Bacurau: doze pôsteres (e doze motivos para assistir)

Vale a pena assistir a Bacurau por vários motivos.

1) Mostra paisagens (e obras de engenharia como a represa Gargalheiras, no RN) pouco conhecidas de nosso impressionante e maravilhoso Brasil. Talvez, não exatamente no "Oeste de Pernambuco".

2) É um filme que constrói o suspense paulatinamente, num crescendo, old school style. Não é do estilo "frenético". 

3) Fisga o espectador por meio de pequenos ganchos, coisas bizarras que aparecem e vão acontecendo, aparentemente sem explicações lógicas.

4) Aos poucos, vai elucidando um a um desses mistérios, embora as explicações não sejam mastigadas e, às vezes, apenas sugeridas.

5) É uma distopia dirigida por uma dupla de cineastas brasileiros, que mescla experiência e juventude: Kleber Mendonça Filho e Juliano Dornelles. E, diga-se de passagem, a distopia em Bacurau me pareceu uma inusitada mescla de The Cars that Ate Paris (Peter Weir) com Death Race 2000 (Roger Corman).

6) Tem um elenco misto de brasileiros e estrangeiros (95% brasileiro) que se entrega à missão de dar verossimilhança à história. Os óbvios destaques são Sônia Braga como Domingas e Udo Kier como Michael. Mas tem muitas caras novas e promissoras.

7) Uma cena muito divertida que me fez dar risada. Qual? Se eu contar é spoiler. 

8) Músicas escolhidas a dedo e impactantes. 

9) Um violeiro gaiato (o.k., você venceu: ele que protagoniza a cena do item 7).

10) Suscita discussões, não morre ali mesmo, quando acaba. É provocativo. É polêmico. Já recebeu 5 estrelas e nenhuma estrela. Já foi acusado de ser a prova de nossa falta de inteligência. Já foi acusado de ser muito inteligente e de que seria melhor se fosse mais burro.

11) Bacurau surpreende pela visão sombria da humanidade com críticas sociais embutidas; entre elas: local versus global, dominação vs resistência.

12) Last but not least, o filme foi agraciado com muitos prêmios importantes, o principal deles, o Prêmio do Júri do Festival de Cannes.

A voz suprema do blues

 

Pelo que eu conheço da Academia, o filme de George C. Wolfe, Ma Rainey's Black Bottom (A voz suprema do blues), tem boas chances de fazer história no dia 25 de abril como o filme que deu a Chadwick Boseman um Oscar de Melhor Ator.

Black bottom é na verdade uma dancinha afro-americana, famosa no jazz dos anos 1920. Joelhos dobrados, torso curvado e movimentos sincopados de pélvis e quadril. Segundo a Enciclopédia Britânica, a black bottom, junto com o charleston, fez tremer as bases das danças em pares. Você dança com alguém, mas pode se afastar do par, ou se quiser, dança sozinho.

O produtor é ninguém menos que Denzel Washington, que já havia adaptado outra peça teatral do dramaturgo August Wilson para o cinema: Fences, que no Brasil foi lançado como Um limite entre nós (2016), dirigido e protagonizado por Denzel, e o elenco também trazia Viola Davis.

Em A voz suprema do blues, o roteiro foi adaptado por Ruben Santiago-Hudson, e este pode ser outro ganhador do Oscar.

Viola Davis como Ma Rainey é uma interpretação estupenda, digna de ser premiada.

E saber que A voz suprema do blues foi o último filme do "Pantera Negra" Chadwick Boseman nos entristece ao mesmo tempo em que faz aumentar a admiração por ele.

Chadwick se torna o trompetista Levee Green. Outra interpretação estupenda, digna de Oscar.

Assim, a cerimônia de 25 de abril pode ter um Oscar póstumo (mereceria ter dois, mas Jack Fincher acabou não sendo indicado ao Oscar de Melhor Roteiro Original pelo estupendo roteiro de Mank).

Uma qualidade de A voz suprema do blues é ser curto! A metragem foge da mania atual de encompridar a história. 94 minutos. Na medida certa. 

George C. Wolfe, diretor com mais experiência em teatro, fez a transição da peça para outra mídia com emoção e dinamismo.

O filme conta em tempo real uma sessão de gravação da obstinada Ma Rainey num estúdio abafado no calor do verão de Chicago.

Dos "oscarizáveis" que já assisti, é o que mais se universaliza em termos de mensagem, de tocar o público por diferentes motivos. 

Os 7 de Chicago

Drama de tribunal escrito e dirigido por Aaron Sorkin, Os 7 de Chicago é o segundo filme do nova-iorquino como diretor. Estreou na direção com A grande jogada (2017). 

Como roteirista, um de seus trabalhos mais notáveis foi outro filme de julgamento, Questão de honra (1992), cuja cena mais famosa é:

A propósito, a categoria de "escrito e dirigido por" anda meio combalida. São poucos cineastas autorais que temos hoje em dia.

Almodóvar? Parece que já deu o que tinha que dar.

Lynch? Encerrou a carreira no décimo filme.

Aronofsky? Criou fama e se deitou na cama.

Tarantino? Tornou-se uma caricatura de si mesmo.

Rodriguez? Algum dia se levou a sério? 

Weir? Está bem vivo, mas seu último filme foi em 2010.

Então que bom que Aaron Sorkin se tornou diretor. Vida longa para ele nesta carreira, e que continue assinando bons roteiros.

Os 7 de Chicago tem um roteiro bem desenvolvido, com algumas cenas que poderiam ter sido cortadas (p. ex., a reunião na casa do ex-procurador geral).

Afora essa metragem exagerada (defeito que 99% dos filmes atuais padecem), Sorkin realiza um bom trabalho na condução da história, que tem muitos personagens e detalhes.

Levanta discussões válidas, como a possibilidade de existir um julgamento político. Um dos réus afirma isso, e o advogado de defesa responde que não, que existem apenas dois tipos de julgamento, civil e criminal.

Claro que ao longo do filme essa questão será esmiuçada.

Protestos em Chicago contra a Guerra do Vietnã acabam em confronto dos manifestantes com a polícia.

Os policiais, aparamentados com máscaras, bombardeiam a multidão com gás lacrimogêneo e fazem uso de seus cassetetes.

Os líderes dos movimentos envolvidos, inclusive Bobby Seale (Yahia Abdul-Mateen II), um ativista ligado ao Partido dos Panteras Negras, e Tom Hayden (Eddie Redmayne, Oscar de Melhor Ator por A teoria de tudo) são denunciados e se tornam réus, mas o julgamento parece ser um jogo de cartas marcadas.

Outros destaques do elenco são Joseph Gordon-Levitt, como o promotor, Mark Rylance (advogado de defesa), Frank Langella (juiz) e Sacha Baron Cohen (líder dos Yippies).

Mank

 Com roteiro de seu pai, Jack, o cineasta David Fincher, em produção da Netflix, realiza um ambicioso exercício de metalinguagem que delineia a personalidade do roteirista Herman J. Mankiewicz e, paralelamente, aborda como o roteiro de Cidadão Kane foi composto.

E eis que o melhor de Mank é o roteiro mesmo.

A atuação de Gary Oldman como Mank é muito convincente, a direção funciona, os demais atores colaboram com boas participações. O roteiro ilumina alguns detalhes do fazer textual de Herman J. Mankiewicz, de seu problema com o álcool, de suas amizades e sua relação sólida, mas inusitada, com a esposa Sara. Mank é uma iniciativa ousada que resultou num filme de boa qualidade, isso é indiscutível.

É o suprassumo do cinema falando sobre ele mesmo, mas esse é também o seu principal problema: uma história que só vai interessar pessoas que se interessam por cinema...

E quem conhece as referências vai se divertir mais e aproveitar mais a experiência.

O filme aborda en passant a discussão ética sobre o crédito do roteiro de Cidadão Kane. Orson Welles também foi creditado como corroteirista e levou um Oscar de Melhor Roteiro Original para casa.

Mank, o filme de David Fincher, mostra que Orson sugeriu mudanças e deixa a critério do espectador fazer o seu julgamento.

Mas dá a entender que uns 90% do trabalho são de autoria de Herman.

Em tempo: a estética da fotografia em preto & branco escolhida para contar a história de como o roteiro de Cidadão Kane foi composto é uma faca de dois gumes. Ao mesmo tempo em que transmite uma sensação de anos 30 e 40, às vezes passa um ar de solenidade, uma preocupação demasiada em chamar a atenção para a fotografia em si, em detrimento da história.

Voltando ao ponto forte do filme, que é o roteiro de Jack Fincher.

O roteiro envolveu muita pesquisa e parece um misto de imaginação com fatos.

Um pouco hermético em sua construção em tomadas precedidas com os dizeres de um script, em uma citação quase icônica sobre a arte de fazer roteiros, uma homenagem aos artistas que passam a vida fazendo rubricas e diálogos em roteiros de filmes medianos.

O trabalho do roteirista Herman J. Mankiewicz, Mank para os mais íntimos, atingiu o ápice em Cidadão Kane, filme que lhe rendeu o Oscar de Melhor Roteiro, dividido com Welles.

A propósito, o próximo Oscar 2021 só acontece em 25 de abril, mas já tem um injustiçado: Jack Fincher, falecido em 2003, incrível e inexplicavelmente, não foi indicado para Melhor Roteiro Original.

O gambito da rainha

 

Walter Tevis faleceu em 1984 tendo publicado 6 romances. Ele viveu para ver The Hustler (Desafio à corrupção, 1961) e The Man Who Fell to Earth (O homem que caiu na Terra, 1976) transpostos para o cinema, pelos diretores Robert Rossen e Nicolas Roeg, respectivamente.

Em 1986, postumamente, a continuação de The Hustler, e último romance de Tevis, The Color of Money, ganhou as telonas sob a batuta de ninguém menos que Martin Scorsese.

Trinta e quatro anos depois, a obra dele já havia sido esgotada em termos multimidiáticos?

Ledo engano.

Eis que como quem tira um coelho da cartola, a Netflix lança O gambito da rainha, minissérie inspirada no penúltimo romance de Tevis, homônimo, lançado em 1983.

And guess what?

A minissérie pode ser considerada o mais estrondoso sucesso de 2020, não apenas em se tratando de televisão, mas em termos culturais, mesmo.

Este post tem a intenção de se debruçar sobre o fenômeno e tentar explicá-lo.

Por que motivos O gambito da rainha se tornou uma influência tão poderosa mundialmente, a ponto de aumentar o interesse por xadrez de um modo astronômico?

O que explica essa atração que o público sentiu por Beth Harmon?

Tevis declarou que o livro era um "tributo às mulheres cerebrais". Esse é um bom ponto de partida para justificar o sucesso do produto.

O texto original tem estofo, tem um valor intrínseco até então inexplorado pelo show business, mas antes tarde do que nunca.

Quando foi publicado, era um livro à frente de seu tempo. 

Tudo tem sua hora certa. Em 2020 o mundo estava pronto para conhecer Beth Harmon (Anya Taylor-Joy), para que o intelecto multifacetado desta moça cerebral fosse apresentado às massas.

O segundo motivo que explica o sucesso é o modo como o conteúdo foi envelopado e involucrado. 

Uma direção de arte estupenda, com uma atenção aos detalhes esplendorosa, que remete os espectadores ao glamour dos torneios internacionais de xadrez da década de 1960.

Mérito dos realizadores da minissérie, Scott Frank e Allan Scott.

Excelência no conteúdo, excelência na forma. 

A fórmula do sucesso parece simples...

Mas o cuidado aos detalhes exige humildade.

O autor Walter Tevis não só estudou profundamente o jogo de xadrez como também entregou o manuscrito a um grande mestre de xadrez, Bruce Pandolfini, que sugeriu mudanças para aumentar a verossimilhança.

Por sua vez, o diretor de arte da minissérie, Uli Hanisch, construiu sets incríveis em Berlim, após minuciosas pesquisas.

Esses esforços se refletem nos resultados. 

Por fim, um comentário de quem saboreia uma pitada de teoria literária.

O gambito da rainha é um Bildungsroman, gênero literário que focaliza o crescimento psicológico e moral do protagonista, da infância à vida adulta. Em inglês, o termo é "coming of age".

No Brasil, esse termo foi cunhado como "romance de formação". Vide este estudo sobre o gênero no Brasil. Assim de cabeça eu citaria duas sagas, a de José Lins do Rego (começada em Menino de Engenho) e a de José Mauro de Vasconcelos (começada em Meu pé de laranja-lima) como bons exemplos desse tipo de romance.

Os 7 episódios da minissérie O gambito da rainha mostram como o caráter e o intelecto de Beth Harmon se formam, e como Beth consegue crescer em meio às dificuldades, e isso conquistou o público.

 

O homem de palha

 

O autor de peças teatrais Anthony Schaffer, roteirista dos filmes Frenesi e Jogo mortal, coassina o texto deste envolvente mistério dirigido por Robin Hardy, que escreveu este artigo no The Guardian explicando como o filme foi realizado.

Não é à toa que O homem de palha está na lista do guia 1001 filmes para ver antes de morrer, editado por Steven Jay Schneider.

A trama é muito curiosa e traz elementos evocativos e sensuais.

Um sargento pousa com seu hidroavião numa remota ilha escocesa para investigar o sumiço de uma garota.

Ninguém parece colaborar com a investigação e todo mundo se remete ao proprietário da ilha, o Lorde Summerisle (Christopher Plummer), com uma aura de respeito e estranheza.

O bizarro comportamento do povo local a princípio deixa o investigador intrigado e, com o andar do tempo, perturbado.

Numa famosa e insinuante sequência, a atraente filha do estalajadeiro tenta seduzir o sargento Howie (Edward Woodward) num excruciante jogo de tensão sexual.

Todos os habitantes da ilha parecem levar suas vidas de modo lascivo, o que deixa o pudico sargento, que alega estar noivo e não acreditar em sexo antes do casamento, extremamente chocado.

Um ritual está prestes a acontecer no dia 1º de maio, mas o sargento resolve decolar para buscar reforços.

O homem de palha é um filme bastante gráfico, visualmente forte, e com estofo suficiente para provocar debates.

Acirrados ou não, esses debates ultimamente focam a existência de várias versões, ou "cortes", com os críticos discutindo qual delas é mais eficiente do ponto de vista fílmico.

E qual a versão que eu pude ver?

A que estava disponível, com 92 minutos de metragem.

Comprei em VHS do acervo da Zílvia, locadora passo-fundense, por R$1,00, e mandei converter para DVD por R$25,00.

Alguns dizem que a versão mais curta funciona melhor que as versões estendidas, pois a ausência de algumas cenas ajuda a preservar o suspense e a não entregar as reviravoltas.

Outros dizem que as cenas cortadas desfiguram a obra. Na opinião deles, a versão mais recente, a "Director's Cut", é a melhor, e não atrapalha o plot twist.

Sobre esse debate eu não posso opinar. Sei que a versão do VHS já é suficientemente interessante para justificar toda essa logística.

Trailer: 

Scanners: sua mente pode destruir

 

 

David Cronenberg tem uma queda pela morbidez que me atrai. Filmes como A mosca, Gêmeos: mórbida semelhança e Na hora da zona morta (adaptação de Stephen King) funcionam até hoje. Sou do tipo de cinéfilo que pensa que filme bom não "envelhece".

Scanners pertence à essa estirpe de filmes de Cronenberg cujo principal objetivo é fazer mergulhos nos mistérios do cérebro humano, investigações sobre a nossa natureza e os limites sensoriais.

O que torna o filme ainda muito atual é que os efeitos especiais, vanguardistas para a década de 80, hoje permanecem chocantes e verdadeiros.

Assim, a trama ganha verossimilhança, e Cronenberg deita e rola em suas viagens alucinógenas.

Além de ousado, um bom cineasta precisa ter "feeling" e acreditar em sua intuição. 

Assistiu ao filme e não gostou da sequência final.

O orçamento já estava estourado.

Mostrando perfeccionismo e coragem, o diretor canadense contratou um expert em efeitos e chamou os atores principais para refazer o final.

 Por sinal, Michael Ironside, um dos protagonistas, conta que ganhou uma ninharia para fazer o filme. Mas construiu um currículo para depois em Hollywood fazer o pé-de-meia.

Este filme de Cronenberg persiste em sua capacidade de nos fazer meditar sobre a força do pensamento.

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A cena mais representativa de Scanners é a que Darryl Revock (Ironside) explode o cérebro de um interlocutor diante de uma atônita, aturdida e acachapada plateia. 

Por essas e outras, o adjetivo "mind-blowing" cai como uma luva para descrever Scanners.

É um filme importante na vasta e um tanto irregular filmografia de Cronenberg, mas serviu para renovar minha admiração pelo trabalho do canadense.

Cogito até a hipótese de dar uma nova chance a outro filme dele (Naked Lunch), cuja sessão, num dia muito quente, numa sala sem ar condicionado, cometi a precipitação de abandonar.

Autoquestionar-se também pode ser "mind-blowing".  

Repo Man: a onda punk

 

Neste cult de Alex Cox, Emilio Estevez é Otto, um "punk" revoltado contra o sistema, mas que por influência de Bud (Harry Dean Stanton) torna-se um "agente do confisco", ou "repo man", um cara que trabalha para "repossess", ou recuperar, veículos de pessoas inadimplentes.

A trama paralela (ou central) tem a ver com um misterioso veículo com placas de Roswell, Novo México, dirigido por um misterioso senhor com óculos tapa-olho. Quem abre incautamente o porta-malas do carro...

A cena inicial é um exemplo de simplicidade e eficiência para capturar o espectador.

O filme se tornou cult não por conta dos efeitos especiais relativamente toscos, mas sim pelas críticas sociais embutidas e os diálogos cortantes. 

Em tempo: o subtítulo "a onda punk" foi uma discutível jogada de marketing dos distribuidores brasileiros. Otto não é um punk de verdade, apenas tem uma atitude revoltada e às vezes dança pogo com seus amigos. Mas por incrível que pareça o subtítulo pegou, para o bem ou para o mal.

Pânico no ano zero!

O grande ator Ray Milland acumula neste clássico da ficção científica o cargo de diretor. 

Mas o grande astro do filme é o roteiro.

Filmado em preto e branco, em plena guerra fria, Pânico no ano zero! (1962) explora o pânico de uma guerra nuclear.

A família Baldwin madruga e pega a estrada com um trailer rumo a uma pescaria de fim de semana.

Harry (Ray Milland) e Ann (Jean Hagen) estão animados, ao contrário dos filhos adolescentes Rick (Frankie Avalon) e Karen (Mary Mitchell), emburrados por ter que acordar cedo com um só objetivo: peixes. 

No caminho rumo às montanhas, estranhas explosões luminosas espocam no horizonte em vários pontos e momentos. 

Os clarões são intensos e a família logo desconfia que algo não está certo.

Quando o pior cenário se confirma (os EUA estão sofrendo ataques nucleares em várias cidades), a família tem um dilema: voltar ou não voltar para tentar resgatar a mãe de Ann. Relutante, Harry dá meia-volta com o carro.

Mas o pânico começa a se instalar na rodovia sinuosa, com uma caravana de carros fugindo de Los Angeles. A família estaciona numa lanchonete de beira de estrada para coletar informações e tomar café.

Então tomam a difícil decisão: a sobrevivência individual de cada membro do núcleo familiar será a prioridade nos próximos dias. 

Será impossível voltar para buscar a vovó.

Agora os seres humanos começam a sentir os efeitos de uma situação desesperadora e anômala.

Medidas extremas podem ser tomadas, a selvageria contida pela civilização aflora...

Ética, civilidade e solidariedade saem de cena.

A lógica do "cada um por si, Deus por todos" está valendo agora, mais do que nunca.

A família esconde o carro e passa a morar numa caverna, evitando ao máximo o contato com outras pessoas.

Mas a perversidade se materializa na forma de uma gangue de marginais que não tem escrúpulos para matar e estuprar.

Como ator não há o que dizer de Ray Milland, que ganhou Oscar de Melhor Ator ao interpretar um alcoólatra em Farrapo humano, em 1945, dirigido por ninguém menos que Billy Wilder.

O seu trabalho na direção é discreto e eficiente, um trabalho de quem aprendeu o ofício observando os mestres.

Colossus 1980

 

Filme de ficção científica de 1970 que funciona e trabalha em dois níveis: a dicotomia entre "criador" e "criatura" (lembrando a obra de Mary Shelley, Frankenstein) e a ameaça da inteligência artificial para a humanidade (na esteira do sucesso de 2001, uma odisseia no espaço).

O doutor Forbin é o criador de Colossus, um computador imenso que passa a controlar o arsenal nuclear dos Estados Unidos. A União Soviética, porém, também lança um projeto semelhante, o Guardian.

O suspense se instala quando os dois computadores inadvertidamente estabelecem uma conexão perigosa. Quando o ser humano súbito se torna refém da máquina, o terror substitui o suspense, em um filme que tem lá seu charme.

Uma das curiosidades do roteiro é o estratagema bolado pelo Dr. Forbin para trocar informações com a equipe sem ser vigiado por Colossus. 

Diuturnamente controlado por câmeras instaladas em todos os cômodos e salas, Forbin convence Colossus que precisa de "privacidade" algumas noites por semana para encontros sexuais com sua amante.

O diretor Joseph Sargent é um especialista em cumprir a deadline, um sujeito que trabalhou de 1966 a 2008 ininterruptamente fazendo mais de 40 filmes, sem ganhar notoriedade ou reconhecimento.

O "grande" Roger Ebert (que, como todo bom crítico de cinema, cospe na trajetória da pessoa e se agarra apenas "no que acabou de ver") o classificou de incompetente.

A maior honraria que Sargent recebeu na carreira foi uma indicação à Framboesa de Pior Diretor pelo filme Tubarão 4, a vingança.

E a maior qualidade de Sargent é fazer o que gosta, ser um "pau-pra-toda-obra" da indústria cinematográfica, mostrar a sua resiliência e sua capacidade de continuar, apesar das críticas muitas vezes superficiais e ridículas. 

Em tempo: O sequestro de metrô 123, filme de 1974, foi o auge de sua carreira no cinema, dirigindo Walther Mattau, Robert Shaw, Martin Balsam e Héctor Elizondo.