters of David Lean’s movies

Movie	Source	Screenwriter(s)*
In Which We Serve (1942)	True story of destroyer HMS Kelly and captain Mountbatten in Battle of Crete (1941).	Playwright Noel Coward
This Happy Breed (1944)	1939 play by Noel Coward	Noel Coward, from his own play. Adaptation: David Lean, Ronald Neame, Anthony Havelock-Allan
Blithe Spirit (1945)	Homonymous Noel Coward’s 1941 play	Noel Coward, from his own play. Adaptation: David Lean, Ronald Neame, Anthony Havelock-Allan
Brief Encounter (1945)	1936 one-act play Still Life, by Noel Coward	David Lean, Ronald Neame, Anthony Havelock-Allan
Great Expectations (1946)	1860-61 novel by Charles Dickens	David Lean, Ronald Neame, Anthony Havelock-Allan, Kay Walsh, Cecil McGivern
Oliver Twist (1948)	1838 novel by Charles Dickens (his second one)	David Lean and Stanley Haynes
The Passionate Friends (1949)	1913 H. G. Wells’s The Passionate Friends: A Novel	David Lean and Stanley Haynes
Madeleine (1950)	True story	Stanley Haynes and Nicholas Phipps
The Sound Barrier (1952)	Loosely based on newspaper articles and real-life story of pilot Geoffrey de Havilland, Jr.	Playwright Terence Rattigan
Hobson’s Choice (1954)	Harold Brighouse’s 1916 homonymous play	David Lean, Norman Spencer, Wynyard Browne
Summertime (1955)	Based on the 1952 play Time of the Cuckoo by Arthur Laurents	David Lean and H.E. Bates
The Bridge on the River Kwai (1957)	Le Pont de la Rivière Kwai, 1952 Pierre Boulle novel, translated into English by Xan Fielding (1954).	Credited: Pierre Boulle Actual: Michael Wilson, Carl Foreman (credited posthumously because in the fifties they were in the so-called “Hollywood blacklist”)
Lawrence of Arabia (1962)	Seven Pillars of Wisdom, 1926 account of T. E. Lawrence real adventures during the Arab Revolt (1917-8)	Playwright Robert Bolt (dialogues) & Michael Wilson (storyline) (Michael Wilson received credit only in 1995).
Doctor Zhivago (1965)	1957 Boris Pasternak’s novel	Robert Bolt
Ryan’s Daughter (1970)	Loosely based on 1856 Madame Bovary by Gustave Flaubert	Robert Bolt
A Passage to India (1984)	1924 E. M. Forster’s novel	David Lean

 *Information of this column extracted from http://davidlean.com/Filmography/filmography.html

Blithe Spirit (A mulher do outro mundo, 1945) The title – based on the homonymous play by Noel Coward – has a strong literature link: it comes from the first line of Percy Shelley’s poem called To a Skylark: Hail to thee, blithe Spirit! (1820). Here the blithe spirit is not a singing bird but the ghost of a dead wife, accidentally brought to our dimension through the work of a hilarious psychic (Margaret Rutherford). And though both the play (which after its premiere in 1941 run for a total of 1,997 performances in a row) and the movie are played for laughs, the ghost story pays homage to English tradition in fantasy literature. Writer Charles Condomine (Rex Harrison) and his wife Ruth invite Madame Arcati (Margaret Rutherford) to promote a séance in their house. But besides being a research source for his new mystery book, the session ends up opening a way for Elvira, his dead first wife, to return from the “other world”. The script takes advantage of this bizarre situation to explore the funny side of a domestic environment where two wives coexist. Even though Elvira actually cannot be seen by Ruth, poor Charles see and hear both of them perfectly, and sometimes he addresses Elvira but Ruth thinks he is addressing herself. In a way, Blithe Spirit can be considered a bit of a dark comedy, term coined by André Breton in his 1939 book Anthologie de l'humour noir, as a reference for some works of writers such as Jonathan Swift and Edgar Allan Poe. Both the movie and the play confirm what Lahr (quoted by Dietrich) wrote: “Only when Coward is frivolous does he become in any sense profound”.

Brief Encounter (Desencanto, 1945) Story of a housewife who casually meets a doctor on a tearoom by a rail station. Even though both are married to others, soon it becomes a routine their innocent meetings every Thursday. In the beginning, the most sinful thing they do together is to see sensationalist movies such as Flames of Passion from the mezzanine of the theater. As it was bound to happen, the innocence gives space for doubt and mixed feelings. In other words, love. This deep, sensitive study about guilt and betrayal raises questions about what people think is right or wrong. Brief Encounter, while remaining a classic of delicate intimism and (not so) suffocated desire, also is a good example why

Coward was a major playwright of the 1920s and early 1930s. Despite his limitations, he held up a mirror to his times reflecting the wit and gaiety of his generation and class. His plays present a glamorous wasteland with a mixture of fascination and loathing (SMART, 2001).

The partnership between David Lean and Noel Coward represents a kind of “first cycle” in Lean’s filmography. It resulted in four movies or 25% of Lean’s career. To Coward, these four movies meant a broader audience for his drama literature. Until today people can be in touch with his work through Lean’s movies. To Lean, the way was paved to his two adaptations of one of the most important British novelists: Charles Dickens.

Great Expectations (Grandes esperanças, 1946) + Oliver Twist (1948) Although some scholars dislike the liberties taken by Lean with his adaptations of Dickens’s works, some consider them as models. Regina Barreca, a feminist professor of English Literature who wrote books like Perfect Husbands (& Other Fairy Tales): Demystifying Marriage, Men & Romance and also a chapter in the book Dickens on Screen, clearly belongs to the first category, as we can notice by this excerpt:
In his 1946 Great Expectations David Lean didn't film Dickens's novel. He remade the novel into David Lean's film. Lean completely reversed the thrust of Dickens's story. In the novel (…) the male–male bonds (…) structure the protagonist's moral and social development, and completely determine the book's final third. But with Lean the most interesting relationship is not among men but between women, Estella and Miss Havisham (BARRECA, 2003).

On the other hand, David Thomson (movie critic who authored more than 20 books) has a more positive approach: “Dickens texts are adapted, but the films are vivid movies in their own right as well as the basis for decades of BBC television adaptations of classic literature” (Thomson, 2008).

The Passionate Friends (A história de uma mulher, 1948) This semester in our English course we have studied a short story by H. G. Wells, The Crystal Egg. However, the themes of Wells’ novels and stories are not limited to invisible men, wars of worlds, time machines, islands of lost souls and crystal eggs. He, as Lean, was also keen on an “intensely modern theme”, as New York Times literary critic L. M. Field put in 1913, the same year in which the book was published. This theme, of course, is “woman and sex” (Field, 1913). That this was one of Lean’s favorite topics is easily proven, not only because of his film curriculum (e. g., Brief Encounter, Summertime, The Passionate Friends, Ryan’s Daughter), but also for his own biography: as David Thomson put it, Lean was “the possessor of six wives (not at the same time)”. The Passionate Friends (both novel and film) deals about a love triangle whose main angle is Lady Mary. A key scene is well described in L. M. Field’s review: “(…) high up among the Alps, the long-parted ‘passionate friends’ meet and talk together as though their bodies were dead and gone – when, its stultifying accompaniment left behind, the real bond between them displays itself in all its beauty.” Author of an interesting article about Lean’s sexual life, George Macnab pointed out: “In The Passionate Friends (1949), Lean explores such themes as sexual jealousy and adultery with far more depth than in any of his earlier films – even Brief Encounter (1945).”

 Madeleine (As cartas de Madeleine, 1950) A forgotten cinematographic gem, Madeleine Smith’s true, sad history is told by Lean with almost painful sobriety and restraint. The pair of screenwriters – Stanley Haynes, also producer, and Nicholas Phipps – did a meticulous research of the 1857 trial and succeeded in building a portrait of a woman could be described either as manipulative and frivolous or as troubled and passionate, or these four altogether. Ann Todd – by that time, Mrs. David Lean – superbly gives life to a multifaceted character. A little before the movie premiere, Lean showed it to his friend Noel Coward, who after the private session commented that Lean should give the viewers a definite solution. But in retrospective this very fact (the “open ending”), while telling a lot about Lean’s perspective and style, also raises the artistic values of the work. Recently the case of Madeleine Smith regained a boom of attention, following the release of two books in 2007: A Scottish Murder – Rewriting the Madeleine Smith Story, by Jimmy Powdrell Campbell, and The Strange Affair of Madeleine Smith, by Douglas MacGowan.

The Sound Barrier (Sem barreira no céu, 1952) With a screenplay by Terence Rattigan, based on newspaper articles, David Lean focuses the attempts to break the sound barrier by a aircraft manufacturer, in spite of risking the lives of pilots very close to him. The playwright deserved a paragraph in An Outline of English Literature, by Thornley & Roberts (1984), who claim Rattigan is “(…) another well-known writer of traditional and successful plays” and that his work “(…) extends from light comedy, as in French Without Tears (1936) to more serious plays such as The Winslow Boy (1946)”.

 

Hobson’s Choice (Papai é do contra, 1954) The play by Harold Brighouse and the adaptation by David Lean tell the story of shoemaker Henry Hobson, a widower, and his three daughters, who help him in the workshop, along with Willie, a talented bootmaker. The daughters do not receive a penny and Willie is underpaid. The name of the protagonist, in the movie played by Charles Laughton, is a word play with the popular expression “Hobson’s choice”, whose origin allegedly is the following. A stable owner called Hobson, in order to establish a horse rotation, offered his customers, among his many horses in the stall, only one horse: the one nearest the door. So “Hobson’s choice” means something as “take or leave it”. And what will be Henry Hobson’s choice when Maggie, his older, most useful daughter ask for a wage and for a permission to marry his employee? Recently another play by Harold Brighouse, The Game, was revived by the theatrical company of actor Barrie Rutter, who wrote an article about it, whose first sentences are:

 Harold Brighouse was a star writer in his time. Today, he’s viewed as a one-play wonder. Everyone knows Hobson’s Choice, his tale of a Salford cobbler outfoxed by his daughters. A hit in New York before its London debut in 1916, the play has been studied by generations of schoolchildren and was made into a classic film by David Lean (RUTTER, 2010).

Summertime (Quando o coração floresce, 1957) “You are a hungry child to whom someone brings ravioli. ‘But I don't want ravioli, I want beefsteak!’ You are hungry, Miss Samish! Eat the ravioli!”. It’s impossible to watch this movie and forget this very Italian advice. Undoubtedly, Katharine Hepburn’s character ate the ravioli, even though the ravioli was a handsome – but married – Italian (Rossano Brazzi). The movie is an adaptation of the play The Time of the Cuckoo, by Arthur Laurents, adapted by Lean, with the help of the writer H. E. Bates. Arthur Laurents (who also wrote scripts for important movies such as Alfred Hitchcock’s Rope and Robert Wise’s West Side Story) studies the dilemma of a middle-aged woman who falls in love with a married Italian during a trip to Veneza. 

Lawrence of Arabia (Lawrence da Arábia,1962) “The standard path of the mythological adventure of the hero is a magnification of the formula represented in the rites of passage: separation – initiation – return”. The accomplishments of British officer T. E. Lawrence during the First World War Arab front comprise a good example of the formula described by Joseph Campbell in The Hero With a Thousand Faces. Peter O’Toole’s face immortalized on screen the representation of T. E. Lawrence, whose experiences in desert wars embody Campbell’s archetypal hero. The fact that Lieutenant Lawrence adopted Arabian clothes just emphasized his initiation, and the sequence of scenes portraying his coming back to report his deeds after the conquest of Akaba and his promotion to Major surely represents an archetypal glorious return. The production of this movie started with Sam Spiegel’s purchasing of the screen rights to Seven Pillars of Wisdom from T. E. Lawrence’s brother. The book published in the 1920s, a classic of British non-fiction literature, also “one of the best books on World War I – and still full of handy hints on how to wage a guerrilla war”, became 80 years after a “best-seller among American officers in Iraq” (Suter, 2010). Film critic David Thomson alerts that “while Lawrence of Arabia is grand and beautiful, don’t expect it to know who Lawrence was, let alone what really happened in his Middle East”. The movie marked the first of three collaborations between David Lean and Robert Bolt, the playwright who penned A Man for All Seasons. Bolt would also write the screenplay of Doctor Zhivago and Ryan’s Daughter.

The Bridge on the River Kwai (A ponte do rio Kwai, 1957) + Doctor Zhivago (Doutor Jivago, 1965) These movies undoubtedly helped to popularize worldwide two novels originally not written in English. As a translator myself, I must highlight this important fact. These texts were indeed translated twice: first into English by literary translators, and then into screen, by great English screenwriters. Do the resulting texts and movies contribute to British literature? Yes, if you consider translations as valuable literary works that promote cross-cultural dialogue and understanding, because “it is in their literature (…) that living cultures store their capital: in order to understand another culture, you have to read its books” (CEATL, 2008).  It is common that books turned into films sell more and more editions, in a “virtuous” cultural cycle. So David Lean helped Pasternak and Boulle to sell more books, even though the translators remained invisible, since

in a translated work, it is hard to identify the translator’s personal artistic contribution, and, as long as the public remains unaware of that contribution, translators have no symbolic capital with which to enter the market as ‘cultural entrepreneurs’ (CEATL, 2008).

Ryan’s Daughter (A filha de Ryan, 1970) In Ireland, during the First World War, Rosy Ryan, the wife of a schoolmaster, falls in love with an English military officer. A kind of Irish Emma Bovary, Rosy Ryan uses to talk with the priest, who all the community respects as an authoritative leader. Third movie directed by Lean with a script by Robert Bolt. According to C. D. Innes, Bolt “was initially hailed as the British Brecht”. Innes dedicated a section of his book on modern British drama to analyze Bolt’s plays: Adopting the Epic Style: Robert Bolt (1924-95). He points out that “For all the religious dimension in Bolt’s plays, his drama remains firmly on a social, not a metaphysical level.” Not surprisingly the social consequences of Rosy Ryan’s behavior are mercilessly depicted in Ryan’s Daughter, “an Ireland that exists more in melodrama than reality” (Thomson, 2010).

 A Passage to India (Passagem para a Índia, 1984) According to Thomson (2010), “A Passage to India is rather bad – it doesn’t get the E.M. Forster ironies”. According to myself, is rather great – I have not read E.M. Forster and watching David Lean’s movie was an illuminating, cross-cultural, fulfilling experience. The movie is about how people can make bonds in spite of cultural misunderstanding. The empathy between Dr. Aziz and Mrs. Moore is almost instantaneous, and even after the accusations against Dr. Aziz, Mrs. Moore believes in his innocence. In a way, the movie is more optimistic than the novel, judging by what Arun Mukherjee wrote in his Oppositional Aesthetics, pretty much in the same tone used by Chinua Achebe to scorch Joseph Conrad:

 The film sweetens the imperialistic relations of the British and the Indians to mere social misunderstanding. (….) The novel admitted that power relationships cannot be transformed into friendships. The film papers over this profound statement in a most awkward and disturbing manner (MUKHERJEE, 1994).

Lean is not very much interested in political statements; he prefers to understand the characters’ motivations and feelings. In some aspects, Lean’s movie is even superior to the book. For example, if you watch the movie attentively you can never say for sure if Dr. Aziz is innocent or no. And this ambiguity, this possibility of multi-interpretation enriches the narrative, whether the Indians like or not. By the way, a scene in A Passage to India resembles a similar scene in Madeleine. Both movies depict a woman crossing an enraged crowd inside a carriage in her way to court. Madeleine, as the defendant; Adela, as the accuser.

 FINAL CONSIDERATIONS In order to write this work I watched 10 of the 16 David Lean’s movies in a couple of weeks. Throughout this process my knowledge about movies improved a lot – but also my knowledge about English Literature. Movie by movie, I showed the existence of a “two-way road” between David Lean’s filmography and British Literature. One needs just take a look on the Table of page 3 to confirm this assertion. Before ending this paper, I must thank Professor Elaine Indrusiak for screening during the English Literature course, in a two-class session, David Lean’s A Passage to India. The first session was attended by around twenty students, and the second by only six. The fact motivated me to choose the topic for my final paper. Maybe it was just a coincidence, maybe not. Surely there’s no account for tastes, but maybe my colleagues failed to do what General Allenby was capable to do when he promoted T. E. Lawrence to Major. Robert Bolt’s screenplay reads:

Lawrence: You’re a clever man, sir.

General Allenby: No, but I know a good thing when I see one.

WORKS CITED

BARRECA, Regina. David Lean's Great Expectations. In: Dickens on Screen (pp. 39-44). Washington, DC: Cambridge University Press, 2003. Chapter Extract. Online. 26 Nov. 2011. Available: http://dx.doi.org/10.1017/CBO9780511484827.004

CAMPBELL, Joseph. The Hero With a Thousand Faces. Oxford: Princeton University Press, 2004. Online. 27 Nov. 2011. Available: http://www.rosenfels.org/Joseph%20Campbell%20-%20The%20Hero%20With%20A%20Thousand%20Faces,%20Commemorative%20Edition%20%282004%29.pdf

CEATL (Conseil Européen des Association de Traducteurs Littéraires). Literary Translation and Literary Translators. December, 2008. Online. 28 Nov. 2011. Available: www.ceatl.eu/wp-content/uploads/2010/09/policy-uk.pdf

DIETRICH, R. F. British Drama 1890-1950: A Critical History. Boston: G. K. Hall & Co., 1989. Online. 20 Nov. 2011. Available:  http://chuma.cas.usf.edu/~dietrich/britishdrama.htm

 FIELD, L. M. H. G. Wells: Intensely Modern Theme of His “Passionate Friends”. The New York Times. Published: November 2, 1913. Online. 26 Nov. 2011. Available:

https://timesmachine.nytimes.com/timesmachine/1913/11/02/100284510.pdf

INNES, C. D. Modern British Drama: the twentieth century. Cambridge: Cambridge University Press, 2002.

LAURENTS, Arthur. The Time of the Cuckoo: a comedy. New York: Random House, 1953. Online. 26 Nov. 2011. Available: http://books.google.com/books?hl=pt-BR&id=LBoxAAAAIAAJ&q=ravioli

MACNAB, Geoffrey. Brief encounters: How David Lean's sex life shaped his films: was the director's chaotic love life responsible for some of his greatest films? The Independent. Published: 29 Jun. 2008. Online. 26 Nov. 2011. Available:

http://www.independent.co.uk/arts-entertainment/films/features/brief-encounters-how-david-leans-sex-life-shaped-his-films-854957.html

MUKHERJEE, Arun. Oppositional Aesthetics: Reading from a Hyphenated Space. Chapter 5, The Third World in the Dominant Western Cinema: Responses of a Third World Viewer (pp. 39-48). Toronto: TSAR Publications, 1994.

RUTTER, Barrie. A Playwright of Two Halves: Harold Brighouse. The Northern Broadsides founder on reviving a football play. The Arts Desk. Published: 14 September 2010. Online. 27 Nov. 2011. Available:

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SHAKESPEARE, William. Richard II. Act II, Scene 1. In: The Complete Works of William Shakespeare. Online. 26 Nov. 2011. Available:

http://shakespeare.mit.edu/richardii/richardii.2.1.html

SMART, John. Twentieth Century British Drama. Cambridge: University Press, 2001.

SUTER, Keith. Lawrence – Seven Pillars of Wisdom. Global Directions. Online. 27 Nov. 2011. Available: http://global-directions.com/Articles/Peace%20and%20Conflict/LawrenceOfArabia.pdf

 THOMSON, David. David Lean at 100: The Talent Behind the Legend. Reconsidering the high and lows of a filmmaking icon. L. A. Weekly. Published: October 15, 2008. Online. 26 Nov. 2011. Available: http://www.laweekly.com/2008-10-16/film-tv/david-lean-at-100-the-talent-behind-the-legend/

 THORNLEY, G. C. & ROBERTS, Gwyneth. An Outline of English Literature. Essex: Longman Group Ltd., 1984.

* Originally written by Henrique Guerra especially for Dr. Elaine Indrusiak's course of English Literature, UFRGS,  PORTO ALEGRE, BRAZIL, NOVEMBER, 2011.

Lincoln

Está cada vez mais difícil encontrar filmes com a substância de Lincoln. Filmes com supremo apuro em todos os âmbitos e quesitos. Onde todos os detalhes somam para obter um resultado coeso e mordaz. Do roteiro ao figurino, da escolha do elenco à fotografia, da montagem aos efeitos sonoros, tudo alça Lincoln ao patamar dos filmes duradouros. O fenomenal roteiro ilumina nuanças da personalidade e da trajetória dessa histórica figura estadunidense. O figurino e o som irretocáveis nos remetem à época - o quarto ano da Guerra da Secessão, na segunda gestão de Abraham Lincoln - de modo envolvente. Atores e atrizes entregam atuações maiúsculas. Daniel Day Lewis, Sally Field e Tommy Lee Jones que o digam. A irrepreensível fotografia de Janusz Kaminski dá o tom ideal para uma obra-prima de sobriedade e a contenção. A montagem cadenciada reflete o compasso firme e seguro do olhar por trás da câmera. O que nos leva à figura do diretor. O realizador de Lincoln mostra faro por boas histórias, capacidade de trabalhar e domínio de todo o processo artístico. Talvez nenhum outro filme retrate o processo de uma tomada de decisão premente e importante. Espécie de "Maquiavel para principiantes", Lincoln revela os dilemas que um líder precisa enfrentar em prol de um objetivo maior.

Django livre

 

Sul dos EUA, dois anos antes de estourar a Guerra da Secessão. O dentista King Schulz (Christoph Walz) abandona a profissão para se tornar caçador de recompensas. Recruta Django (Jamie Foxx), escravo acorrentado, para ajudá-lo a rastrear e matar três irmãos, feitores de uma fazenda de algodão. A proposta é irrecusável: em troca de sua colaboração, Django ganhará alforria e vinte e cinco dólares por irmão. Schulz gosta da atuação de Django e "prorroga seu contrato" até o fim do inverno, com a promessa de ajudá-lo a resgatar sua esposa Brunhilde (Kerry Washington), cativa na fazenda de Monsieur Calvin Candie (Leonardo DiCaprio). A ação arrefece e dá lugar a uma série de diálogos e situações tipicamente tarantinianas, em que o realizador explora ao máximo a sua capacidade de expor as piores idiossincrasias, vaidades e artimanhas humanas, capitaneadas pela participação de Samuel L. Jackson como o pérfido escravo Stephen. Em Django livre, cujo título vale como homenagem ao cinema de Sergio Corbucci e ao hoje clássico Django (1966), Tarantino oscila entre o inteligente e o kitsch. Durante a sessão, às vezes, tem-se a impressão de que o diretor "repousa sobre os louros do passado". Ou seja, está displicente, com a certeza de que tudo que fizer será cultuado e incensado. E, às vezes, tem-se a impressão que Tarantino é um autor consumado, que sabe manipular todos os elementos a seu dispor, que sabe alavancar os efeitos catárticos da violência exacerbada - uma das marcas registradas de seus filmes. Em todos os momentos, porém, tem-se uma certeza: Django livre, definitivamente, não é um filme para se levar a sério.

O mestre

Enunciado. Defina em três palavras o cinema de Paul Thomas Anderson. Resposta. Densidade com estilo. Exemplos: Boogie Nights - prazer sem limites (1997), Magnólia (1999), Embriagado de amor (2003) e Sangue negro (2007). Com uma singular predileção por assuntos/personagens controversos e um incomparável talento para urdir cenas que permanecem na retina, Thomas realiza filmes de compasso lento e árdua deglutição. Em termos visuais, o cinema de Anderson é uma mescla bizarra de aridez minimalista com detalhismo extravagante. Em outras palavras, Anderson é um cineasta bipolar que tenta, filme após filme, conciliar extremos, com resultados que parecem frustrar as massas. Quer mais bipolaridade? A vigente e unânime opinião sobre O mestre: o filme é "chatésimo", mas "vale" pelo "show de interpretação" de Joaquin Phoenix. Arlequinal. Como um filme pode ser uma droga e ter uma excelente atuação? Uma soberba atuação pressupõe um personagem consistente numa história significativa. Se o espectador consegue reconhecer a suprema qualidade do desempenho de um ator, bem, algum mérito o roteirista/diretor teve nesse processo. Enquanto alguns cineastas privilegiam o ritmo da narrativa a qualquer preço, Anderson é de outra cepa: quer entender e investigar a alma de seus personagens, e se a história for para o brejo nesse entremeio, azar. Mais especificamente, O mestre aparenta ser malcosturado porque o roteiro é uma colcha de retalhos que envolve partes da vida de Ron Hubbard (criador da cientologia), da vida do escritor John Steinbeck e fragmentos das experiências do ator Jason Robards na Marinha. Por se originar desse mosaico de fontes, é até compreensível certa falta de foco narrativo em O mestre. Imperdoável mesmo é o filme ser "vendido" como suposta análise sobre a "polêmica" da cientologia. Essa afirmação chega às raias do absurdo. Na verdade, O mestre serve como estudo sobre seitas religiosas em geral. Não há um aprofundamento sobre crenças ou princípios específicos. Phoenix (que retorna após declarar a carreira encerrada com o filme Two Lovers) encarna Freddie Quell, ex-combatente da Segunda Guerra Mundial que se torna um fotógrafo no pós-guerra. Sua personalidade conturbada domina o filme até o destino de Quell se ligar a Lancaster Dodd, autor de autoajuda/líder de seita interpretado por Philip Seymour Hoffman. A partir daí, O mestre se transforma num hercúleo duelo entre dois atores e personagens para ver quem é "principal" e quem é "coadjuvante". A certa altura, a figura de Lancaster se sobressai e Quell vai para o segundo plano. A mais contundente cena do filme é a que os dois atores se digladiam com palavras e gestos, cada qual trancafiado numa cela contígua. É exatamente isso que P. T. Anderson consegue fazer: coloca o cérebro (Hoffman) e o coração (Quell) de cada espectador numa cela separada, os submete a grandes pressões e os deixa ali, para ver quem vence.

As aventuras de Pi

No romance Life of Pi, publicado em 2001 e laureado com o Man Booker Prize, o canadense Yann Martel  fragorosamente roubou a ideia do romance Max e os felinos (1981), do escritor gaúcho Moacyr Scliar. Não houve processo por plágio, e Scliar contentou-se com uma menção no prefácio de Life of Pi, em que Martel reconhece ter se inspirado em Max and the Cats para compor sua narrativa. Não demorou para que a indústria percebesse o potencial cinematográfico da saga de Piscine, o jovem indiano que vai migrar com seus pais para o Canadá, junto com todos os animais do zoológico, a bordo de um cargueiro japonês. O navio naufraga numa tempestade, e Pi se vê confinado no exíguo espaço de um bote salva-vidas, em companhia da zebra, da hiena, do orangotango e, é claro, de Richard Parker - o faminto tigre de bengala. As estratégias e os recursos utilizados pelo jovem na tentativa de se manter vivo são o leitmotiv do roteiro. Para isso, Pi terá que lançar mão de toda a sua tenacidade e, de quebra, contar com inusitadas coincidências, como o afortunado encontro com um cardume de peixes-voadores e uma breve estadia numa misteriosa ilha. Bebendo na fonte de Um barco e nove destinos (Alfred Hitchcock, 1944) e de O velho e o mar (John Sturges, 1958), o filme As aventuras de Pi é um deleite para os olhos, com cenas de plasticidade esplendorosa, realçadas pela tecnologia 3-D e conduzidas com a tarimba de Ang Lee.

João e Maria: caçadores de bruxas

Quando um diretor se destaca em seu país logo atrai a atenção da meca do cinema. Hollywood é pródiga em importar e, às vezes, estragar talentos. Com João e Maria: caçadores de bruxas, o alvo foi a Noruega. O cineasta Tommy Wirkola despontou em 2007 com Kill Buljo, espécie de caricatura de Kill Bill. Em seguida realizou Dead Snow (2009), comédia com zumbis nazistas, e Kurt Josef Wagle and the Legend of the Fjord Witch (2010), paródia de filmes como A Bruxa de Blair. Para azar de Wirkola, o primeiro filme dele a que assisti foi justamente seu primeiro produto hollywoodiano. Pasteurizado ao extremo, mais parece uma sucessão de combates de artes marciais mistas, encenados de modo patético. Ideias que poderiam ser boas são perdidas em prol da preocupação com o ritmo alucinante. O personagem mais interessante é Edward, o simplório troll que se apaixona por Maria (a insossa Gemma Arterton). A mixórdia, digo, a história acaba sendo emblemática no desrespeito à aura e ao temor um dia inspirados pelas pobres bruxas. Uma coisa é certa, para o bem ou para o mal: a criança que assistir a João e Maria: caçadores de bruxas jamais terá medo das caricatas bruxas e suas enfraquecidas bruxarias.

O espetacular Homem-Aranha - 3D

O diretor Marc Webb estreou com o pé direito no filme 500 dias com ela (2009). Até aí, tudo bem. Mas quem diz que "teia" no sobrenome e o pendor para comédia romântica credenciam alguém para substituir ninguém menos que Sam Raimi na franquia Homem-Aranha? E não para por aí a lista de trocas. Encarnando Peter Parker, sai Tobey Maguire, entra Andrew Garfield. Para a paixão de Peter, sai a covinha de Kirsten Dunst, entra o narizinho arrebitado de Emma Stone (que durante as filmagens também era a namorada de Garfield na vida real). Até o uniforme do herói passou por uma repaginada e agora é assinado pelo Cirque du Soleil. O roteiro reconta com outros detalhes a história já contada no primeiro filme do Homem-Aranha dirigido por Sam Raimi. Ou seja, como Peter Parker é mordido por uma aranha e adquire seus poderes. O assassinato do tio Ben (Martin Sheen) e a relação difícil com a tia May (Sally Field, forte candidata ao Oscar como a primeira-dama de Lincoln). Basicamente, o roteiro de O espetacular Homem-Aranha segue três linhas principais: a perseguição ao assassino do tio Ben, o enfrentamento com o Lagarto (um improvável Rhys Ifans, o Spike de Notting Hill) e o "chove-não-molha" com Gwen Stacy, ninguém menos que a filha do capitão George Stacy, o chefe da polícia de Nova York. No frigir dos ovos, eis que Marc Webb, espetacular e surpreendentemente, consegue se desincumbir da tarefa com louvor. E, de quebra, nos brinda com uma aula sobre a tecnologia 3-D nos extras do blu-ray.

Bolt

Espécie de O show de Truman para crianças, Bolt é filme para ver e rever. Afinal, só a partir da segunda sessão, seu filho de cinco anos vai começar a entender os meandros das peripécias do jovem berger blanc suisse (pastor-branco-suíço, uma variação do pastor-alemão) que pensa ser um supercão.  De qualquer modo, outros itens justificam investir o valioso tempo de sua família em Bolt: a ousadia da ideia, o primor da ação, a emoção dos dilemas e o carisma das personagens. A cena de abertura é a cena que todos os diretores especializados em ação (como David Richard Ellis, que Deus o tenha) sonhariam fazer, sem precisar dos recursos da animação, é claro. Depois do vertiginoso início, porém, as coisas começam a ficar meio confusas para a criançada pequena, já que nem tudo que se vê na tela é verdade. Espectadores mirins apropriadamente vão ficar com uma pulga atrás da orelha, mas esta é apenas mais uma das qualidades de Bolt: ensina às crianças que nem tudo que reluz é ouro. E que, mesmo sem superpoderes, podemos realizar coisas importantes. Em outras palavras, Bolt é sobre autoconhecimento e autoestima.

Valente

Segundo todo manual de roteiro que se preze,

um filme deve estabelecer a linha principal e "prender" o espectador em dez minutos. Sob esse prisma, Valente (Brave, 2012) tem um problema de roteiro: essa recomendação não é seguida à risca. Com eficácia, a roteirista e diretora Brenda Chapman (que tem no currículo a codireção de O príncipe do Egito, de 1998, e colaboração em vários filmes da Pixar) apresenta sua heroína, mas o desenrolar dos fatos é espaçado, sem tanta pressa. Lá pelos 15 minutos, começa a sequência que vai provocar a reviravolta na história. A princesinha Merida, filha do rei Fergus e da rainha Elinor, desafia os pais e não aprova nenhum dos três pretendentes das tribos escocesas rivais. A rigorosa rainha Elinor é quem mais se magoa com a postura rebelde da filha, a qual, por sua vez, toma uma medida extrema para tentar transformar a mãe. Se o clássico Como treinar seu dragão aborda, sob o ponto de vista bem masculino, a relação de um filho com o exigente pai, Valente procura esmiuçar as particularidades da relação entre mãe e filha. A exemplo de romances como Filha é filha de Agatha Christie, Valente aborda como o destino de uma filha depende e se entrelaça com o destino da mãe. Já que o ambiente aqui é a ilha dos anglo-saxões, não é de se admirar que a trama inclua alguns leves toques shakesperianos, vide a importância da bruxa e a existência de um urso espectral. Pais responsáveis não querem apenas estourar uma pipoca e reunir a família em torno da tela. A pergunta fundamental que os pais/programadores se fazem na locadora é: além do entretenimento intrínseco, será que existe algo de valor nesse filme para que eu o programe no meu "cinema particular"? Ao final da sessão, posso dar o meu veredito: Valente passa no teste.

Asterix e os Vikings

No mundo em que o "politicamente correto" está se tornando uma obsessão levada às últimas consequências, é sempre gratificante revisitar personagens concebidos em outras décadas, por artistas não patrulhados por exacerbados paranoicos de plantão. Goscinny & Uderzo produziram seus 24 álbuns entre 1961 e 1977, mas a irreverência de Asterix, Obelix e Ideiafix permanece viva como nunca.  Desta feita, os dois amigos recebem a difícil missão de transformar o medroso Goudurix, o sobrinho de Abracurcix, em um gaulês destemido e exemplar. Paralelamente, os vikings desejam capturar o "campeão do medo", para que o covarde jovem lhes ensine a natureza desse sentimento desconhecido pelo povo nórdico. Os vikings acreditam que o medo lhes dará asas para voar, conforme vaticinou o druida da tribo viking.

Mas Abba, a filha do chefe viking vai se apaixonar pelo mancebo, complicando a situação. Para quem

 tem filhos em idade pré-escolar (ou seja, ainda não oficialmente alfabetizados), Asterix e os Vikings (2006) é uma boa iniciação ao encantador mundo dos gauleses mais famosos da banda desenhada. Os diretores Jesper Moller e Stefan Fieldmark são bons expoentes da escola de animação dinamarquesa; o primeiro depois realizou Sandman and the Lost Sand of Dreams (2010), e o segundo havia codirigido o sucesso Mamãe, virei um peixe (Help, I'm a Fish, 2000).

Cada vez mais, é revigorante revisitar os personagens cujo mote é "Esses romanos são uns neuróticos!" e que têm uma especial predileção para afundar o navio dos pobres e inofensivos piratas. Mas Asterix e Obelix não ensinam apenas a ironia e o sarcasmo: também são exemplos de humildade, camaradagem, honradez e outras muitas qualidades dos intrépidos gauleses que nunca cedem aos invasores, sejam eles romanos ou até mesmo vikings.

Anjos da noite - o despertar

Awakening é o quarto filme da "franquia" Underworld. Kate Beckinsale brilha novamente na pele, ou melhor, no outfit de Selene, a vampira que é o terror dos lobisomens, chiquemente rotulados de lycans nesse submundo. Se a heroína de O despertar de Kate Chopin (romance que, ao ser publicado em 1899, foi rotulado de ser uma espécie de Madame Bovary ambientado no sul dos EUA) desafia as convenções sociais, a heroína de Anjos da noite - o despertar desafia tudo (humanos, superlycans) para proteger sua inusitada e inesperada filha, Eve (a menina India Eisley). Completam o elenco o aspirante a galã Theo James (David, o vampiro boa-praça), Stephen Rea (como o maquiavélico Dr. Jacob) e Michael Ealy (detetive Sebastian). Se no romance de Chopin acontece o despertar da feminilidade e da ânsia de liberdade de Edna Pontellier, no filme da dupla de diretores estreantes Marlind & Stein acontecem (1) o despertar de uma nova e mais poderosa estirpe de lycans - os uberlycans e (2) o despertar de Selene após doze anos congelada como cobaia na empresa de pesquisa Antigen. Filmado em 3-D, Anjos da noite - o despertar tem como um dos roteiristas Len Wiseman, o criador e diretor dos dois primeiros longas da série, que em 2012 assinou o elogiado remake de Total Recall (O vingador do futuro, originalmente realizado por Paul Verhoeven). Por incrível que possa parecer, a franquia Anjos da noite chega ao quarto filme com bastante fôlego e, mais incrível, mostra que ainda tem fôlego para continuar. Uma delícia para despertar fãs de trashs, fãs de ação, fãs de terror e, last but not least, fãs de Kate Beckinsale. Não é sempre que aparece um filme assim - com espírito trash, mas com apuro visual de superprodução.

O escritor fantasma

A carreira de Roman Polanski tem como pontos altos filmes como Repulsa ao sexo (1965), Cul-de-sac (1966), O bebê de Rosemary (1968), Chinatown (1974), O inquilino (1976), Tess (1979), Busca frenética (1988) e O pianista (2002). Com um currículo desses, dificilmente alguém diria que O escritor fantasma situa-se entre os melhores filmes desse parisiense nascido em 1933. Difícil de classificar o gênero. Thriller? Hum... Meio forçado: só tem uma cena de ação. Suspense? Bem, a certa altura existe um clima de whodunnit, em torno da morte do ghost writer do primeiro-ministro Adam Lang interpretado por Pierce Brosnan. Mas não é um suspense de "pedigree"... Digo, não é um suspense tradicional. Se existisse um subgênero "teoria da conspiração", talvez O escritor fantasma se enquadrasse. De qualquer modo, esse hibridismo de não se enquadrar num gênero acaba sendo uma das qualidades do filme. E a outra qualidade é a presença de personagens enigmáticas, como a gélida Ruth Lang, a esposa do primeiro-ministro (em excelente atuação de Olivia Williams).

E o próprio profissional contratado para substituir o ghost writer morto, encarnado por Ewan McGregor, é uma pessoa no mínimo esquisita. Justamente a contida atuação dele que sustenta o filme, cujo roteiro se baseia na obra homônima de Robert Harris. Em suma, talvez pela direção tarimbada de Polanski, O escritor fantasma é um filme bastante tolerável. Na aridez atual de bons diretores autorais, ter diante dos olhos um filme de Polanski deveria ser uma dádiva. Em outras palavras, ainda é mais garantido ver um dos filmes mais fracos de um diretor forte do que o filme mais forte de um diretor fraco. A propósito, força é o que não faltou no seu filme seguinte: Deus da carnificina.  

Padre

Filme do diretor Scott Stewart, estrelando Paul Bettany e Maggie Q, inspirado na série de 16 manhwas criada por Hyung Min-woo, publicada entre 2002 e 2007. Com uma estética apocalíptica que lembra as paisagens de filmes como Mad Max, os quadrinhos coreanos inovaram ao mesclar elementos western com horror. Mérito: a rápida introdução com recursos animados para "explicar" aos neófitos a eternamente conturbada relação entre os humanos e os "so-called" vampiros. Os seres que não gostam de sol sempre existiram, e cada época teve de lidar com eles ao seu modo. Chegou um tempo em que um grupo de elite - os padres - com o amparo da Igreja se tornou a principal arma contra as temidas e sanguinolentas criaturas. Depois de muitas batalhas, agora os vampiros estão detidos em reservas; os padres deixaram de ser úteis e estão proibidos de sair da cidade. Um deles desafia o sistema quando uma moça de sua família é raptada num posto avançado. Maggie Q encarna a bela priestess que tem uma queda pelo eternamente subaproveitado Paul Bettany. O realizador Scott Stewart já havia trabalhado com Paul Bettany no filme Legião (2010).

 

O rei leão

O rei leão, clássica animação da Disney dos anos 1990, agora chega às locadoras em blu-ray 3-D. Para quem já tinha visto e se emocionado no cinema, é uma oportunidade única para reunir a família e curtir um excelente filme. A saga de Simba, o leãozinho órfão desterrado que retorna para pleitear o trono usurpado pelo tio Scar, permanece uma eterna diversão para toda a família. Claro que assistir a um filme com os filhos envolve sempre uma dose de "sacrifício". Por exemplo, eu sempre dei preferência a filmes legendados, mesmo no caso de animações. Mas quando a plateia também é mirim, o negócio é esquecer que o áudio original tem as vozes de Jeremy Irons (o pérfido Scar), Matthew Broderick (Simba adulto), James Earl Jones (o justo e nobre Mufasa), Whoopy Goldberg (a asquerosa hiena Shenzi) e até Rowan Atkinson (como o atrapalhado Zazu). E, à medida que prestamos atenção, começamos a reconhecer e a valorizar a boa qualidade das traduções e dublagens nacionais. Há filmes (e pessoas) que têm o dom de não "envelhecer". O rei leão é um deles. E cinéfilos sempre podem rejuvenescer. É só colocar os óculos e apertar o play.

Deu a louca na Chapeuzinho 2 (3 D)

A história dos irmãos e realizadores Todd e Cory Edwards é inspiradora. Pois transformaram a paixão da infância e adolescência (os desenhos animados) primeiro no curta-metragem Chillicothe (1999), elogiado no Festival de Sundance e, mais tarde, no longa Hoodwinked (Deu a louca na Chapeuzinho, 2006). Por uma conjunção de fatores que incluem a sorte (mas, como disse Pasteur, "A sorte favorece a mente preparada"), o filme foi distribuído pelos irmãos Weinstein e contou com as vozes de Anne Hathaway e Glen Close. Resultado: um sucesso de crítica e bilheteria, num filme que reconta a história de Chapeuzinho vermelho sob diferentes pontos de vista. Com o cacife, veio a possibilidade de planejar a sequência: Deu a louca na Chapeuzinho 2 (2011). Desta vez, Chapeuzinho tenta resgatar João e Maria das garras de uma maquiavélica bruxa. No processo, descobrirá outra faceta dos personagens dos Grimm. A direção agora é de Mike Disa, e os irmãos Edwards colaboraram no roteiro. A crítica adotou a postura de espinafrar o filme. Para um cinéfilo com filhos e sem muitas opções na locadora, a continuação tem lá seus momentos e méritos.

Dumbo

Dumbo (1941) permanece um clássico imorredouro da animação. É considerado pelos especialistas um dos mais simples, populares e encantadores filmes de Walt Disney. A receita é modelar: cores vivas e uma boa história para contar. Com apenas sessenta e poucos minutos, Dumbo não tem "tramas paralelas". É apenas a história de um elefantinho trazido pela cegonha com uns dias de atraso para a Mrs. Jumbo, a jovem aliá do circo, e que, para os "padrões normais", possui uma característica que o distingue: as estupendas orelhas. Logo passa a ser caçoado pelos outros elefantes e, o que é pior, por crianças malvadas que vão olhar os animais do circo e provocam o inocente futuro paquiderme. A reação da mãe é exemplar: dá umas palmadas no maroto com a tromba e põe eles para correr, ficando sobre duas patas. O que acontece depois? Bem, se você não lembra, é melhor locar Dumbo para mostrar para os filhos pequenos. Com sequências tidas como das mais influentes da animação (vide a dança dos elefantes cor-de-rosa), Dumbo é um deleite visual e musical, com uma história singela, contada do ponto de vista de alguém que sofre discriminação por ser diferente. Em tempo: o blu-ray vem com dois curtas com temas semelhantes: O rato voador, sobre um ratinho que sonha em voar e O elefante Elmer, sobre um elefante que sofre bullying por ter o nariz muito comprido.

Homens de preto 3

Se você é um cético que não acredita naquelas frases de efeito das capas dos filmes nas locadoras, talvez mude de ideia ao assistir a MIB 3. "O melhor filme da série". É algo que motiva o incauto cidadão que já deixou de ver no cinema para ao menos conferir no aconchego do lar. E que outra opção tem um cinéfilo que está numa cidade sem sala de cinema?

Pois não é que Homens de preto 3 é tudo isso mesmo que prometia? O diretor Barry Sonnenfeld e os produtores esperaram um roteiro inteligente e divertido para dar continuidade à saga da Agência em sua luta eterna contra os alienígenas mal-intencionados. Josh Brolin está irretocável como o agente K em 1969. Homens de preto 3 tem um excelente roteiro com a dose certa entre ação, comédia e, inclusive, leves pitadas de emoção. Somem-se a isso um trio de atores afiados e uma direção segura e... bingo! O melhor dos três Homens de preto, sem dúvida!

Thor e Os vingadores

Talvez sem querer, o diretor Kenneth Branagh, por seu sólido background shakesperiano, tenha impregnado cada cena de Thor (2011) com um peso dramático que contribui sobremaneira à contundência e à eficácia da obra. O ator Chris Hemsworth precisa dar a seu personagem mais do que músculos, cabelos loiros e olhos azuis. A fachada de Thor é importante, e fica ainda mais convincente com sua armadura e a capa vermelha, mas o principal nesse aspirante a super-herói são as emoções. Primeiro, a arrogância de um guerreiro que se considera imbatível. Depois, a dor de ser exilado num planeta como a Terra, longe de Asgard, seu lar ameaçado por uma guerra iminente, e a angústia de não ser merecedor da confiança do pai. Em seguida, os sentimentos ambíguos em relação ao irmão Loki: misto de amor fraterno com rivalidade. E o que dizer de outro e mais profundo sentimento, despertado pela terráquea Jane (ninguém menos que Natalie Portman)? Enfim, Thor precisa equalizar tudo isso e provar que é digno de ser, realmente, um super-herói. Não sei se os dramas existenciais dos personagens atraíram Branagh para esse projeto. Sei que ele aproveitou com maestria as oportunidades para dar estofo a Thor, personagem e filme. Contribuem para a qualidade do filme as atuações competentes de Anthony Hopkins, como Odin, o rei de Asgard, e da sempre linda Rene Russo, como Frigga, sua cara metade e rainha.

Se Thor tem Natalie Portman, Os vingadores (2012) não deixa por menos: a estonteante Scarlet Johansson encarna (um tanto caricaturalmente, diga-se de passagem) a anti-heroína Natasha Romanoff/Viúva negra, uma das agentes recrutadas por Nick Fury (Samuel L. Jackson) para livrar o mundo da ameaça desencadeada por Loki, o maligno irmão adotivo de Thor. O elenco estelar e quasiestelar (Robert Downey Jr. como Tony Stark/Homem de ferro; Chris Evans como Steve Rogers/Capitão América; Mark Ruffalo como Bruce Banner/Hulk; o já citado Chris Hemsworth como Thor e Jeremy Renner como Clint Barton/Gavião arqueiro, sem falar na oscarizada Gwyneth Paltrow como Pepper, a assistente de Mr. Stark) tenta dar credibilidade ao roteiro do diretor Joss Whedon, mais conhecido por ser o criador e roteirista da série televisiva Buffy, a caçadora de vampiros. 

Detona Ralph

Ralph está em crise existencial. Às vésperas de completar trinta anos (assim como todos os personagens do jogo Conserta Félix Jr.), começa a se questionar certas coisas. Incomoda-lhe o fato de não ser reconhecido pelo que faz (destruir as janelas do condomínio só para que Félix Jr. as conserte e ganhe uma medalha). Incomoda-lhe o fato de morar no lixão enquanto todos os outros personagens do jogo moram no prédio. Enfim, incomoda-lhe o fato de ser vilão. Quer a sensação de ser mocinho, de fazer algo construtivo, não apenas usar a força bruta para destruir coisas. Essa é a curiosa e inteligente premissa do filme Detona Ralph, animação 3-D com boas sacadas e ritmo vertiginoso. Além do bom longa, a plateia é brindada também com um gracioso curta-metragem na abertura, Avião de papel.

Sucker punch: mundo surreal

Zack Snyder é um cineasta que não faz concessões. O mais incrível é que, por méritos de seu incomensurável talento, adquiriu poder na "indústria" a ponto de fazer o que bem entender. É o caso de Sucker Punch, um capricho do realizador de Madrugada dos mortos, 300, Watchmen, A lenda dos guardiões e do vindouro Homem de aço.

Mas, diga-se de passagem, um capricho delicioso. Em primeiro lugar, há um bom tempo um diretor não reunia um elenco tão atraente como Emily Browning (a protagonista Babydoll), Abbie Cornish (Sweet Pea), Jena Malone (Rocket), Vanessa Hudgens (Blondie), Jamie Chung (Amber) e Carla Gugino (Dra. Vera Gorski). Vide as fotos de duas prèmieres no fim deste post.
O filme é pura self-indulgence, expressão de difícil tradução, como a do título do filme. Segundo o Merriam Webster, self-indulgence é a "excessive indulgence of one's own appetites and desires". E sucker punch é "a sudden surprise punch". Snyder dá um golpe inesperado naqueles que o pretendiam vê-lo vendendo sua alma e fazendo filmes não alucinados, não darks, não surreais, não imprevisíveis. A seu bel-prazer, lança mão de tudo que a indústria tem de melhor para realizar um filme completamente descartável para quem tem os pés no chão, mas essencial para quem gosta de dar asas à imaginação e ama filmes loucos. O onírico Sucker Punch desde já tem seu lugar garantido, junto com o belga Malpertuis, o recente Ilha do medo de Scorsese e, por que não, A origem de Christopher Nolan, entre os filmes que exploram as tênues linhas entre consciência e sonho, realidade e loucura.

John Carter - entre dois mundos

	Só a mente imaginativa de um Edgar Rice Burroughs (1875-1950) conceberia o improvável romance entre um contemporâneo da Guerra Civil dos EUA com uma princesa marciana. Só um diretor como Andrew Stanton (cujo currículo invejável abrange dois Oscar de Melhor Animação, a saber, Procurando Nemo e Wall-E) teria o cacife, a tenacidade e a sensibilidade de transpor ao cinema, com verossimilhança, uma ideia aparentemente estapafúrdia como essa.

O aventureiro e explorador John Carter (Taylor Kitsch) envia uma carta ao sobrinho Edgar, convocando-o para visitá-lo depois de um tempo sem se comunicarem. Chegando lá, Edgar se depara com o tio morto, um testamento e um manuscrito em que o tio relata suas inimagináveis aventuras.

Essa é apenas a premissa de um filme com foco na ação e no ritmo. Tanto que muitas cenas de "contextualização" foram impiedosamente cortadas, como mostra o diretor nos extras, a bem de preservar a cadência e tornar o filme mais ágil. Carter narra ao sobrinho como foi parar em Marte e como conheceu o povo Thark. A propósito, os dois principais líderes do povo que tem altura avantajada, pele esverdeada, aspas torcidas e quatro braços são interpretados por Thomas Haden Church (Tal Hajus, o líder vilão) e Willem Dafoe (Tars Tarkas, o líder do bem). Mas quem domina o foco da narrativa é a bela princesa marciana Dejah Thoris (Lynn Collins), de Helium, que foge para não ser obrigada a se casar com o líder da cidade rival, Zodanga. É se deixar embarcar na mitologia criada por Edgar Rice e se maravilhar com as criaturas de outro mundo - e as emoções do nosso.

Longe dela

Estreia de Sarah Polley como diretora. Conta a história de um casal prestes a se separar, pois a esposa Fiona (Julie Christie) vai internar-se numa clínica especializada em mal de Alzheimer. O marido Grant (Gordon Pinsent) a ama e reluta em concordar com a decisão dela. Mas Fiona é irredutível. Pensa que o marido ficará melhor longe dela. Eis que o inusitado acontece: no novo ambiente, Fiona acaba formando uma intensa amizade com outro interno, Aubrey, o marido de Marian (Olympia Dukakis). Grant, por sua vez, acaba se aproximando de Marian quando ela precisa retirar o marido da clínica por motivos financeiros, o que deixa Fiona muito triste e desorientada. Sarah Polley aborda temas como Alzheimer, amor, sexo na terceira idade, ciúmes e altruísmo com delicadeza e argúcia, demonstrando talento para dissecar as emoções e agruras humanas, confirmado na segunda película (ver post sobre Take This Waltz).

Space Station 3-D + Hubble 3-D

Dois documentários dirigidos e roteirizados por Toni Myers com a cooperação da NASA. Space Station 3-D foi realizado em 2002. Com a narração de Tom Cruise, mostra como astronautas de várias nações contribuíram com a construção da ISS (estação espacial internacional). Hubble 3-D (2010), com narração de Leonardo DiCaprio, narra a trajetória do Hubble, com ênfase na última jornada de uma equipe do ônibus espacial para consertar o telescópio em órbita. Dois pratos cheios para quem gosta de astronomia e ciência, ou mesmo para quem é curioso e quer investir um par de 45 minutos em imagens de tirar o fôlego.

Deep Sea 3-D + Under the sea 3-D

Dois rápidos (na faixa de 40 minutos cada) e deslumbrantes documentários realizados pela dupla de cineastas oceânicos Michele e Howard Hall, com a tecnologia IMAX-3D. Deep Sea 3-D, de 2006, conta com a narração da dupla Johnny Depp/Kate Winslet e traz os encantos dos mares do México, do Caribe e dos EUA (Carolina do Norte). Já Under the Sea 3-D, com narração de Jim Carrey, conduz os espectadores aos coloridos recifes de Papua Nova Guiné, Austrália e Indonésia. Criaturas marinhas bizarras e surpreendentes, delicadas e aterrorizantes. Os filmes trazem bônus em que as particularidades e dificuldades técnicas são reveladas.